Catalogue 2022
Solid'art Paris
5/6/7/8 mai 2022
Le Carreau du TEmple
REDécouvrez les 110 artistes de l’édition #1
Parrain 2022
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Jace, street artiste et parrain de l’événement, signe l’affiche du salon de ces facétieux gouzous qui chatouillent déjà les murs des villes du monde entier (plus d’une trentaine de pays). Le gouzou, petit personnage orange et sans visage, cherche à surprendre, suscite la réflexion, apporte une autre vision de l’actualité, interpelle, s’amuse… Chacun de nous peut s’identifier à travers sa grande humanité. Jace réalisera une performance et éditera une sérigraphie spécialement pour le Secours Populaire.
Focus artistes
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Jef Aérosol (né à Nantes en 1957) vit et travaille à Lille depuis 1984. Pochoiriste français issu de la première vague d’art urbain, il a posé son premier pochoir sur les murs de Tours en 1982. Depuis, il a sillonné les rues de nombreux pays pour y peindre ou coller ses personnages, souvent représentés à l’échelle 1. Son travail est désormais caractérisé par l’usage important du noir et blanc. Ses œuvres sont visibles dans de nombreuses expositions en galeries et musées, festivals, ventes publiques et événements internationaux. Jef Aérosol délivre un message humaniste et poétique qui rend son travail universel et intemporel, toujours à la convergence de la réflexion et l’émotion.
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Marion CADET est née en 1989 à Paris et peint depuis son plus jeune âge. Ce qui ne l’empêche pas de devenir architecte. Mais sa passion initiale la rattrape : en 2014 elle reçoit au Grand Palais à Paris la médaille de bronze du Salon des Artistes Français. Elle décide alors de devenir peintre professionnel. Elle est aujourd’hui une valeur émergente de l’art contemporain en France. Elle vit et travaille à Annecy.
Ses toiles s’appuient sur un travail intensif de prises de vue qui, après sélection, vont alimenter son inspiration.
« Je cherche, à travers la personnalité de mes modèles, leurs postures, les cadrages, à traduire mes propres humeurs. A dévoiler une intériorité, une pudeur, une intimité, au moyen d’outils grossiers et imprécis. Paradoxalement, la recherche du détail prend alors une place fondamentale dans mes tableaux. Comment évoquer la douceur et le subtil en appliquant d’un geste sec, vif, à la brosse large, cette peinture noire sur la toile ? »
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Diplômée en arts visuels à l’Université de Sejong en Corée du Sud, Lee Hyun Jong déve- loppe des séries de paysages à l’encre, issus de souvenirs de son pays natal qu’elle mêle à des projections rêvées de lieux vastes et irréels. La ligne d’horizon unique y est remplacée par une multitude de lignes parallèles et sinueuses, qui se dédoublent et s’accumulent comme des strates géologiques ou des rides de sédiments, conférant une grille de lecture à ces vues aé- riennes sans échelle ni proportion.
Tendant à l’abstraction, le détail est évacué au profit de la sensation d’infini et de la nature incertaine de l’élément figuré : une vague pourrait tout aussi bien être une montagne. Entre chaque tracé ininterrompu, le blanc laissé vacant du papier n’est pas un blanc inactif. Il cor- respond à l’idée, très largement répandue dans la pensée taoïste du vide et du plein, que l’in- tervalle est ce qui fait la connexion entre les objets visibles. Et c’est précisément après un temps de silence, pointe Lee Hyun Joung, qu’une ligne jaillit : quelque chose advient sur fond de rien.
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Espace, déploiement de figures – humaines, animales –, de sentiments, de songes sensibles. Glissements d’ombre et de lumière sur la matière presque brute, à peine travaillée, ou comme plus longuement palpée, ciselée, caressée… En quête de traduction sur le vif de la force du mouvement, l’arc des tendons et la pression des muscles… Ou rêveries de la sensualité du corps, la chair frémissante, ou lascive, qui affleure, la fine ligne de la peau, le poids arrondi d’un sein, la courbe d’une fesse, des doigts étirés avides de toucher quoi… espace d’extase réservé derrière les yeux clos…Quête d’un mouvement vital, quête d’équilibre – incarnation et apesanteur, loi de la gravité et tentation de la légèreté… Quête du souffle, de la densité de la chair, de la sensualité de la chair… sur les rives du songe… Ce sont quelques caractéristiques du travail de Saúl Velázquez de Castro.
GalerieS & éditeurS
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Anagraphis est une maison d’édition de sérigraphies d’art et d’estampes numériques, signées et numérotées. Avec un fonds de plus de 8 000 sérigraphies d’art et près de 190 artistes édités, la maison d’édition présente de nombreux mouvements artistiques : l’Art Contemporain, le Street Art ou encore la Bande Dessinée !
AUREL / François BOISROND / Robert COMBAS / Robert CRUMB / DIFUZ / Hervé DI ROSA / ERRÖ / JEF AEROSOL / JONNYSTYLE / LADY.K / MAYE / MEZZO / MIST / Ernest PIGNON-ERNEST / SHELTON / SINÉ / SPEEDY GRAPHITO / Philippe VIALA / ZEST …
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La Galerie Brugier-Rigail possède une ligne artistique à la fois urbaine et contemporaine :
ARTISTE-OUVRIER / C215 / Charlélie COUTURE / CRASH / Guy DENNING / JonOne / Kosta KULUNDZIC / L’ATLAS / MAD C / M. CHAT / Jérôme MESNAGER / MISS TIC / MONKEYBIRD / NASTY / LEVALET / TANC / Fabien VERSCHAERE / Nick WALKER / DAN WITZ …
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La Fédération a pour mission de développer les liens culturels entre le continent Africain et la France, promouvoir la différence comme une force, dans un esprit de solidarité et d’échange.
10 artistes seront présentés sur le stand de la fédération : Sandra Dessalines / Guilaine Arts / Justin Ebanda / Bella Bah / Casimir Bationo / Ariel Dakouri / Well Rimo / Aïcha Muteba / Harouna Ouédraogo / Joob Mouha
L’agence H art amène de nouveaux artistes sur le marché de l’art contemporain. Peintures, sculptures, danses, performances, arts numériques, elle déniche et exporte les talents, s’engage au plus près des artistes tout au long de leur parcours jusqu’à la commercialisation de leurs œuvres sur les grandes scènes internationales.
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Fondées en 2012, Les Editions Lezarts Urbains proposent une sélection de lithographies produites pour la plupart chez IDEM à Paris. Fort du succès de sa collection “Noir & Blanc”, Lezarts Urbains Editions a eu l’honneur en 2015 d’éditer “Liberté, Egalité, Fraternité” d’après l’œuvre de JonOne exposée dans la salle des Mariannes à l’Assemblée Nationale.
Lézarts Urbains présentera pour Solid’Art Paris le travail de l’artiste Onemizer, qui réalisera une performance sur le salon !
LES ARTISTES 2022
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Jef Aérosol (né à Nantes en 1957) vit et travaille à Lille depuis 1984. Pochoiriste français issu de la première vague d’art urbain, il a posé son premier pochoir sur les murs de Tours en 1982. Depuis, il a sillonné les rues de nombreux pays pour y peindre ou coller ses personnages, souvent représentés à l’échelle 1. Son travail est désormais caractérisé par l’usage important du noir et blanc. Ses œuvres sont visibles dans de nombreuses expositions en galeries et musées, festivals, ventes publiques et événements internationaux. Jef Aérosol délivre un message humaniste et poétique qui rend son travail universel et intemporel, toujours à la convergence de la réflexion et l’émotion.
