Catalogue 2023
Solid'art LILLE
16/17/18 JUIN 2023
HÔTEL DE VILLE
Découvrez les 120 artistes
de l’édition #9
Parrain 2023
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Après Jef Aérosol, Hervé Di Rosa, JonOne et Speedy Graphito, c’est l’artiste Roubaisien Damien DEMAITER qui parraine l’édition 2023.
Les compositions de Damien Demaiter reposent sur un processus de création intuitif et parfois inconscient, alliant des méthodes variées de raclage, de projection, de collage, de superposition de matières. Son travail combine un usage impulsif de la couleur et de la matière, des textures, et de matériaux multiples, encre, acrylique, pastel, craie, gouache, feutre, crayon.
GalerieS & éditeuRS
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Installé à Lille depuis 2012, Cédric Bacqueville s’inscrit au croisement de la région Hauts-de-France et des grandes capitales alentour, dont découle son identité à la fois locale et européenne. Ouverture d’esprit, vivacité et exigence sont la ligne de conduite de sa galerie, qui n’hésite pas à remettre en lumière des artistes confirmés comme à promouvoir de jeunes talents, et joue la carte de la pluridisciplinarité tout en gardant un attachement particulier à la photographie.
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Jef Aérosol est l’un des pionniers de ce qu’il est aujourd’hui convenu de nommer “street art” ou “art urbain” (bien qu’il préfère le terme “art contextuel”).
Ce dandy de la bombe aérosol a laissé sa marque sur les murs de multiples villes dans le monde entier : pochoirs furtifs ou grandes fresques murales. Ses personnages en noir et blanc, illustres ou anonymes, souvent peints en grandeur nature, témoignent de l’attachement de l’artiste à des valeurs humanistes profondes.
Il a réalisé pour le festival Wazemmes l’Accordéons l’affiche 2022 et présentera sur Solid’Art deux des trois orignaux !
https://www.jefaerosol.com/
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Olivier Ribardière est l’un des photographes d’enfants les plus talentueux de sa génération. Les plus grandes marques de haute couture, la publicité et la presse font appel à lui. La rencontre d’Olivier avec Olivia François (créatrice, styliste) va s’avérer déterminante dans la réalisation de costume uniques, aboutissant à plusieurs univers
Dans le cadre de Solid’Art, Olivier réalisera des portraits uniques tirés sur papier d’art et numérotés. Tel un grand maitre de la peinture flamande ou espagnole, il vous mettra en lumière en vous enveloppant d’un clair-obscur subtil pour mieux ressentir vos émotions et forces singulières. Olivia vous habillera, vous ou vos enfants, en costume d’époque ou de super héros (uniquement pour les enfants)
Réservation de créneaux (séance 1h) sur les 3 jours du salon.
Inscription et information : 06 07 49 62 29 / olivierribardiere63@gmail.com
Instagram @olivia_et_olivier
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L’Atelier Kencre est un atelier artisanal de sérigraphie créé à Lille en 2017, spécialisé dans l’impression sur papier. L’ensemble de nos prestations, de la création, en passant par la formation et l’impression sont en lien direct avec cette technique d’impression.
Artistes présentés : Vincent LELIEVRE ; BOB 59 ; Justine MOLINET ; RAF URBAN ; SAMIONE ; Tom B
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Anagraphis est une maison d’édition de sérigraphies d’art et d’estampes numériques, signées et numérotées.
Avec un fonds de plus de 8 000 sérigraphies d’art et près de 190 artistes édités, la maison d’édition présente de nombreux mouvements artistiques : l’Art Contemporain, le Street Art ou encore la Bande Dessinée !
Robert Combas, Errö, M. Chat, Siné, Mist, Shleton, Pablo Picasso, Robert Crumb, Mezzo, JonOne, Jace, … Depuis plus de 40 ans, Anagraphis est soucieuse de partager ses productions artistiques avec le public.
La maison d’édition Anagraphis est partenaire de cette première année édition de Solid’Art Paris.
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Solidaire … yes we are !
We Art 51 est un tout nouveau concept qui révolutionne l’accessibilité à l’art contemporain. En collaboration avec de talentueux artistes au style graphique affirmé,
une œuvre d’art originale est réalisée sur toile, puis déclinée principalement en sérigraphie à 50 exemplaires, numérotés et signés de la main de l’artiste.
Ces tirages d’art sont ensuite commercialisés sur www.weart51.fr et à l’occasion d’événements comme celui de Solid’Art.
Une fois l’ensemble des exemplaires vendus, un tirage au sort parmi l’ensemble des acheteurs détermine l’heureux propriétART de l’œuvre originale.
Mais ce n’est pas tout !
Pendant Solid’Art, les acheteurs seront doublement gagnants !
En effet durant 3 jours, tout achat d’une sérigraphie proposée par We Art 51 vous permettra également de participer à un autre tirage au sort mettant en jeu des sérigraphies rehaussées à la main par les artistes.
Pourquoi vous priver de faire une bonne action ?
Collections capsules d’artistes :
Baho – Bleg – Clarisse Bertiaux – Zacharie Bodson – Lou Ducatillon – Leon Greg Guillemin – Vincent Lelièvre – Marika – Hardlip – Mimi The Clown – Walter Minus – Sheak Oner – scfreeart – Shorty’man – Skwak – Thurb – T.O.N.T.O.N. / PDDKN
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PERFORMANCES
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‘Dans ses œuvres on trouve des supports en bois qui font rejaillir l’aspect satiné de la laque rouge ou jaune, des toiles de lin avec un travail en couches successives, ou des soies marouflées et recouvertes de couches de cire.
La délicatesse de l’encre de chine, le travail patient fait de nombreuses phases de préparation du support et d’application de la couleur, tout ce qui dans la peinture asiatique sert à rendre les émotions paisibles et les actions méditatives, se transforme dans les mains de Valérie en signe expressionniste, par le geste et l’ émotion.
La connaissance de l’iconographie classique italienne ainsi que la reformulation sensible de la mythologie confèrent aux protagonistes de ses œuvres une valeur figurative et morale.
Les œuvres de Valérie sont comme des pierres pavant la route de son existence, signalant les moments forts, exprimant des pensées qu’elle extrait de son intériorité. »
Lucia Collarile,Rome 2016.
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Artiste street-pop, originaire du pas de calais ou il a commencé par le graffiti il vit maintenant à lille ou il a développé un travail sur toile, inspiré par les mangas de son enfance, ses œuvres sont désormais présentes en europe et aux États-Unis, il explore en parallèle une peinture plus abstraite sur de grands formats, porté par sa recherche permanente d’énergie
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Nicolas Boulogne alias {nikonografik} vit et travaille à Roubaix.
Graphiste de formation, il se confronte très tôt à différentes techniques artistiques.
De la peinture à la gravure, de la sérigraphie au collage dans la rue, tous les supports sont prétextes à l’exploration graphique…
Influencé par les arts premiers, l’art brut, la figuration libre et le graffiti, sa palette est vive, lumineuse, contrastée et énergique. Son approche tient de l’intuition, du spontané.
Le trait est parfois impulsif, parfois maîtrisé.