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S’il fallait reconstituer la mosaïque CREY 132 sur une toile, elle serait obligatoirement riche en couleurs. Celles puissantes et expressives des comics, celles tranchantes qui remplissent les lettres volumineuses des fresques, celles utilisées pour poser un tag en un éclair.
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Mark Zwirner est un artiste américain dont le travail mêle peinture hyperréaliste, histoire de l’art contemporain et univers des réseaux sociaux.
Issu du monde du social media et véritable passionné d’art contemporain, Mark Zwirner s’amuse à imaginer les posts Instagram des plus grands artistes en mettant en situation les photographies iconiques de ces derniers, qu’il reproduit à l’huile avec précision et objectivité.
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Autodidacte, Laurent Anastay-Ponsolle a toujours entretenu un rapport émotionnel avec sa pratique artistique. Faire ce qu’il lui plaît plutôt que ce qui plaît. Profondément marqué par Schiele, Munch et les expressionnistes Allemands, mais aussi par des inspirations diverses comme H. Newton, Mapplethorpe ou encore Visconti, son travail est en tension constante entre le flot des passions et sa propre vision de l’esthétisme.
Le ressenti reste son territoire d’exploration de prédilection, dès la conception il va là où son instinct le guide. Il préfère photographier sous différents angles de vue son modèle pour choisir ce qui l’intéresse dans une pose, plutôt que d’en retranscrire la vérité première. Même quand ses inspirations sont liées à une oeuvre extérieure, comme le film Portier de Nuit, ou la Divine Comédie, c’est la force émotionnelle qui pousse l’artiste à s’exprimer sur un tel sujet.
www.laurent-anastay-ponsolle.fr
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A travers mon travail, je cherche à marquer un temps d’arrêt pour ressentir et voir la beauté, qu’elle soit intérieure, imaginaire ou juste face à nous. J’essaye de montrer une part d’humanité par des cris intérieurs, dans un monde un peu désenchanté. Je tente de faire parler mon âme, d’être dans l’instant présent pour incarner une émotion, abstraite, mouvante, et intangible. Je peins un jaillissement, une explosion, une pulsion, un choc à travers le geste, la couleur, la matière, le collage de papier, la présence ou l’absence d’écriture.
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Le plus souvent je peins des humains. Ceux que je croise, ceux qui m’entourent, mes contemporains, à l’echelle 1/1 ou supérieure ; je les observe et les mets en scene pour questionner, dire mon engagement ou mon désaccord, parfois juste montrer, transmettre.
Je veux qu’ils s’imposent au spectateur, qu’on ne puisse se soustraire à leur regard, que leur présence soit manifeste, inévitable, que l’on perçoive leur personnalité, leur singularité qu’ils plaisent ou dérangent mais qu’ils existent ; je cherche à établir un lien entre « regardé » et « regardant ».
J’use aussi de la métaphore dans les scènes de mes peintures ;pour apporter de l’ironie, décaler la lecture du signifiant.
Je travaille essentiellement dans mon atelier à Paris mais aussi en résidences ; le voyage, l’itinérance sont indispensables à mon inspiration.
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Marion CADET est née en 1989 à Paris et peint depuis son plus jeune âge. Ce qui ne l’empêche pas de devenir architecte. Mais sa passion initiale la rattrape : en 2014 elle reçoit au Grand Palais à Paris la médaille de bronze du Salon des Artistes Français. Elle décide alors de devenir peintre professionnel. Elle est aujourd’hui une valeur émergente de l’art contemporain en France. Elle vit et travaille à Annecy.
Ses toiles s’appuient sur un travail intensif de prises de vue qui, après sélection, vont alimenter son inspiration.
« Je cherche, à travers la personnalité de mes modèles, leurs postures, les cadrages, à traduire mes propres humeurs. A dévoiler une intériorité, une pudeur, une intimité, au moyen d’outils grossiers et imprécis. Paradoxalement, la recherche du détail prend alors une place fondamentale dans mes tableaux. Comment évoquer la douceur et le subtil en appliquant d’un geste sec, vif, à la brosse large, cette peinture noire sur la toile ? »
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Né en 1970, peintre autodidacte, Benjamin Carbonne est un artiste identifié comme faisant parti du courant de l’expressionnisme contemporain. Il est référencé dans « 200 œuvres de chair et de sang -L’expressionnisme contemporain » de Antoine Campos.
Prenant appui sur l’étude plastique de l’Homme, Benjamin Carbonne peint l’histoire de ses personnages sans compromis. Chacune de ses peintures porte en elle un héritage qu’il s’attache à révéler dans les visages, les corps, la chair. Ne rendant compte avec précision que d’un détail – un bras, un buste, un regard — qui porterait en lui les traces de ce qui l’a construit.
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» Avec une âme d’enfant, sur le rectangle blanc, papier ou toile cloutées, vide toujours difficile à combler, endroit silencieux où je vais me réfugier, pour me protéger et flâner, en cherchant le geste, le trait universel, l’équilibre, l’harmonie des couleurs, ou des formes humaines ou animales, pour partager, une émo- tion, une joie, un mouvement, un sentiment, des regards, des larmes, un sourire, une opinion…!, et trouver l’alliance univer- selle, que les riches, les pauvres, les gros, les maigres, les gentils, les méchants, les malades, les biens portants puissent trouver un réconfort, un partage, retrouver une partie de leur histoire, la peinture est un utopie. »
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Voilà des œuvres à tendance expressionniste qui plonge au plus profond de l’âme humaine, réalisée par ce jeune artiste. Il révèle une forte empathie, en particulier pour des êtres malmenés, parfois brisés par la vie.
Cette galerie de portraits retient l’attention, suscite l’émotion par sa vérité, son intensité et la dignité de chaque modèle.
Nathan Chantob trouve ses modèles au cours de ses pérégrinations dans la rue, au bar ou dans le métro ; ces personnages anonymes qui le touchent. « L’obscurité la plus sombre n’est jamais loin de la lumière la plus vive » dit-il et c’est cet espoir qu’il veut partager. Ces hommes et ces femmes semblent, pour certains, vouloir capter l’attention du spectateur, établir un dialogue, leur regard le révèle. Le dessin est à la base de cette œuvre puis vient la peinture qui affirme les traits, les creuse quelquefois.
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Pascale Charrier-Royer (artiste peintre autodidacte, née en 1963, vit et travaille à Lyon) développe depuis une quinzaine d’années une démarche personnelle oscillant entre figuration et abstraction. Ses oeuvres questionnent notre perception sur notre univers.
« Transition », série 2021, est un message poétique et activiste où se mêlent émotion et réflexion. La valeur contemplative et atmosphérique de la série offre un nombre incalculable d’apparences à l’état d’énigmes. Ce sont des terrains de questionnements dictés par l’aléatoire où le spectateur construit sa propre représentation. L’apparition-disparition répond à l’éloge du geste où tout est question de mouvement et de déplacement.
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Fabienne Colin, est artiste peintre, muraliste, plasticienne et écrivaine publique. Architecte d’intérieur de formation, l’espace et le volume sont au coeur de ses réalisations souvent immersives. La nature et sa complexité sont son moteur.
Professeure de peinture un temps, son enseignement était personnalisé selon la nature de chaque élève.
Après avoir fait ses armes en tant que designer textile chez Manuel Canovas, elle devient muraliste, son approche du mur se veut artistique, sensible bien loin du simple « décoratif ». Elle a travaillé ainsi pour des collectionneurs, dans des châteaux et des hôtels haut de gamme.
Depuis quelques années, elle propose un travail plus personnel : peintures ou installations, ses oeuvres sont souvent monumentales, et si son travail est onirique et très sensuel, peu à peu il aborde plus directement le thème de la féminité. Aussi crée t’elle dernièrement des installations plus militantes qui veulent sensibiliser à certains problèmes contemporains qui touchent à la violence faite aux femmes.
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Lorsque je dessine, mon esprit vagabonde et se raconte des histoires qui accompagnent et favorisent la gestation de l’œuvre. Les éléments trouvent tout naturellement leur place dans une belle liberté de l’imagination guidée par la forme et la dynamique du trait. L’accumulation qui peut sembler régner dans certaines de mes œuvres répond à une nécessité guidée par de nombreux symboles.
Par mon art, je cherche à donner envie à ceux qui le regardent de dépasser les apparences pour atteindre le sens.
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Un plasticien des techniques mixtes, de la peinture, de l’impression, de la photo et des installations. J’ai travaillé dans les ateliers d’artistes collectifs et dans l’espace de studio individuel. La collaboration et la coopération avec d’autres artistes ont toujours été une partie importante de ma pratique de travail ainsi qu’une inspiration.
Il y a deux thèmes principaux dans mon travail, les paysage urbain et les portraits de famille, avec les interconnexions entre les thèmes à travers mes multiples techniques.
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Le travail de Damien DEMAITER est un échange permanent et laborieux entre la matière qu’il utilise et son état d’être, ses émotions, ses vibrations. Continuellement en connexion avec ce qui l’entoure, il n’a de cesse d’explorer et d’expérimenter l’expression de son ressenti. Un bouillonnement de vie qui l’ouvre à des techniques variées, orchestrées, mises en mouvement, en graphisme. Des associations parfois frénétiques, parfois subtiles, des jeux de recouvrements et de découvertes, des transparences, des révélations, des samplings de motifs et de symboles, des rythmes, des entrelacs de contrastes, une poésie picturale.
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Passionnée et sensible, Sabine Jeannot aime les nouveaux défis et partir à la rencontre de l’autre, dans sa singularité. Diplômée d’une école d’art à Paris, elle a été directrice artistique en agences de pub- licité, puis créatrice de chapeaux haute couture sur mesure, avec en fil rouge la conviction que « chacun est différent et c’est cela qui est beau. » Ce qui l’intéresse, c’est de placer l’humain au cœur de ses créa- tions, il est sa source principale d’inspiration. Son arrivée en Asie en 2006 marque pour elle un tournant : loin de la France et de ses racines, elle gagne en confiance, en maturité, et ose faire émerger une nou- velle forme d’art, la sienne, en s’inspirant de son nouvel environne- ment. Elle construit des tableaux à partir d’un jeu de superpositions d’éléments photographiques. A travers cette démarche artistique, la photo devient pour Sabine Jeannot la matière de base, une terre glaise qu’elle façonne et manipule à son gré.
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Georges Dumas est un photographe plasticien français né en 1975. Il crée des œuvres qu’il appelle « paintographies », c’est-à-dire des tableaux en technique mixte sur toile qui mélangent photographie, composition numérique et peinture à l’acrylique. Son sujet principal est la figure humaine, plus particulièrement le corps.
Il présente son travail en France et en Europe depuis 2007 à travers des expositions personnelles et collectives en galerie, des foires (Fotofever, Art Up, Art Montpellier) et des salons (MacParis, Puls’Art, Figuration Critique, ArtCité, etc.)
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La célébrité est un modèle et le modèle a ses excentricités que Valérie sait parfaitement mettre en scène sur toiles.
D’un portrait de Mike Jagger à Romy Schneider, toutes les émotions, forces et paradoxes sont peints à vif. De façon saisissante. Valérie Durand est désormais reconnue comme la peintre qui croque et exécute les stars pour la postérité.
C’est dans une démarche d’observation, de concentration et de prise de recul mesurée au cordeau, que l’artiste trouve le meilleur geste. Elle commence toujours par les yeux, là où se cache l’âme de son sujet. Savoir reproduire l’expression mythique, appuyer un trait plus qu’un l’autre, faire ressortir le caractère du médium autant que celui du modèle, c’est le secret de ses toiles qui immortalisent les personnalités.
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Mon travail est l’autoportrait de mon âme, dissimulé dans les visages de toutes ces femmes.
Je laisse au sein de mes portraits, une partie de moi.
Je les remplis de ma vie, de mes sentiments, de mes humeurs. Tous mes choix sont inconscients, instinctifs, de la composition, à l’attitude du visage, jusqu’aux couleurs.
Derrière le graphisme, arrive le lâché prise. Ces femmes me permettent d’exprimer sans complexes toutes mes personnalités et mes choix, dont celui de l’engagement pour ma liberté, mais également celle de toutes les femmes dans le monde.
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Peindre, c’est tenter de mettre des mots sur ce qui s’exprime hors des mots, une démarche en forme de quête, personnelle et universelle à la fois, une recherche de la vérité des rapports humains, nourrie de nécessité intérieure bien plus que de séduction facile. Je gravite autour de l’intime. Allusions, poses de dos ou de trois quarts, par un jeu de proportions et de formes qui peuvent paraître contradictoires, je tente de transmettre à la fois mon besoin de m’émerveiller ainsi que celui de (me) préserver, et, avec pudeur, de toucher la sensibilité du regardeur.
Les mains sont omniprésentes dans mon travail. Elles me permettent d’appréhender des thématiques comme la solitude, la force, la fragilité.
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Franck Duval commence à peindre dans les années 80. Le dessin de mode, les arts du cirque et le cinéma, auxquels il s’est également essayé, influencent toujours son travail. Au cours des années 2000, c’est sous le nom de FKDL, qu’il explore la technique de l’Art Scotch*. Il fréquente alors de plus en plus le milieu de l’art urbain et colle ses premières silhouettes noires dans Paris en 2006. Passionné par la presse d’époque, il voit dans l’iconographie des années 20 aux années 70 les étoffes de papiers dont il pare ses personnages. Descendre dans la rue lui fait découvrir une forme de partage dont il ne se lasse pas. Il a depuis diversifié ses personnages, les a fait voyager, leur a fait prendre de l’ampleur. Le muraliste qu’il est devenu participe à de nombreux projets et multiplie les collaborations.