L’artiste se joue des proportions pour mieux apprécier la différence à l’autre et tente à sa manière de déjouer le conformisme ambiant.
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Jeune artiste émergent Influencé par des noms tels qu’Egon Schiele, Freud, Munch, Nathan se laisse aussi séduire par d’illustres inconnus rencontrés dans la rue ou prochainement dans les allées du salon 😉
LES ARTISTES Exposants
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ATOME grandit à Lille, en 1991 il commence à s’intéresser à l’univers du HIP-HOP en générale et au graffiti en particulier. Il a commencé par poser des tags dans son collège ALBERT CAMUS à Lille avec les encouragements de sa professeur d’arts plastiques.
C’est en 1993 que le pseudo ATOME fait son apparition, directement inspiré d’un cours de science physique en classe de 4eme, comme quoi les bancs de l’école sont aussi sources d’inspirations pour les artistes en herbes.
Les premiers « ATOME » ont été posés dans son quartier où il rencontre BAZE, Sabar Boudemagh.
A l’époque, la rencontre se fait car BAZE et ATOME ont une passion commune : le basket ball. 1993 marque un tournant dans leur parcours puisqu’ils réalisent leur premier graffiti ensemble. ATOME trace ses lettres et BAZE fait son perso et c’est de la que tout est partie…
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Adré est un artiste autodidacte né le 27 octobre 1980 à Lille. Éducateur spécialisé de formation, il en tire une sensibilité pour l’humain et le contexte social dans lequel il intervient. En 1997, il rencontre des graffiti artistes de la région et débute dans cet univers. En 2005, Adré découvre la photographie, et se tourne très vite vers la photographie de rue. Les anonymes évoluant dans la géométrie des grands espaces urbains deviennent un jeu où les attitudes, les lignes, la lumière, doivent être saisies avec habileté. Son travail devient plus figuratif et il effectue une série de portraits qu’il peint sur papier puis colle dans la rue. Les thèmes du temps qui passe, de la nature, de l’absurde, ou encore du quotidien reviennent souvent. Il est marqué par le travail de Picasso, Léger et des surréalistes.
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Pierre Andrieux ou Aka Mr Grey, artiste français, s’essaye aussi bien à la photo, vidéo, street art, peinture et dessin. Touche-à-tout, ce photographe de pubs travaille en parallèle en nuance de gris, d’où son pseudo. De son trait vif et maitrisé, il dessine en grande énergie des visages expressifs, d’inconnus ou de personnalités.
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Amoureuse de la côte d’Opale, la mer a toujours été présente dans la vie d’Aliette, Hardelot sa ville de cœur et d’artiste, occupe une place centrale dans son monde composé de vagues et de coquillages. Elle aime se promener au grand air le long de ces plages infinies où elle trouve matière et inspiration.
A la fois apaisantes, intrigantes, émouvantes, ses compositions ne laissent pas indifférent. Véritables poèmes sculptés, ses œuvres nous parlent de la nature, de l’environnement et des détails qu’il ne faut pas négliger.
Dans son atelier de Wambrechies, sa galerie d’Hardelot en France ou Knokke le Zoute en Belgique elle expose, transmet sa passion de l’art et de la mer, cours, stages, art thérapie.
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Marie Amédro est une artiste originaire du Nord de la France. Se relevant du courant de l’abstraction géométrique qu’elle rattache à une sensibilité écologique, elle puise dans l’Arbre sa principale source d’inspiration. Marie n’a pas de médium de prédilection, elle travaille aussi bien la peinture que le collage ou le dessin sur toile, papier, carton et bois. Dans son travail, chaque forme, chaque couleur, chaque texture est hautement symbolique et contribue à générer l’idée de mouvement et de vitalité de la nature.
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Son pseudonyme est un hommage aux deux personnages qui inspirent sa création. Angus vient de la série Mac Gyver pour le côté créatif. Grouès est un hommage à l’Abbé Pierre pour l’esprit récup’.
Aux travers de ses sculptures lumineuses, il essaie d’interroger le public sur le sens de notre course perpétuelle au progrès technologique par la figure oxymorique de robots constitués d’objets surgis du passé.
Ses tableaux irrévérencieux inspirés du street art quant à eux sont bourrés de références au cinéma, à la politique et aux grands noms de l’art.
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Mes sculptures oscillent entre équilibre et mouvement, entre force et légèreté.
Je vous propose un voyage dans le monde aérien du cirque, dans le mouvement de la danse et dans tout ce qui s’anime …
Le fil de fer est mon fil conducteur; je l’assouplis, le plie, le tord, l’entortille pour lui donner vie. Il devient lien entre mon imaginaire et mon expression finale. Puis le papier intervient avec sa légèreté, sa fragilité et sa matière. Le fil crée un rythme, le papier évoque la transparence, ou au contraire accroche la lumière.
Le travail en bronze vient complèter et offrir d’autres ouvertures sur mes recherches, de nouvelles oeuvres naissent autour de l’équilibre, des instantanés de vie…
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AZAYAM a entrepris un travail faisant intervenir la mémoire. La sienne et la vôtre. Il peint ses œuvres à l’aide de bombes de peinture acrylique, à main levée et sans artifice, avec pour seul guide l’interprétation mémorielle d’images. Une technique singulière qu’il a lui-même nommée « Sprayssionnisme ».
Il crée des images qu’il considère comme « synthétiques », aux frontières de la figuration et de l’abstraction, de l’imaginaire et de la réalité. Par cette technique, AZAYAM nous emmène, au-delà des limites de la simple image photographique telle que nous pensons la percevoir en découvrant chacune de ses peintures.
Les flous qu’il génère dans ses peintures, ainsi que les œuvres qu’il présente comme des objets mémoriels, viennent, à l’aune de ses « écritures vibratoires », faire intervenir par des échos multiples nos propres référentiels et faire vaciller les certitudes de nos perceptions.
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Dominique Beaune Ancienne élève des Beaux Arts de Lille (E.R.S.E.P), décorée de mérite Culturel et Artistique, mais également peintre de la Batellerie Française, et Peintre de la nouvelle figuration narrative.
Elle expose depuis 1967, avec des expositions personnelles à Paris, dans le Nord, sur la Côte d’Azur, en Belgique, en Italie, au Canada, au Brésil. Ses thèmes de prédilection sont le textile et le nord, la batellerie, le Carnaval mais surtout l’Égrégore des groupes, des foules et notamment sur celles des migrants et de leur tragédie. Elle peint à l’acrylique ou à partir de taches d’encre, des oeuvres colorées qui transcrivent l’âme de la multitude des vivants et des disparus. Elle a fait également des couvertures de livre, des décors de théâtre, des affiches, et des installations.
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Thomas Berthier est un artiste sérigraphe né en 1980 dans le nord de la France. Formé aux arts-décoratifs de Strasbourg option «communication graphique», et titulaire d’un DNSEP, il trouve dans la sérigraphie le parfait outil pour exprimer et libérer son énergie créative.
Après plus de 15 ans en tant qu’indépendant dans la création graphique et visuelle, il crée en 2018 son atelier de sérigraphie artisanale. Son univers est un bouillonnant mélange de graphisme, d’illustration, de détournement d’images et d’impressions sur différents supports qui lui permet de coucher sur papier un monde original, spontané et poétique.