*Art Scotch : créée par Joseph Gil Wolman en 1963
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En 1991, par le plus grand des hasards, Guy Fouré prend le taureau pour modèle alors qu’il s’entraîne sur un logiciel graphique. Sans le savoir, il vient de commettre l’irréversible premier pas vers cet animal pétri de force, de détermination mais aussi, d’une insoupçonnable délicatesse. Le taureau reste en veille durant de longues années, tandis que le designer s’exprime dans l’univers des communicants. Jusqu’au jour où l’urgence artistique s’impose à l’auteur et réveille la bête endormie. Reprenant son crayon, ses pinceaux et son modèle, Guy Fouré s’aventure au plus près de la masse frémissante. Fasciné par sa puissance douce et ronde, il en saisit les reliefs musculeux, les contours généreux, les vibrations, la grâce.
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Sourire garanti avec l’artiste «Freaks the Fab» alias Fabrice pluvinage. sonnant comme une invitation à l’ouverture d’esprit, l’univers coloré, joyeux, décalé et faussement naïf de FreaKs tHe Fab va vous faire sourire à coup sûr et peut-être même, vous interpeller comme il aime le faire dans la rue.
reconnaissables au premier coup d’œil, les personnages issus de l’imagination débordante de l’artiste vous plonge sans détour dans le Freaky World, un univers coloré surfant avec légèreté et impertinence sur les temps forts de notre monde contemporain.
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Le temps de parsemer sa poudre de perlimpinpin, de fleurir les murs de Paris de ses images, les collages de Fred Le Chevalier se sont installés dans le paysage urbain..
Aériens, ils courent, Ils volent, ils dansent… certains, plus posés nous regardent droit dans les yeux. Ses dessins-collages connaissent une notoriété fulgurante aussi bien auprès des promeneurs que de la communauté de l’art urbain. Les Parisiens n’échappent plus à ces images qui chatouillent la rétine.
Tout est question de langage et par un graphisme élégant et épuré, Fred Le Chevalier a su instinctivement trouver son écriture. Ses interventions urbaines sont identifiables entre toutes.
Fred Le Chevalier colporte au gré des ballades ces personnages qui peuplent son intime intérieur, ses rêves, ses désires et ses maux. Le pouvoir du trouble rend ces œuvres captivantes. Notre regard est interrogé. Certains s’y attachent. D’autres se reconnaissent.
Ses petits personnages l’accompagnent partout. Il laisse son bestiaire glisser de sa sacoche à Berlin, Bruxelles, Athènes, Lecce, Bari, Londres, Tokyo…
De l’écriture de Fred Le Chevalier découle un jeu de métaphore omniprésent.
Trames récurrentes de mélancolie ou de désespoir, d’attachement ou de liberté ; thèmes qui invitent à une recherche introspective d’identité.
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Dominique Gais est une peintre à l’âme voyageuse, pendant longtemps son matériel de peinture la suivait partout au gré des chantiers et des projets. Aujourd’hui, plus légère, elle se déplace, l’appareil photo à portée de main, prête à immortaliser les beautés de ce monde. Les variations infinies de la nature sont la source de son inspiration et le support de sa création. Et comme la nature parfois, sa figuration est à la limite de l’abstraction. C’est dans l’atelier que se fondent et se confondent, fragments photographiques et touches picturales. Là elle y construit de nouveaux espaces sur la toile et le papier, se jouant des perspectives, des proportions et des matières, dans un va et vient constant entre réel et imaginaire. L’immédiateté de la photo associée à l’intemporalité du geste du peintre enrichissent sa création d’une tension féconde.
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Je suis un artiste autodidacte, né à Sète au bord de la Méditerranée, travaillant dans l’art urbain depuis une dizaine d’années. Ma démarche personnelle me conduit à développer des séries visant à capter l’âme des villes au travers des matériaux que je collecte et retravaille. Le tout dans une méga-série ‘Itinéraires Urbains’
Je conçois mes créations comme un peintre, bien que n’utilisant pas de peinture, comme un poète, bien que détruisant systématiquement les mots. Je m’intéresse à la matière ; celle pauvre des éléments du commun, celle qui acquiert une profondeur de l’oubli et de la négligence. C’est l’humanité perceptible de ces matériaux qui m’intéresse. Je les rythme alors par des déchirures faites à la main, pour développer l’équivalent graphique de ce qu’est le ‘style’ pour un écrivain.
Je vous propose ici des oeuvres élaborées à partir d’affiches abîmées, arrachées sur les murs de Paris (lieu de l’exposition).
Je peux proposer de dédicacer trois de mes livres: deux de l’éditeur RedFox Press (collection ‘C’est mon Dada’) et un sur Beyrouth ‘Du mur à la toile’.
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Un étrange artiste, par ailleurs metteur en scène au théâtre, nage dans les eaux profondes des noirs d’abîme et des bleus d’extrême opacité. L’interminable nuit de David Géry, comme un rêve infini, vit sans cesse de l’univers qu’elle féconde, et naît toujours de l’énergie qu’elle saisit. Plus il creuse, plus il s’éloigne de l’image, et plus il envoûte l’espace peint, notre seule demeure habitable. Dans ce combat à peinture nue, l’artiste, sombre magicien, s’ouvre aux fondamentaux de la couleur, du corps et de la nuit. Quand la lave humaine sommeille dans les profondeurs bloquées, David Géry assène la singularité terrifiante et fabuleuse du ressenti archaïque. Explorateur d’un resserrement chromatique inouï, dans la tension exacerbée du bleu assourdi et tendu et du noir absolu, il creuse des trous dans la lumière. On dirait qu’une partie de la toile s’est levée pour recouvrir le monde, on dirait que la nuit vient prendre la toile… Et les souvenirs des choses terrestres deviennent autant d’ascèses picturales, couleurs d’espace ultime absorbant les trop fragiles apparences, dans l’univers sans borne du dehors et du dedans.
Parole d’avant-message, creusée de ciel intime, déposée, comme une buée, sur la toile immense. La main d’absence a retiré le corps et le sang. Le vide occidental, accumulé, dégorge et l’opacité se noie dans ces plénitudes surgissantes.
Christian Noorbergen
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Diplômée des Beaux-Arts de Paris, j’y reçois le Prix de dessin contemporain en 2020. J’affirme une pratique artistique au croisement des arts visuels et de la danse. Ma recherche se déploie à travers le dessin, le volume, la vidéo, des performances…
J’explore le vêtement – envisagé en tant qu’enveloppe, ombre à révéler – en relation aux corps (humains et végétaux), en devenir hors le corps, en absence et présence. Animée par le mouvement improvisé et les dynamiques du temps, je cherche à relier ce que les apparences distinguent : le vivant, l’inerte, l’(in)animé…
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Dompter des corps, maîtriser des courbes, créer une émotion, a toujours été son obsession.
À la fois DA pub pour de nombreuses marques au seins de prestigieuses agences (Publicis / BETC luxe / Saatchi and Saatchi…) et artiste-plasticien, Eric Gillmann est toujours à la recherche du geste absolu, du « bel accident », d’un esthétisme parfois troublant.
Les beaux-arts, la peinture de décor, la photographie donnent à sa formation des éléments de langages traversés par une connaissance des arts classiques qui aujourd’hui nous donnent une vision personnelle de l’imperfection des êtres, du monde qui se délite, et du temps qui passe inexorablement.
Il exalte quelque chose de monstrueux, de brut et de fugitif, de son travail … et pourtant de terriblement charnel.