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Artiste plasticien passionné, il réalise des œuvres d’art principalement avec du fil de laine.
Il aime explorer les effets d’optique, troubler le regard et tromper l’œil, toujours dans une recherche de symétrie, de rigueur et de grande précision.
Il aime explorer les formes et les couleurs, construire jour après jour « l’œuvre », avec des gestes répétés inlassablement.
Il part ensuite dans une forme de méditation pendant la création. La répétition des gestes, nécessaire à mon travail, rend le processus créatif propice à l’introspection, le geste devenant automatique, l’esprit s’en retrouve libre de vaquer à mille pensées.
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Passionnée par le domaine artistique, Danièle Bienfait a commencé par peindre puis a découvert la terre et toute la richesse et la beauté que l’on peut en tirer. «L’eau, la terre, le feu, trois éléments essentiels à la vie qui me fascinent.»
Son travail actuel est axé sur le couple, la famille, les amis et la féminité ; avec des finitions en Raku et son ultime épreuve du feu. Elle essaye à travers ses sculptures de transmettre un message ou une symbolique.
Formée à l’Ecole d’Art de Douai, elle anime un Atelier « Expression terre » et un Atelier « Enfants » à Templeuve en Pévèle, le partage étant pour elle très important.
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Zacharie Bodson est né en mars 1998, ce street artist lillois détourne l’image de Jack Nicholson. Il l’iconise afin de parler politique, propagande et publicité. Il imprègne l’ensemble de son travail de références historiques acquises dans le cadre de ses études d’histoire de l’Art. Si le collage urbain constitue l’une de ses démarches artistiques, il travaille également avec différentes techniques alliant dessin, pochoir et collage sur divers supports. En dehors de Jack, il développe sa série Fake Beaux-Arts ou il interprète des œuvres afin de les moderniser. L’un de ses objectifs est de donner à voir, réfléchir, interpeller voire heurter le public. Face au flot ininterrompu d’actualités et d’images, tout ce qu’il produit est une catharsis.
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Son travail s’organise autour de ce qu’il appelle les labyrinthes mentaux:
Pour lui, les mots sont une matière difficile à manier. Les compositions de formes et de couleurs qu’il réalise sont plus fidèles à ce qu’il ressent et à ce qui s’agite en lui.
Elles parviennent à véhiculer ses émotions, ses ressentis et ses souvenirs lorsque les mots n’en sont qu’une esquisse. Chacune de ses compositions est unique et correspond à l’énergie mentale et sensible du moment.
ll réalise des compositions abstraites complexes en volume de formes et de couleurs.
Il s’agit d’une combinaison de techniques mixtes : façonnage et découpe de matières (cutter, ciseaux, découpeuse laser), collage, fixation, peinture et travail en volume.
L’aspect de relief, de volume est primordial dans son travail.
Il travaille l’accumulation, la combinaison successive de formes et de volumes.
Les matériaux qu’il utilise sont toujours issus de la récupération, papier de soie, papiers anciens, cartons de différentes épaisseurs et textures, du bois. L’ensemble peut être peint, teint ou utilisé à l’état brut.
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La calligraphie est un art que Abdelhalim BOUKHALFA
a découvert en Algérie et qu’il a apporté lorsqu’il est arrivé en France. Aujourd’hui, il puise son travail dans la nostalgie de son pays et dans l’actualité.
En effet, son oeuvre parle d’elle même : « Séparation, chagrin, nostalgie et exil,
éloignement du pays et désir dominant ».
Les productions de cet artiste calligraphe sont significatives par leurs courbes sinueuses, les couleurs choisies et leurs tracés sûrs,
comme le tracé de quelqu’un désireux d’en découvrir
les moindres secrets. Ses créations sont le fruit d’une rencontre entre le passé et le présent, entre l’art oriental et l’art occidental, entre la tradition et la modernité.
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Ses premiers balbutiements, en autodidacte, dans la sculpture remontent à 2016. Nathalie Brenne, « jeune » artiste (de bientôt 56 ans, quand même !). Mais, à peine le doigt dedans, le bras a suivi et le reste aussi. Avec gloutonnerie, elle a façonné, en papier mâché et argile, des personnages colorés et truculents, qui parlent de ce qu’elle perçois de la nature humaine. Et ces humains, qu’elle aime plutôt bien, c’est dans les concerts de rock et de métal qu’elle adore les rencontrer, les côtoyer, les absorber. Dans ce grand lâcher-prise, dans ces moments d’outrance et de communion où les gens fusionnent, quels que soient leur origine sociale, leur sexe, leur âge, leur couleur. Aujourd’hui, elle sculpte principalement des punks qui symbolisent, selon elle, tout le piquant, mais aussi toute la bonhomie de l’humanité, et des fauves aux intentions plus ambiguës.
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Considérant l’évolution de notre espèce comme une erreur de la nature, Thomas CARYN alias «TMSCRN» se plaît à photographier ces endroits libérés de toute oppression humaine et où la végé- tation et les outrages du temps y ont repris le dessus.
De la centrale électrique en passant par la morgue et les blocs opératoires d’hôpitaux, de la petite ferme en passant par l’église du village… Il recherche, arpente et s’introduit dans ces lieux abandonnés mis en offrande sur l’autel de l’obsolescence.
Une réflexion sur le nombrilisme humain et sur cette supercherie montée de toutes pièces qu’est… le temps.
Autodidacte depuis le plus jeune âge, Thomas apprend les bases de la photo en analysant la technique et les clichés réalisés par son père, photographe ornithologue.
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Après des études générales, Christophe Catelle s’est tourné vers l’ébénisterie. Formé à une certaine exigence de réalisation, au dessin et à une culture artistique, il conçoit et réalise des sculptures.
« Chacune est une histoire de la vie qui passe, tirée du fond des fibres, ou de traces de rouille. Souvent dans le rond, la sphère. » dit-il. Son travail est une recherche permanente de contraste. Par l’emploi de l’abstrait, toute la palette des émotions humaines est abordée. Une apparence détournée, patinée pour parler du cœur des choses et laisser de la place aux rêves.
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Voilà des œuvres à tendance expressionniste qui plonge au plus profond de l’âme humaine, réalisée par ce jeune artiste. Il révèle une forte empathie, en particulier pour des êtres malmenés, parfois brisés par la vie.
Cette galerie de portraits retient l’attention, suscite l’émotion par sa vérité, son intensité et la dignité de chaque modèle.
Nathan Chantob trouve ses modèles au cours de ses pérégrinations dans la rue, au bar ou dans le métro ; ces personnages anonymes qui le touchent. « L’obscurité la plus sombre n’est jamais loin de la lumière la plus vive » dit-il et c’est cet espoir qu’il veut partager. Ces hommes et ces femmes semblent, pour certains, vouloir capter l’attention du spectateur, établir un dialogue, leur regard le révèle. Le dessin est à la base de cette œuvre puis vient la peinture qui affirme les traits, les creuse quelquefois.
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Caroline Chopin travaille le grès cérame et sculpte des corps agités par la pulsion de leur vie intérieure avec un modelé vif et fragmenté où le geste a son importance. Elle aime s’emparer de l’échelle et jouer sur le déséquilibre et la distorsion créant dans un acte non contenu, une esthétique duelle, entre force et fragilité.