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Franck Guihal joue les assembleurs pour détourner et ressusciter de vieilles pièces de métal usées et oubliées. Il récupère depuis une quinzaine d’années l’acier sous toutes ses formes, usinées ou broyées qui lui évoquent des parties du corps humain, des formes organiques essentiellement, dont l’origine n’est plus vraiment identifiable.
Qu’il exploite les pièces dans leur intégrité ou qu’il les triture, il s’amuse à les recomposer et à les souder pour en oublier leur identité première et pour n’en exploiter que leur esthétique et leur aspect brut.
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‘Dans ses œuvres on trouve des supports en bois qui font rejaillir l’aspect satiné de la laque rouge ou jaune, des toiles de lin avec un travail en couches successives, ou des soies marouflées et recouvertes de couches de cire.
La délicatesse de l’encre de chine, le travail patient fait de nombreuses phases de préparation du support et d’application de la couleur, tout ce qui dans la peinture asiatique sert à rendre les émotions paisibles et les actions méditatives, se transforme dans les mains de Valérie en signe expressionniste, par le geste et l’ émotion.
La connaissance de l’iconographie classique italienne ainsi que la reformulation sensible de la mythologie confèrent aux protagonistes de ses œuvres une valeur figurative et morale.
Les œuvres de Valérie sont comme des pierres pavant la route de son existence, signalant les moments forts, exprimant des pensées qu’elle extrait de son intériorité. »
Lucia Collarile,Rome 2016.
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Le travail photographique de Michel Hirsch est avant tout le fruit de passions. Passion du monde qui nous entoure en premier lieu, forgée par trente années à façonner son œil en tant qu’ingénieur en bâtiment et travaux publics au fil desquelles ses enjeux étaient de transformer l’espace, de le modeler, de créer, de construire. Passion de la photographie ensuite, art ultime pour capter et transmettre la beauté éphémère d’un moment, d’une lumière, d’une création de la nature ou de l’homme. Sa formation, à l’Ecole de l’Image des Gobelins à Paris sera la clé pour le développement d’un nouveau regard sur ce monde, point de départ d’une collection d’ œuvres uniques et singulières. Tantôt abstraites tantôt brutes, ses créations dévoilent notre quotidien sous de nouveaux équilibres offrant une représentation vibratoire, graphique et colorée de notre environnement.
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Tatiana IVCHENKOVA est artiste peintre et illustratrice d’origine russe née à Rostov-sur-le-Don et demeurant à Paris depuis 2010. Elle a commencé son parcours artistique en Russie en tant que graphiste-illustratrice après avoir fini l’Académie d’État d’Architecture et d’Art. En France, elle s’est mise à la peinture et a continué ses études à l’École Doctorale « Esthétique, Sciences et Technologies des Arts ». Elle a participé à plusieurs salons d’art en Île-de-France ainsi qu’à des expositions collectives.
Le portrait est un sujet prédominant dans ses œuvres. C’est le visage qui l’intéresse depuis l’enfance. Elle trouve que le visage humain est la partie la plus importante, celle qui porte presque toute l’information concernant l’état de son âme et son esprit.
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Dans ma pratique, je tente de mettre en place différentes formes de récit, à
travers la mise en scène et l’installation de dessins, autour desquels orbitent textes et pièces sonores. Ces dessins puisent leurs sources dans les déambulations que j’effectue à travers les territoires que j’habite. Mon travail est donc étroitement lié à mon environnement, les espaces qui le composent, les imaginaires qui s’y déploient, et son devenir dans un contexte où tout semble indiquer un basculement imminent vers un monde bien différent de celui que l’on connaît aujourd’hui.
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Fabien Jouanneau peint des épiphanies, des manifestations. Dans ce projet un peu fou de figurer la transparence – étymologiquement ce qui parait au-delà – il recourt à des voiles polyester, non pas pour leurs qualités intrinsèques mais pour leur capacité à occulter ou masquer, à brouiller ou révéler. Il les superpose, à distance l’un de l’autre, pour créer un entre deux où tout semble pouvoir advenir.
Cet espace incertain, entre matérialité et évanescence, impose une certaine forme de lenteur, « celle qui nous construit, fait appel à notre mémoire, et tient à distance évidence et immédiateté » dit l’artiste. Voiler pour mieux révéler. Faire apparaître la disparition. Masquer tout en montrant…
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C’est dans une cave lilloise que naît et se développe le travail de Kelu abstract.
Ses visages trouvent support sur des affiches dans la rue, sur les encombrants au fil des rencontres mais aussi sur toile et papier.
Kelu abstract ne dicte pas de message et laisse l’interprétation libre de ses regards réciproques.
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Née en 1993, Camille Kirnidis étudie le cinéma et l’histoire de l’art avant d’intégrer l’École nationale supérieure de la photographie d’Arles dont elle sort diplômée en 2017. Elle vit aujourd’hui à Paris, où elle développe une pratique photographique qui tend à questionner la fabrication de la représentation et de l’imagination.
Son intérêt pour le cinéma contribue à son imagerie fictionnelle, et la photographie s’avère être pour elle l’outil idéal pour raconter et transmettre des histoires. Son espace de création se situe dans une recherche esthétique trans-disciplinaire avec une dimension à la fois documentaire et poétique.
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Né à Lille en 1984, diplômé en sociologie puis enseignant spécialisé auprès d’élèves non francophones, Romain Kulczycki a d’abord réalisé comme photographe autodidacte des projets documentaires dans les Balkans, en Chine, ou dans le Nord de la France.
En 2019 il devient diplômé de la Nuova Accademia di Belle Arti de Milan et réalise divers projets dans le sud de l’Italie. Il réside depuis 2021 entre Arles et Paris où il continue d’enseigner tout en menant ses projets artistiques.
Influencé par les sciences sociales et la littérature, il envisage la photographie comme un moyen d’appréhender le réel de manière transversale. Il s’intéresse notamment au fait urbain, à la relative question de la modernité, et se concentre sur la notion de territoire(s) ainsi qu’aux identités qui y sont rattachées en développant une approche intuitive et une narration personnelle.
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La vie et son mouvement permanent sont ses principales sources d’inspiration. En saisir des instants furtifs, les imprimer dans la terre et susciter une émotion sont ses moteurs. Par son travail, elle s’efforce de retranscrire les forces et faiblesses de la nature humaine, à travers des postures de la vie quotidienne. Du modelage de la terre, au tirage en résine, ou en plâtre, en passant par le moulage, elle réalise toutes les étapes ; seuls les épreuves en bronze sont réalisées par une fonderie.
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Thibault Laget-Ro est né à Tokyo en 1976. Il vit et travaille en France en région parisienne. Diplômé de deux masters de l’université Pantheon-Sorbonne en économie et arts plastiques, il rejoint l’École des beaux-arts de Paris en tant qu’auditeur libre. Il complètera son parcours à l’Institut des Hautes Études en Arts Plastiques, et à la fin de cette formation, participera à la Biennale de Paris à Beyrouth. Depuis, plus de 10 ans ses œuvres ont été présentées à de nombreuses reprises en France et à l’étranger notamment en Corée du Sud, au Liban, au Maroc en Italie et au Canada. Son oeuvre enrichi différentes collections en France à l’international dont la Collection privée François Pinault, la Fondation Montresso au Maroc, plusieurs Artothèques françaises, ainsi que la collection permanente du MAC Baie-Saint-Paul au Canada et celle de la Fondation COLAS en France.
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Diplômée en Image Imprimée à l’École d’Art et de Design de Barcelone, d’un master en Arts, Lucie Laluque intègre la résidence d’arts Off Massana. Son travail transite entre différents champs – dessin et assemblage par série, installation, vidéo-performance et édition – pour traduire son regard sur les paradoxes et incertitudes qui entourent la société contemporaine et l’absurdité de l’existence. En 2013 elle co-fonde avec Juliette Thomas Des pas cadencés dont le travail explore les couches de la perception et du langage à partir d’un archivage iconographique tout en détournant les codes de l’exposition et la notion d’auteur. Son travail est régulièrement exposé à Paris, Barcelone et Bruxelles. Elle prépare actuellement avec Margot Degert un album jeunesse avec les Éditions La tête ailleurs.
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Je viens du soleil, de la montagne, de la mer et je vis en ville, peut-être comme toi.
J’ai comme passion celle de voyager, d’aller là où les nuages me mènent, là où les rêves sont en haut des montagnes, et les oiseaux de petites tâches noires dans les
yeux.
Je suis très curieux. Je regarde partout, et quand je me vois mêlé à une masse d’éléments étranges, je les accueille avec respect et chaleur. Viens donc le découvrir toi même. Affectueusement, D.
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Diplômée en arts visuels à l’Université de Sejong en Corée du Sud, Lee Hyun Jong déve- loppe des séries de paysages à l’encre, issus de souvenirs de son pays natal qu’elle mêle à des projections rêvées de lieux vastes et irréels. La ligne d’horizon unique y est remplacée par une multitude de lignes parallèles et sinueuses, qui se dédoublent et s’accumulent comme des strates géologiques ou des rides de sédiments, conférant une grille de lecture à ces vues aé- riennes sans échelle ni proportion.
Tendant à l’abstraction, le détail est évacué au profit de la sensation d’infini et de la nature incertaine de l’élément figuré : une vague pourrait tout aussi bien être une montagne. Entre chaque tracé ininterrompu, le blanc laissé vacant du papier n’est pas un blanc inactif. Il cor- respond à l’idée, très largement répandue dans la pensée taoïste du vide et du plein, que l’in- tervalle est ce qui fait la connexion entre les objets visibles. Et c’est précisément après un temps de silence, pointe Lee Hyun Joung, qu’une ligne jaillit : quelque chose advient sur fond de rien.
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Inspirée par l’humain et le développement personnel, LudivineG est une coloriste qui travaille intuitivement à partir de photos, d’images déchirées qu’elle colle sur toile, et qu’elle valorise par des touches de couleurs et des fonds de peintures.
Son travail décompose l’existant afin de lui offrir une nouvelle histoire. L’essentiel de ses collages sont une représentation de l’humain célèbre ou non, et tout particulièrement de la féminité. Ses compositions « d’extraits de vie » viennent d’inspirations libres ou personnalisables sur demande.
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Artiste né à Lille en 1984, qui vit et travaille entre Paris et Lille, Thomas MAINARDI est un peintre à l’univers effervescent et singulier.
Reconnu pour ses œuvres à travers le monde, son parcours est ponctué d’expositions internationales (Paris, New York, Beinjing, Shanghai, Dublin, Graz, Tel Aviv, Casablanca, …).
Alliant le meilleur de la culture populaire à une sensibilité saillante toute personnelle, il déploie un florilège foisonnant et unique de couleurs et de sentiments. Il peint sa poésie, emprunte d’expressionnisme abstrait, de street-art et de pop art, qui l’inscrivent définitivement comme un artiste résolument urbain, en phase avec lui-même et au cœur de son époque.
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Marcoleptique se distingue par une perception incisive du monde extérieur que sert sa peinture avec efficacité. Après avoir vécu et exposé sur Paris, dans des lieux atypiques, c’est dans le sud-est de la France qu’il a présenté au public pour la première fois la série iconique sur les animaux avant d’être repéré par un des organisateurs du Sm’art (festival d’art contemporain d’Aix-en-Provence) où il a exposé en 2017. En 2018, il quitte les toiles pour travailler sur des supports anciens (livres, puis cartes, planches d’anatomies, partitions…) à travers ses différentes séries présentes sur ce site. Depuis 2019 Marcoleptique se dédie au travail artistique à plein temps, et participe à de nombreuses expositions partout en France.
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Travailler à la recherche de nouveaux signes pour représenter le réel.
Dessiner des corps, des visages par amour de la figure et ses possibilités expressives.
Évoquer des espaces, des architectures avec la primitive intention de les rendre visibles pour mieux les habiter et arrêter le temps d’un regard, le flux d’idées pour laisser la place au monde plus subtil et insaisissable des émotions.
Peindre aux frontières de la réalité, là où elle prend des résonances poétiques, imprévisibles.
Détecter et chasser les routines. Me retrouver là où je n’avais été, me placer face aux énigmes pour laisser agir l’intuition, notre seule arme créative face à l’inconnu.
Dans la peinture que j’aime, il n’y a pas de symboles à interpréter,
ni concepts à déchiffrer.
Elle répond à des besoins intérieurs, plastiques et expressifs.
Le tableau devient une surface sensible où l’on trace des signes pour tenter de transmettre une émotion.
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A travers le filtre arc-en-ciel de ses pensées, Middy SEBOLAVY utilise la photographie plasticienne pour dresser les portraits de personnages hauts en couleur dont l’apparence pittoresque est bien souvent le reflet d’une âme néanmoins concernée.
Amoureuse des mots comme de la vie, son travail s’inscrit dans une démarche onirique et fictionnelle.
Elle plonge le spectateur dans un univers à la fois loufoque et poétique, dans lequel origami, paillettes, confettis et autres fanfreluches font la part belle aux sujets sensibles.
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La pratique singulière et engagée de MIMI the ClowN s’inscrit dans une démarche sociologique, anthropologique et sociale. L’hypocrisie et la démagogie des classes politiques, l’ignorance de la misère, le cynisme des dirigeants, les religions, l’absurdité d’un monde qui défait au lieu de construire, mais aussi la création et les énergies positives qui en sont le fruit et qui s’y opposent, les arts, la musique, toutes ces thématiques sont traitées par l’artiste comme autant de points névralgiques définissant l’échec en marche d’un monde face auquel il faut rester debout, continuer de penser, apprendre à réagir.
Face à cette « tristitude » ambiante comme la définit l’artiste, MIMI the ClowN brandit le « graffiti spectaculaire », pratique mêlant humour, univers du cirque et engagement social et dont il est le dépositaire. Ses pochoirs incisifs et provocateurs tapissent les murs de nos rues. Entre messages politiques et visions apocalyptiques, l’artiste se livre à une critique acerbe de la société de consommation et du spectacle.
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Mister P, street artiste passionné par le mouvement où il évolue depuis 2008 et par les multiples techniques qu’il propose, est originaire de la région lilloise. Entre détournements publicitaires, peintures et collages, il reproduit ses multiples personnages dont le plus connu est le visage du général de Gaulle. Le képi devient son meilleur support pour laisser place à la création et au message d’ironie qu’il aime utiliser. Il fait traverser le temps à cette figure emblématique et historique, confrontée à la publicité et à la société de consommation.