« Je cherche à interroger le spectateur sur sa propre part d’instinct et sur son propre corps en tant que centre de la perception et amener ainsi une réflexion sur la nature profonde et sauvage de l’homme, cette part animale, créatrice et forte que nous tendons à garder enfouie et qui pourtant nous relient les uns aux autres et à l’ensemble du monde. » dit-elle.
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Justine Coquidé utilise sa propre Technique Artistique: le Collage. Ces oeuvres sont exposées au sein de sa Galerie This is Art, 27 rue de l’Espérance à Roubaix. Justine Coquidé rend hommage à des Oeuvres de l’Histoire de l’Art et propose toutes ses Oeuvres numérotées sur 15 exemplaires, signées et certifiées. Cette artiste passionnée, déterminée et engagée souhaite, à travers ses oeuvres, en plus de transmettre sa passion pour l’Histoire de l’Art, pouvoir apporter son soutien pour diverses causes défendables et luttes. En effet, pour chaque Œuvre d’Art, l’Artiste propose ses Épreuves d’Artiste au profit des ONG ou pour des Associations qui lui tiennent à cœur.
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S’il fallait reconstituer la mosaïque CREY 132 sur une toile, elle serait obligatoirement riche en couleurs. Celles puissantes et expressives des comics, celles tranchantes qui remplissent les lettres volumineuses des fresques, celles utilisées pour poser un tag en un éclair.
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Lorsqu’elle dessine, son esprit vagabonde et se raconte des histoires qui accompagnent et favorisent la gestation de l’œuvre. Les éléments trouvent tout naturellement leur place dans une belle liberté de l’imagination guidée par la forme et la dynamique du trait. Les gargouilles qui se cramponnent sur les monuments de nos régions montrent la capacité des sculpteurs à faire coexister des êtres fantastiques. Par son art, elle cherche, à donner envie à ceux qui le regardent, de dépasser les apparences pour voyager plus loin dans un monde irréel où tout est possible.
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Auteur Photographe autodidacte, Yoann Delaplace est un « chasseur d’images » pratiquant la maraude photographique, cherchant à capter un instant unique. Il aime retranscrire l’ambiance des lieux et des scènes qui se « jouent » devant lui. La recherche photographique lui servant de base à son travail artistique.
Il donne à ses images un univers proche des peintres impressionnistes, jouant sur les couleurs, les textures, le flou et le net…Tout en gardant une trace de l’humain, de son passage ou de ses activités. Son travail s’oriente de plus en plus vers une photographie « Plasticienne » où l’apport de la peinture et du collage numérique lui permettent de laisser son imaginaire vagabonder au grès de ses envies et de ses rêves.
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Du bout des doigts, elle façonne la terre pour en faire naître un bestiaire empreint de douceur et de poésie. Manchots, ours, chouettes, tous quittent leur animalité pour prendre des postures et des expressions très humaines. Les jeux de matières et les différentes cuissons leur donnent une élégance et une singularité inattendue. Un ours dansant, un oiseau sur le dos d’un hippopotame, une famille d’empereurs réunie – c’est un imaginaire plein de tendresse que Frédérique Delcourt nous partage
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“Avocat de formation depuis 2009, ma robe et le monde judiciaire m’ont appris à regarder les confrontations se jouer. Ces confrontations, par divers biais, peuvent aboutir à un équilibre, une harmonie et dans l’idéal à une acceptation. Mes dessins parlent de dualité, de parcours sinueux ou non, et de solution. Le noir se révèle grâce au blanc, comme la force se révèle face à la faiblesse ou la joie face à la tristesse. L’encre de chine, le fusain, le chunky graphite ou l’aquarelle assortis de collage de papier népalais composent essentiellement mes créations.”
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Patrick Drut refait et reproduit en peinture, des images préexistantes, des photogrammes issus de films de famille ou de films éducatifs anciens. L’aspect presque pictural de ces images l’amène à ne pas chercher à en modifier ou styliser la reproduction. “Je suis tenté de me prendre pour une machine destinée à copier les images. Mais comme je ne suis pas une machine, et que tout est peint à main levée, sans projection ni mise au carreau, à partir de la seule perception de l’image imprimée sur une modeste feuille de papier A4, la reproduction est infidèle, inexacte, des incidents se produisent, et ils sont autant le fait de ma maladresse que des exigences de la matière et du support utilisé
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Artiste peintre français, il se plaît à peindre la vie en mouvement. D’une chambre recouverte de graffitis aux tableaux contemporains visibles aux quatres coins du monde, il offre des oeuvres pleine de vie et de couleurs, toutes empreintes de sa signature: le “courbisme”
La genèse de l’art d’Amaury Dubois se situe au point de rencontre de ses années, à se nourrir des couleurs de la rue sur son skate la journée, et entre les pages des livres d’histoire de l’art, le soir.
Sa courbe crée ce lien visible, telle une ligne de vie entre la Figuration libre, l’Abstraction et le Street art, une manière de lier et explorer ses influences. Son style lui permet d’être libre de voyager l’histoire de l’art; de Hans Memling en passant par Jon One
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Jérôme DURAND est un artiste Arrageois né en 1987.
Il a fait ses études à l’Ecole Supérieur des Arts de Saint Luc à Tournai où il a obtenu un Bachelier en publicité en 2012.
Cette formation artistique lui a permis d’appréhender de
nombreuses techniques (la perspective, la composition,
l’équilibre…) et de développer sa culture artistique.
Il est aujourd’hui directeur artistique dans une agence de
publicité de la métropole Lilloise.
Depuis 8 ans, il réalise des oeuvres, à base de papier découpé au cutter puis superposé pour créer des tableaux graphiques.
Jérôme DURAND conçoit des oeuvres uniques en utilisant le
papier à la fois comme sujet et support de ses créations. Les
lignes et les carrés s’entrecroisent et évoquent une impression
de volume et de mouvement.
A ce jour son travail est exposé, de manière permanente dans plusieurs galeries d’art en France : Lille, Le Touquet, Honfleur, Lyon…
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Sa démarche : Peindre, rechercher de la vérité dans les rapports humains, nourrir ses oeuvres de nécessité intérieure. Elle gravite autour de l’intime. A travers les allusions, les poses de dos, les jeux de proportions et les formes qui peuvent paraître contradictoires, elle tente de transmettre son besoin de s’émerveiller ainsi que celui de (se) préserver, et, avec pudeur, de toucher la sensibilité du regardeur. Omniprésentes, les mains lui permettent d’appréhender des thématiques comme la solitude, la force, la fragilité.
https://www.aralya.fr/artistes/cynthia-evers/
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Formé à la fois à la peinture chinoise et à l’art contemporain, Kaixuan Feng crée une rencontre entre ces deux influences.
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Depuis 6 ans maintenant, Eric Fitamant parcours la ville afin de la « ré-ensauvager ». La destruction d’une friche près de chez lui a eu l’effet d’un déclencheur : « Nous ne cessons de grignoter l’espace de la Nature. » Il a donc pris la décision de remettre de la nature dans la ville en utilisant ses moyens, à savoir le dessin. Dès lors, il réalise des images (d’animaux pour la plupart ) qu’il vient coller au cœur de la ville et y apporter un peu de poésie sauvage.
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FOX travaille le grés depuis 1994. Il s’est iInstallé à la Ferme des Tournesols à Quesnoy-Sur-Deûle où ses pièces sont tournées, déformées, décorées avec des argiles naturelles prélevées dans la nature.
Les pièces sont émaillées avec un émail spécialement élaboré, avec essentiellement de l’oxyde de fer, ce qui leur donne sa couleur et une compatibilité alimentaire. Cela permet de respecter l’environnement.
Depuis 2022, FOX vous présente ses pièces à la Galerie « Ceci n’est pas une piscine » de Roubaix ainsi qu’au Grand Bassin à Roubaix.
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Passionnée par l’art depuis toujours, les œuvres d’Astrid Fraccola sont toujours empreintes d’harmonies colorées car pour elle, la couleur c’est la vie. Elle peint en matières, ajoute des feuilles d’or et quelquefois avec des collages. “Créer c’est avant tout se faire plaisir et transmettre ses émotions. Que du bonheur !”
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Sourire garanti avec l’artiste «Freaks the Fab» alias Fabrice pluvinage. sonnant comme une invitation à l’ouverture d’esprit, l’univers coloré, joyeux, décalé et faussement naïf de FreaKs tHe Fab va vous faire sourire à coup sûr et peut-être même, vous interpeller comme il aime le faire dans la rue.
reconnaissables au premier coup d’œil, les personnages issus de l’imagination débordante de l’artiste vous plonge sans détour dans le Freaky World, un univers coloré surfant avec légèreté et impertinence sur les temps forts de notre monde contemporain.
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A 43 ans, Léo Galamez a déjà un style très spécifique, tant au niveau de sa technique que de son univers. Ses peintures sont réalisées sur toile à l’acrylique. Très souvent ses tableaux font appel à des couleurs vives et sont de grandes dimensions. Ce sont des variations abstraites auxquelles, pour laisser l’interprétation la plus ouverte possible, aucun titre n’est conféré. Les oeuvres dégagent à la fois énergie, vitalité extravagante, poésie et spontanéité ludique. Elles s’appuient sur un motif qui se réinvente à l’infini, à l’image des innombrables cellules qui nous constituent. Son approche initiale s’inspire de la biologie cellulaire et de l’étude des tissus, une référence qui lui vient de ses études de médecine. Elle puise ses sources actuelles dans la nature et la musique. Par ce jaillissement de formes simples mais aussi mystérieuses et palpitantes, et de couleurs qui témoignent d’une recherche esthétique subtile, l’artiste cherche « à s’étonner lui-même et à partager son plaisir de peindre».
Léo GALAMEZ est autodidacte, mais a toujours peint en parallèle de ses activités professionnelles.
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“Saisir un visage, saisir un mouvement, dénoncer une situation, une injustice, faire vibrer ou colorer un son, le donner à voir. Utiliser une technique, convoquer l’esthétique d’un corps en mouvement, le renvoyer en miroir au regard d’un passant. Utiliser l’art comme un artifice de rencontre , un dialogue ou le possible est avenir. Utiliser l’artifice du trait, le confort de la couleur, pour entamer la réflexion, le dialogue, la prise de conscience de soi, la prise de conscience de l’autre. Ma recherche artistique est au cœur de cette recherche et mes créations des bouteilles à la mer. Si à la fin, il ne restait rien de la technologie, je conserverais l’ocre du sud, l’encre de chine, le papier, la pierre, le roseau et la plume !” Ainsi est le cheminement d’artiste de Claudy Gielczynski
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Franck Guihal joue les assembleurs pour détourner et ressusciter de vieilles pièces de métal usées et oubliées. Il récupère depuis une quinzaine d’années l’acier sous toutes ses formes, usinées ou broyées qui lui évoquent des parties du corps humain, des formes organiques essentiellement, dont l’origine n’est plus vraiment identifiable.
Qu’il exploite les pièces dans leur intégrité ou qu’il les triture, il s’amuse à les recomposer et à les souder pour en oublier leur identité première et pour n’en exploiter que leur esthétique et leur aspect brut.
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Le travail photographique de Michel Hirsch est avant tout le fruit de passions. Passion du monde qui nous entoure en premier lieu, forgée par trente années à façonner son œil en tant qu’ingénieur en bâtiment et travaux publics au fil desquelles ses enjeux étaient de transformer l’espace, de le modeler, de créer, de construire. Passion de la photographie ensuite, art ultime pour capter et transmettre la beauté éphémère d’un moment, d’une lumière, d’une création de la nature ou de l’homme. Sa formation, à l’Ecole de l’Image des Gobelins à Paris sera la clé pour le développement d’un nouveau regard sur ce monde, point de départ d’une collection d’ œuvres uniques et singulières. Tantôt abstraites tantôt brutes, ses créations dévoilent notre quotidien sous de nouveaux équilibres offrant une représentation vibratoire, graphique et colorée de notre environnement.
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‘Dans ses œuvres on trouve des supports en bois qui font rejaillir l’aspect satiné de la laque rouge ou jaune, des toiles de lin avec un travail en couches successives, ou des soies marouflées et recouvertes de couches de cire.
La délicatesse de l’encre de chine, le travail patient fait de nombreuses phases de préparation du support et d’application de la couleur, tout ce qui dans la peinture asiatique sert à rendre les émotions paisibles et les actions méditatives, se transforme dans les mains de Valérie en signe expressionniste, par le geste et l’ émotion.
La connaissance de l’iconographie classique italienne ainsi que la reformulation sensible de la mythologie confèrent aux protagonistes de ses œuvres une valeur figurative et morale.
Les œuvres de Valérie sont comme des pierres pavant la route de son existence, signalant les moments forts, exprimant des pensées qu’elle extrait de son intériorité. »
Lucia Collarile,Rome 2016.
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Élève de l’école des Beaux-Arts, la vraie, celle de la place du Concert, puis de
l’école St Luc de Tournai, il travailla dans la publicité.
Longtemps intéressé par l’art abstrait, il s’en est éloigné, en considérant qu’il en avait fait très très largement le tour. Nourri aux mamelles de Hara Kiri et de Charlie, il s’amuse à adapter ses propres dessins à la peinture. Depuis, il s’esclaffe devant ses bonshommes grotesques, plus c’est gros, plus ça le fait rire, plus ils sont moches, plus il retrouve l’humanité qui nous étouffe.
Qu’ils plaisent tant mieux, qu’il irritent tant pis, et c’est pas fini ! “C’est pas à mon âge que je vais me prendre la tête” est sa nouvelle devise.
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La peinture de Philippe JOVENET se situe entre figuration libre et street art ; Liberté, énergie et optimisme la caractérisent. Le peintre nous fait voyager dans son univers coloré. Probablement influencé par la grisaille du Nord, sa région, il égaye notre quotidien en y apportant beaucoup de couleur. A la recherche de liberté et de vérité, il évolue sans cesse, se réinvente, en faisant souvent appel à son meilleur ami : le hasard…Plein d’optimisme, sa seule ambition est de transmettre de l’énergie aux autres au travers une œuvre très colorée.