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Chercheur, trouveur, assembleur, colleur, créateur, collectionneur, passionné par la ville, la mode et l’industrie.
La ville – j’aime me balader sans fin, toujours porté par l’envie de découvrir une rue que je ne connais pas, en quête de stickers, d’art urbain. Une balade infinie où je rencontre des gens, où je découvre sans cesse. Explorer la ville c’est explorer le monde. J’ai envie de tout voir. Je me dis qu’il y a toujours un endroit secret caché derrière. J’aime l’art urbain, raconter des histoires en recomposant des images.
La mode – une forme de sensualité. Quand je m’arrête sur une image, c’est parce que c’est sensuel ou divin. es portraits dans les revues de mode sont le reflet d’une époque, d’une tendance, d’une saison et d’attitudes surjouées. La féminité surtout.
L’industrie – je suis toujours à la recherche de machines industrielles. Je suis attiré par leur forme captivante, leur mécanisme et l’envie de détourner leur utilité pour leur rendre leur beauté.
Directeur de création de métier, spécialisé dans la création de campagnes pour le cinéma, je dévoile aujourd’hui mon travail personnel. Depuis 30 ans, j’ai collectionné et posé au quotidien des idées dans une centaine de cahiers. Aujourd’hui, je suis prêt à montrer mon travail sur treize séries abouties.
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Christophe Monteil a longtemps été Grand Reporter pour France Télévisions. Une vie de reportages et de voyages. En tournant avec l’artiste JR, dans une favela de Rio de Janeiro, il a une véritable révélation et se tourne vers l’art. En l’adaptant à son vécu. Christophe Monteil voyage maintenant sur les pistes d’une histoire d’eau avec le projet Water Is Life, un projet artistique utilisant des eaux du monde entier. Morceau d’iceberg du Groenland, écume salée des Cyclades, montagnes d’eau du peuple H’Mong, l’ADN de ces lieux se retrouvent physiquement dans les créations de Christophe Monteil. Des Messagers des eaux, des personnes du monde entier, intègrent son projet artistique en envoyant ce liquide et l’enrichissant de leurs histoires. Il est le Passeur d’Eau. Il donne de la voix à la voie de l’eau. Une ode à la nature. Avec du sens.
Pour chaque œuvre vendue, l’artiste en reverse une partie à une association de protection des animaux ou de la biodiversité.
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Caroline Montigneaux est une peintre et dessinatrice dont les œuvres ont figuré dans des expositions et des publications à travers la France. Adoptant une approche gaie et lumineuse de la couleur et de la silhouette, elle compose des portraits amusants à l’encre de Chine ainsi que des œuvres agrémentées d’une touche de street art, le tout dans son univers singulier de Petites Nanas.
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Muriel Chevènement (MuChe) peint depuis 1996. Elle a construit son parcours de peintre des cours de l’école des Beaux Arts de Nîmes à un collectif d’artistes montpelliérains.
L’artiste est liée à la nature qui l’entoure, le littoral occitan, les étangs, et plus généralement aux vastes espaces, ces champs de lumière et de couleurs.
Lumière, couleurs, reflets sont au centre de son travail, une interprétation du dialogue qui existe entre les éléments naturels, le ciel et l’eau qui est son miroir. Le minimalisme des moyens picturaux est un désir de pureté, de simplicité.
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Corine Pagny nait dans le Nord en 1959 , diplômée de L’Ensaama Paris. Designer pendant 20 ans , elle se consacre pleinement à son métier d’artiste depuis les années 2000. L’être humain est au centre de sa pratique, notamment par le dessin avec modèle vivant. Elle expose en France et à l’étranger.
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Le travail d’Hélène Planquelle explore l’équilibre délicat qui unit jouissance et souffrance dans notre rapport l’autre, du point de vue individuel et collectif, à travers des thèmes récurrents comme la dépendance affective, l’attachement, la vulnérabilité, l’acceptation et le rejet, la violence et les rapports de force.
Fervente défenseuse de la figuration, le travail d’Hélène Planquelle s’enracine dans la fascination ancestrale de l’homme pour le récit. L’art n’étant pas tant une réponse qu’une certaine manière de poser les questions, ses œuvres se déploient dans l’ambiguïté, la dualité et la pluralité des sens.
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» Je peins des visages pour raconter des histoires comme autant de miroirs adressés aux « regardants ». Interpellation directe à se relier à son propre état émotionnel.
C’est une invitation à entrer en résonance avec ceux là que je ne connais pas mais qui parlent si bien de ce que je ressens, une invitation à se fondre dans un regard, yeux dans les yeux profond avec sa propre humanité.
Mais au delà de cette interpellation qui renvoie chacun à lui même, ma parole est aussi citoyenne et engagée.
L’homogénéité des formats, la récurrence des cadrages, l’utilisation systématique du noir et blanc, l’absence de « décor » milite pour l’unité de notre humanité au delà des discours de ceux qui voudraient nous séparer. »
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Artiste peintre d’origine argentine, formée aux Beaux-Arts de Buenos Aires, elle choisit Paris en 1981 pour continuer sa carrière artistique. Ses œuvres s’exposent dans le monde conjuguant danse et peinture, savoir technique et don de soi, figurant dans des collections publiques et privées à Buenos Aires, New York, Londres, Paris, Bonifacio, Jakarta, Singapour… et actuellement à Montpellier où elle installe son atelier en 2016
Portraits, façades urbaines et le tango argentin inspirent ses peintures ou encore ses dessins, gravures, sculptures. Liliana peint sur toile ou sur papier liant multiples techniques : peinture à l’huile, pastel, feuille d’or , impressions, gaufrage…ainsi , ses souvenirs émergent fusionnant matière et transparence, graphisme et couleur.
Sa peinture nous charme par la douceur nostalgique des couleurs, tandis que son dessin interpelle et nous transporte au cœur même de la danse.
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Inspiré par son expérience professionnelle de designer, Guillaume Rist cherche à représenter les sujets en leur donnant une nouvelle forme, une nouvelle peau. C’est un jeu avec la forme. Métamorphoser la forme tout en gardant son essence, sa nature, ou encore sa fonction. Ce qui lui permet d’aborder le sujet avec un regard neuf. Partir d’une forme pour s’en éloigner et lui donner une autre réalité.
Sa peinture est influencée par des peintres du Pop art, tant par les palettes de couleurs vives que l’approche graphique. Elle se situe dans une tendance artistique narrative.
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Autodidacte, il devient assistant et apprend les rudiments du métier.
Ses motivations le poussent à élargir son champ d’horizon, il part alors pour le studio Pin-Up, où il assiste les plus grands noms du moment, comme Oliviero Toscani, Jean Paul Goude, Peter Lindberg…
Il gagnera ses galons de photographe professionnel rapidement. Sa sensibilité et sa maturité photographique lui ont permis de découvrir un nouvel univers, L’Enfance. Domaine dans lequel il su s’imposer comme l’un des grands spécialistes de la Mode.
Les plus grandes marques de haute couture, la publicité et la presse font appel à lui. L’idée de photographier des enfants , par le biais du portrait, résonne en lui comme une finalité logique. En 2011, la dimension professionnelle ne semble plus lui suffire. Une démarche plus personnelle lui semble alors nécessaire. La naïveté de l’enfant lui permet d’exprimer des émotions vierges de tout préjugé. Il a ainsi mené à maturité plusieurs séries de portraits, chaque série joue sur un registre très différent, le point commun étant une recherche de sens et de symbole réellement mise en scène. Une véritable composition dont la perfection du détail, de lumière, du jeu de couleurs, confère à ses photographies, qui dépassent de loin la simple idée de portrait, le statut de tableau.
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Ann Robinson vit et travaille en banlieue parisienne dans les Yvelines.
Artiste autodidacte, elle a pratiqué la peinture et exploré le monde de la couleur dans des modes variés avant de s’engager dans la voie du collage.
La matière première de ses tableaux est constituée de tickets de métro usagés.
Par le fait qu’il vient du dehors, qu’il matérialise l’idée même du mouvement, par son calibre invariable et si parfait, par sa résistance physique, par son enracinement dans Paris, le ticket de métro m’a permis d’incorporer dans chaque tableau tout ce qui anime mon désir de peindre. Il est le vestige insignifiant d’un moment de vie humaine et ainsi, par analogie, une trace de notre condition inscrite dans l’espace et dans le temps, cet espace-temps qui est aussi le cadre vaste et incontestable de toute création. Chaque ticket contient une date, une heure, un lieu, et par la grâce d’un patient travail, toutes les possibilités d’expansion que nous recherchons dans l’expérience artistique.
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Né en 1986 au Mans, j’ai obtenu mon diplôme d’architecture en 2011 à l’E.S.A. dans le 14ème arrondissement de Paris.
Passionné de photographie, c’est durant mes études que j’ai commencé
une série sur les façades, notamment de bâtiments construits en modules de béton, issus de la période 1960-1980. Je tente depuis lors par le média photographique d’extraire le rythme architectural des volumes ce ces édifices. En effet ce qui m’intéresse particulièrement c’est la dualité entre le dessin en élévation, très répétitif, et sa déformation via la perspective une fois le
bâtiment construit. J’ai nommé cette série «facadexture», pour lier façade et texture.
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Chacune de mes peintures s’inscrit dans la recherche d’une expression à la fois sensuelle et sensorielle. Ma technique évasive et poétique s’abandonne au gré du dessin, pour expérimenter les accidents de matière dans une démarche qui fait confiance aux éléments. Le résultat réinvente un rêve, à la frontière du concret et de l’improbable, de l’inédit et du désiré. Mes tableaux vibrent de sa passion pour les corps et leurs mystères et la vie indomptable qui les met en mouvement. Le passage de la vulnérabilité de l’artiste à la force nouvellement sculptée sur ses toiles est l’essence même de mon travail artistique.
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Que ce soit au travers de la peinture, du dessin ou de la sculpture, SylC place l’Homme au centre de son propos. Fortement teintée d’onirisme, son œuvre révèle notre identité véritable, et parfois nos paradoxes, nos dualités.
En associant fréquemment l’Humain à l’animal ou au végétal, l’artiste plasticienne met en avant l’hybridation et la métamorphose, symboles de la complexité de nos personnalités, mais aussi de l’adaptation, du renouveau et de notre évolution perpétuelle.
SylC collabore avec des galeries en France, en Europe et aux USA. Ses travaux sont présents dans des collections publiques (Villes de La Rochelle, du Mans, de Maisons-Laffitte, de Guyancourt) et privées.
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Marie-Camille utilise et transforme les objets invisibles du quotidien pour en faire des vêtements et des accessoires qui rappellent dans un premier temps la production textile de la Haute Couture. Tout comme cette dernière, ses créations ne sont accessibles ni visuellement, ni physiquement. Capsules de bières, opercules de cannettes de soda et autres lingettes ne sont en effet pas une matière agréable à porter et renvoient également aux thèmes de la surconsommation et de l’écologie. En effet, l’industrie actuelle de la mode, sous l’égide de la fast-fashion, produit en grande quantité, bien au-dessus du besoin réel des consommateurs, pour renouveler les collections le plus souvent possible. Les vêtements sont donc devenus un produit de consommation courant, rapidement achetés et peu portés.
Avec ses vêtements importables, Marie-Camille nous met ainsi face à nos mauvaises habitudes de consommation et dénonce une industrie qui encourage l’achat impulsif et le jetable.
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Artiste autodidacte habitant l’Essonne, Je suis un grand amateur d’abstraction et en particulier des peintres Zao Wou-ki et Vierra Da Silva. J’ai longtemps travaillé à la peinture à l’huile sur des œuvres abstraites. Pourtant, depuis 2016, mon sujet est principalement le portrait. Ce sont les selfies d’inconnus que je glane sur Internet et en particulier sur Instagram qui me serve principalement de modèles. Je mélange plusieurs techniques dans mes portraits, de l’aquarelle mais aussi de l’encre à l’alcool que j’utilise sur un support de papier synthétique plastifié ou sur plexiglass.
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Architecte de formation, Grégory Valentin, est un amoureux des livres, des lignes et de l’Art. Il intègre dans ses tableaux l’intégrale d’œuvres littéraires en jouant avec les espaces, les polices, les lettres pour en restituer une émotion intense et une esthétique parfaite. Grégory Valentin présente un minutieux travail de composition où il va discipliner, contenir et mettre en forme des textes pour recréer l’intégralité d’un livre sous forme artistique. La finalité de son travail présente à la fois une œuvre abstraite reposante et esthétique tout en donnant vie aux œuvres littéraires desquels il s’inspire.
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Muni d’un matériel léger – godets Winsor & Newton et bloc de papier Waterford 300g – à 56 ans, Richard Vanlerberghe peint sur le thème récurrent de l’horizon. Formé aux Arts Appliqués de Roubaix, il est dirigeant et créatif en agence de publicité et pratique assidûment l’aquarelle depuis l’âge de dix-huit ans.
Membre fondateur de l’association Aquarellistes en Nord, il peint sur le motif des paysages de la région et d’ailleurs, avec une spontanéité d’exécution qui traduit leur beauté intemporelle.
«Peindre sur le motif est relativement inconfortable et oblige à être spontané, j’aime cela. Cette tension impose d’aller à l’essentiel et d’être synthétique dans ses gestes.» Il tire ses principales influences des maîtres britanniques (Constable, Bonington, Girtin, Turner, Cox…).
www.rvaquarelle.fr
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Espace, déploiement de figures – humaines, animales –, de sentiments, de songes sensibles. Glissements d’ombre et de lumière sur la matière presque brute, à peine travaillée, ou comme plus longuement palpée, ciselée, caressée… En quête de traduction sur le vif de la force du mouvement, l’arc des tendons et la pression des muscles… Ou rêveries de la sensualité du corps, la chair frémissante, ou lascive, qui affleure, la fine ligne de la peau, le poids arrondi d’un sein, la courbe d’une fesse, des doigts étirés avides de toucher quoi… espace d’extase réservé derrière les yeux clos…Quête d’un mouvement vital, quête d’équilibre – incarnation et apesanteur, loi de la gravité et tentation de la légèreté… Quête du souffle, de la densité de la chair, de la sensualité de la chair… sur les rives du songe… Ce sont quelques caractéristiques du travail de Saúl Velázquez de Castro.
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