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Artiste autodidacte, Audrey Keller s’est naturellement tournée vers la gravure il y a près de 15 ans lorsque l’odeur des encres lui rappelle l’atelier d’architecture de son père. Après des essais sur bois et lino, elle décide d’adopter la technique de la pointe sèche lui permettant des traits plus fins et plus de détails dans ses compositions. Toujours en évolution, ses œuvres se nourrissent des rencontres qu’elle fait au gré des expositions et des salons comme la rencontre avec Benjamin Bassimon ou Yann Legrand. Ses inspirations sont les végétaux, le cellulaire, l’organique.
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C’est dans une cave lilloise que naît et se développe le travail de Kelu abstract.
Ses visages trouvent support sur des affiches dans la rue, sur les encombrants au fil des rencontres mais aussi sur toile et papier.
Kelu abstract ne dicte pas de message et laisse l’interprétation libre de ses regards réciproques.
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Si la créativité est « l’Art de relier les choses », relier les personnages à la lumière du lien qui les unit, reste la spécialité de Tommy ! Figer les pouls qui s’animent au fil des rencontres, capturer l’émotion balbutiante qui marque les cœurs et crée l’alchimie…
À travers ses méli-mélo de personnages, il fait fleurir ces moments où la vie s’exprime et nous étonne. En ces temps de crises, ses œuvres viennent questionner nos rapports humains et nos libertés. Elles nous rappellent la puissance des rencontres et des instants partagés. Cette joie du partage spontané qui amplifie la vivacité, les émotions et rend le bonheur plus palpable.
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David Kunzli est né en 1972. Il se forme en dessin publicitaire à l’école des Arts graphiques Corvisart à Paris. Il abandonne rapidement la réalisation de maquette au profit de la peinture, qu’il pratique depuis son plus jeune âge. À la recherche d’une écriture personnelle, David Kunzli parcourt l’Asie et treck des mois dans les montagnes de l’Himalaya. De ces séjours nait sa technique, une interrogation qui l’amène à l’essentiel, des visages ronds du bouddhisme au plus aigüe des mondes de l’est. Dans ses premières pratiques, David utilisait le médium de l’huile mais jugé trop riche, il décline son ouvrage dans un dépouil- lement simple prêt à raconter l’humilité des personnes qu’il a rencontré.
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Georges Dumas est un photographe plasticien français né en 1975. Il crée des œuvres qu’il appelle « paintographies », c’est-à-dire des tableaux en technique mixte sur toile qui mélangent photographie, composition numérique et peinture à l’acrylique. Son sujet principal est la figure humaine, plus particulièrement le corps.
Il présente son travail en France et en Europe depuis 2007 à travers des expositions personnelles et collectives en galerie, des foires (Fotofever, Art Up, Art Montpellier) et des salons (MacParis, Puls’Art, Figuration Critique, ArtCité, etc.)
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Les paysages de fleurs ou de forêt conjuguent nos eldorados, ils trouvent leur inspiration dans les contrées fantasmées de la peinture ancienne ou de la littérature, les jardins, les motifs anciens d’étoffes ou papiers peints, les rideaux désuets de dentelle ou dans nos images idéalisées de cartes postales de vacances et les photos filtrées postées sur les réseaux sociaux, dans ce que la forêt ou le jardin renferme d’imaginaire.
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Lauras Alain réalise un travail photographique sur le passé industrielle , des usines , des machines , traces du travail des hommes.
C’est également la mémoire du travail par la réalisation de créations en métal , fabrication de petites usines , de maisons ouvrières avec des pièces qui sont forgées ,et parfois récupérées dans les friches ; Des restes du passé industrielle révolu !
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Que ce soit dans le minéral, l’organique ou la particule, tout ce qui a trait au vivant et à la matière m’intéresse et me questionne.
Tout ceci transparaît évidemment dans mon travail où j’ai longtemps cherché à retrouver les processus du développement du vivant en prenant en compte le temps indissociable à la création de formes.
Pour cela la gravure a toute ma considération car elle allie la chimie au dessin et la multiplication aux variations.
Yann Legrand est professeur de gravure au Palais des Beaux-Arts de Lille et professeur de modèle vivant à l’école Pole IIID à Roubaix.
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Régis Lelièvre est un artiste en immersion. Il semble nourrir son âme de rêveries solitaires, parfois dramatiques parfois extatiques. Il paraît s’enivrer en se perdant dans la matière qu’il observe, en offrant une réalité brute et élégante, s’employant à honorer une nature pure confinant parfois avec le funeste ou la volupté. Une palette d’émotions saisissantes se dégage de son travail, oeuvrant à une recherche constante de la lumière, d’un univers souvent sépulcral ou sibyllin.
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Sortie d’une école de commerce, elle intègre une enseigne nordiste de sport qui lui procure le goût du mouvement et du challenge. La conception des catalogues la plonge dans la photo, la mise en page des formes, des expressions, des couleurs.
Un long passage dans l’optique lui fait découvrir des milliers de regards, chacun avec son mystère troublant. Elle aime voyager et contempler, toujours avec ce désir irrépressible de captation d’images.
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Artiste autodidacte et touche à tout dès l’adolescence, elle crée depuis plus de 10 ans exclusivement à partir de matières premières et objets récupérés, jetés, inutilisés et de fait voués à la destruction. C’est dans la création qu’elle éprouve la liberté d’être, par l’art qu’elle exprime ce qui la traverse. Elle souhaite offrir au public une émotion positive, l’interpeller et le faire vibrer. Sa démarche propose de sortir du sombre et de trouver dans ses œuvres et en soi la lumière, la beauté du monde. Elle s’appuie sur les traces visibles et invisibles laissées par le temps ou par d’autres avant elle.
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Inspirée par l’humain et le développement personnel, LudivineG est une coloriste qui travaille intuitivement à partir de photos, d’images déchirées qu’elle colle sur toile, et qu’elle valorise par des touches de couleurs et des fonds de peintures.
Son travail décompose l’existant afin de lui offrir une nouvelle histoire. L’essentiel de ses collages sont une représentation de l’humain célèbre ou non, et tout particulièrement de la féminité. Ses compositions « d’extraits de vie » viennent d’inspirations libres ou personnalisables sur demande.
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Peintre-graveur depuis 30 ans, je vis et travaille à St-André-lez-Lille.
Après avoir étudié la gravure à l’Union des arts décoratifs de Paris avec pour professeur J.C. Reynal, je poursuis ma formation au CEGRA de Caracas (Centre d’enseignement graphique spécialisé dans la formation technique et artistique de l’estampe) au Venezuela. De retour en France je mène de front la peinture, la gravure ainsi que le graphisme.
J’expose régulièrement dans des salons, biennales et galeries en France et en Europe.
J’ai toujours travaillé la gravure, aujourd’hui je fais essentiellement des monotypes, les outils de la taille-douce me sont nécessaires pour développer mon art. Parallèlement je développe un travail en peinture sur toile ou sur de l’intissé.
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Naviguant des techniques traditionnelles au collage numérique, mes méli-mélos personnalisés et anachroniques sont autant de Traversées du temps. Chargées de symboles et d’éléments décoratifs ces œuvres adressent aussi de tendres clins d’œil aux standards du cinéma hollywoodien. Tout en jeux de miroirs, techniques et iconographie réassemblent des fragments de vie et des références à la grande Histoire des Arts. Enfin, d’un lyrisme affirmé, un graphisme libre souligne ou déplaces-en ces romans sensuels et circonstanciés l’entrée directe au sujet.
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Marika baigne depuis toujours dans un univers artistique. Élève des Beaux-arts de Boulogne, elle a surtout travaillé dans l’atelier de son père, apprenant grâce à lui la perspective dès 8 ans. Influencée par des artistes hauts en couleurs et en poésie, elle est l’auteure des Rafistolés, ces personnages réparés de bric et de broc. Avec eux, elle prend un plaisir fou à réveiller vos émotions par le biais de peintures, sculptures ou fresques immenses qui transmettent une joie de vivre indéniable.
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Artiste régional reconnu, Vincent Maronnier est fidèle à SOLID’ART
Son travail est une symphonie sur la couleur, le rythme, le mouvement, sa peinture est un message à l’amour, à la sensualité, à l’expression. Elle exprime toujours une ambiance positive, apaisante ou rythmée par la vie, « Sa peinture rend « heureux ». Il développe son art en travaillant par thème ; le sujet se renouvelle. Il aime travailler l’expression corporelle, ses nus enchantent le regard et ses toiles se révèlent dans un joyeux balai de formes, graphisme, lignes.
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Martin Loume alias Jean-Louis Brochen est affichiste lacérateur et depuis 20 ans au gré de ses voyages il arrache les affiches, « la peau des murs » qu’il croise sur son chemin. Le travail de Martin Loume est à la fois artistique, poétique et politique, de part le choix de l’affiche car son œil peut s’arrêter sur chaque détail : l’épaisseur, la taille, le graphisme, parfois le sujet, mais surtout la picturalité, car pour lui « l’affiche est ma peinture ». Le temps est également au cœur de son activité, il est capturé par les différentes affiches représentées, celles-ci capturent un espace-temps précis, un événement passé ou futur, une sorte d’ethnologie urbaine. Elles sont un marqueur social de notre environnement et l’artiste saisi cet instant pour en faire une œuvre, un souvenir de cette époque.
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Tony Masschelein ne se contente pas d’enrichir sa créativité grâce aux leçons des grands artistes présents et passés. Dans une recherche incessante de la beauté et de la profondeur cachée des choses, il n’hésite pas à mélanger l’esthétique de compositions colorées harmonieuses à l’anarchie visuelle d’explosions de peinture et de mouvements lyriques, qui se traduisent par un foisonnement de couleurs.
https://www.facebook.com/peintretonymasschelein/?locale=fr_FR
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La peinture est pour elle l’occasion de déambuler dans des jardins perdus, de se perdre dans des univers floraux et y trouver une place. Elle change de point de vue, elle cherche l’équilibre, elle essaye de saisir les évolutions naturelles. Il s’agit d’ouvrir les yeux et se reconnecter à la nature et aux autres. Chaque toile est un cheminement. Elle raconte une histoire, un flot de pensées, des balades ou des instants qui s’envolent. Elizabeth Masson recherche la légèreté et la luminosité par la transparence et la finesse des couches picturales.
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Pauline Caux, alias Minuit:05. Graphiste print de formation, passionnée par les arts graphiques tels que la gravure et la sérigraphie. Son travail s’intéresse entre autres à l’architecture du Nord et ses maisons mitoyennes. L’enchevêtrement des formes qu’elle provoque est pour elle un vrai terrain de jeu pour créer de nouveaux visuels. Elle aime mélanger différents médiums, la linogravure, le dessin et la retouche numérique, le collage, dans un style naïf, imparfait mais assumé.
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Mister P, street artiste passionné par le mouvement où il évolue depuis 2008 et par les multiples techniques qu’il propose, est originaire de la région lilloise. Entre détournements publicitaires, peintures et collages, il reproduit ses multiples personnages dont le plus connu est le visage du général de Gaulle. Le képi devient son meilleur support pour laisser place à la création et au message d’ironie qu’il aime utiliser. Il fait traverser le temps à cette figure emblématique et historique, confrontée à la publicité et à la société de consommation.
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Caroline Montigneaux est une peintre et dessinatrice dont les œuvres ont figuré dans des expositions et des publications à travers la France. Adoptant une approche gaie et lumineuse de la couleur et de la silhouette, elle compose des portraits amusants à l’encre de Chine ainsi que des œuvres agrémentées d’une touche de street art, le tout dans son univers singulier de Petites Nanas.
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Les tableaux aux couleurs vives et chatoyantes d’Etienne Mottez surprennent et interpellent. L’artiste étale sur la toile ses pensées et ses moments de vie qu’ils soient heureux ou tristes, des ressentis de tous les jours et des moments importants. Chaque toile est un peu son journal intime. Chaque tableau est différent, chaque couleur choisie n’est pas là par hasard. Il joue avec des personnages de BD et utilise aussi bien l’huile, l’acrylique, le stylo, le feutre ou le crayon de bois. Aujourd’hui, il expose dans le plus grandes foires d’art contemporain de France.
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Arrivé à Lille à l’âge de 12 ans, après être parti 3 ans à St luc Tournai, puis Paris et au Canada (Toronto), Nablezon est revenu dans sa ville pour pleinement se lancer dans cette passion qu’est la photographie. Aujourd’hui, il est photographe et vidéaste principalement dans le tourisme et la mise en valeur du patrimoine régional. À travers ses créations et pour ses clients, il met en avant la région (Hauts-de-France, Belgique). Étant un amoureux d’art et de voyage, il a fondé Lille Aux Artistes, une structure communicant sur les artistes méconnus de la région, ainsi que ViensOnExplore, un média parlant de culture & de voyages en France et en Europe.
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Gaspard Noel fais des autoportraits depuis ces 20 ans. La recherche est devenue celle d’une philosophie perceptible. D’une vie bonne qu’il essaye de vivre et en la vivant de la représenter et en la représentant de la vivre. Il y est paradoxalement – puisqu’on le voit partout – question d’humilité, face à soi, aux autres et à la nature. Il y est question d’être heureux sans être envahissant. Il y est question de respiration. Pour me conformer à ces principes, il a cessé pour cette série (et les suivantes) d’aller chercher une nature lointaine ou exotique. Il photographie les forêts de la métropole lilloise, où il habite depuis ces 7 ans.
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« La peinture, une fenêtre sur le monde, sur mon monde. »
Peindre est une nécessité, une évidence pour elle. Depuis ses 8 ans, elle peint à l’huile. Ce médium a été utilisé dès le début de l’histoire de la peinture, l’origine de la peinture faite de pigments mélangés à la cire puis à l’œuf et ensuite avec de l’huile et du vernis. J’aime cette continuité historique et son rendu. En effet, l’huile a la particularité de “vivre”,elle se modifie par oxydation. Elle respire. Elle aime peindre ses sujets et jouer avec les différentes possibilités que m’offre l’huile: la peinture alla prima, par couches, a tempera, à la cire.C’est tout un éventail de techniques qui la séduise.
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Originaire d’Arras, peintre avant de devenir sculpteur, j’expose dans la région depuis plus de 30 ans.
Mes premières réalisations sont des stèles et des ex-voto, puis des personnages boules ou filiformes d’inspiration ethnique ; semblant errer hors du temps dans un voyage imaginaire. Dans l’esprit des arts premiers, j’utilise des matériaux simples tels le mortier, le papier, le tissu, la fibre, la colle, le fer, le bois, et tout récemment la résine. C’est par la patine, en utilisant des pigments, que je donne toute la dimension, la contenance à mes sculptures en transformant ces matériaux pauvres en matière noble.
Chaque réalisation est une œuvre unique.
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» Je peins des visages pour raconter des histoires comme autant de miroirs adressés aux « regardants ». Interpellation directe à se relier à son propre état émotionnel.
C’est une invitation à entrer en résonance avec ceux là que je ne connais pas mais qui parlent si bien de ce que je ressens, une invitation à se fondre dans un regard, yeux dans les yeux profond avec sa propre humanité.
Mais au delà de cette interpellation qui renvoie chacun à lui même, ma parole est aussi citoyenne et engagée.
L’homogénéité des formats, la récurrence des cadrages, l’utilisation systématique du noir et blanc, l’absence de « décor » milite pour l’unité de notre humanité au delà des discours de ceux qui voudraient nous séparer. »
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Pola 4.0 est une artiste Lilloise autodidacte. Son pseudonyme Pola 4.0 est un clin d’œil au fameux format Polaroïd, qui a marqué son enfance, mais porte également une signification plus personnelle qu’elle aime garder secrète…
Pola 4.0 voit sa démarche artistique comme la mise en images de ce qu’elle nomme son « labyrinthe émotionnel ». Ses sujets éclectiques, que parfois même tout oppose, reflètent en réalité ses insatiables questionnements sur l’existence. La femme, sa place dans la société, ses combats, restant un de ses sujets favoris.
L’image de la femme, sa place dans la société, ainsi que ses combats sont des sujets majeurs dans son travail. Par ses inspirations multiples, Pola 4.0 a développé ses techniques singulières puisées dans l’alliance heureuse des médias graphiques, du traitement de l’image et des techniques mixtes. Si ses créations privilégient un usage approprié d’un support d’aluminium ou de plexiglass, voire de bois, elle refuse cependant d’être enfermée dans une catégorie artistique particulière, ou de s’imposer des limites quant à la forme de son expression.
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L’éphémère en image
Être de passage en milieu urbain, une métaphore de notre humanité… Un lieu d’émotions qui me saisissent, que je transpose et partage ici dans une double approche. L’une d’instantanés photographiques revisités : impressions fugitives de voyage, points de vue multiples où reflets, lumières, couleurs chamboulent le regard. L’autre d’aquarelles : Un mode que je privilégie pour les transparences, la fluidité et les rencontres de hasard qui s’y jouent.
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Alexandre modèle ses sculptures à la manière des premiers hommes et y imprègne une charge spirituelle personnelle comme des amulettes sorties d’une mythologie fictive. Il est fasciné par les monstres depuis toujours, ceux-ci prenant vie sous ses doigts sous l’apparence de divinités hybrides. Ils lui permettent alors de laisser libre cours à son imagination, sans lui imposer de limites. Habitées par des esprits facétieux, ses céramiques sont modelées en grès noir, colorées avec des engobes et ornées de motifs comme des tatouages sur une peau vierge.
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Antoine Renault est un peintre français né en 1963 à Nantes. Basé sur l’île de Noirmoutier, il est connu pour son travail étonnamment réaliste sur l’eau. Ses thèmes sont l’invincible été et la légèreté de l’être. L’inspiration vient de ses deux îles préférées : Noirmoutier et Amorgos.
Sa technique joue en permanence avec la frontière du réalisme : l’œuvre accroche le regard à distance avec une image quasi photographique mais au fur et à mesure que l’on se rapproche, les coups de pinceau révèlent des formes abstraites qui laissent place à l’imaginaire.
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Autodidacte, il devient assistant et apprend les rudiments du métier.
Ses motivations le poussent à élargir son champ d’horizon, il part alors pour le studio Pin-Up, où il assiste les plus grands noms du moment, comme Oliviero Toscani, Jean Paul Goude, Peter Lindberg…
Il gagnera ses galons de photographe professionnel rapidement. Sa sensibilité et sa maturité photographique lui ont permis de découvrir un nouvel univers, L’Enfance. Domaine dans lequel il su s’imposer comme l’un des grands spécialistes de la Mode.
Les plus grandes marques de haute couture, la publicité et la presse font appel à lui. L’idée de photographier des enfants , par le biais du portrait, résonne en lui comme une finalité logique.
En 2011, la dimension professionnelle ne semble plus lui suffire. Une démarche plus personnelle lui semble alors nécessaire. La naïveté de l’enfant lui permet d’exprimer des émotions vierges de tout préjugé. Il a ainsi mené à maturité plusieurs séries de portraits, chaque série joue sur un registre très différent, le point commun étant une recherche de sens et de symbole réellement mise en scène. Une véritable composition dont la perfection du détail, de lumière, du jeu de couleurs, confère à ses photographies, qui dépassent de loin la simple idée de portrait, le statut de tableau.
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Artiste street-pop, originaire du pas de calais ou il a commencé par le graffiti il vit maintenant à lille ou il a développé un travail sur toile, inspiré par les mangas de son enfance, ses œuvres sont désormais présentes en europe et aux États-Unis, il explore en parallèle une peinture plus abstraite sur de grands formats, porté par sa recherche permanente d’énergie
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Artiste plasticien redonnant vie aux matériaux pour révéler, au fil de sa démarche artistique, des paysages et scènes de vie à base d’objets de récupération.
Architecte de formation et doté d’une expérience de scénographe d’exposition, Joël SADAUNE s’exprime au travers d’œuvres en mettant en scène des espaces semi abstraits, emprunts de références de notre quotidien, comme les réseaux urbains, les friches industrielles.
L’univers « industriel » est une source d’inspiration qui le pousse à imaginer et concevoir des embarcations, des cargos, des docks, des containers … à partir de matériel de récupération.
De la peinture à la sculpture, Joël SADAUNE crée des univers à l’ambiance industrielle, sur fond de décors riches de détails : marquage, symboles, messages, traces … il aime user du vocabulaire lié au packaging.
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Diplômé de l’École nationale supérieure Louis Lumière (section cinéma) en 1993, Pascal Sentenac commence dans la profession en tant qu’assistant-opérateur, cadreur puis finalement chef opérateur et directeur de la photographie pour le cinema et la télévision.
Après avoir mis ses compétences en image et en scénario au service des esthétiques des réalisateurs pour des fictions et des documentaires, il commence une recherche personnelle qui le conduit à explorer ses propres thématiques et univers visuels avec la photographie, qu’il redécouvre en 2008.
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Jeanne SMITH est une plasticienne qui vit et travaille à Lille. Elle est diplômée des Beaux-Arts Plastiques de Tourcoing en 2013. A la suite de sa formation elle apprend la sérigraphie aux côtés du maître d’art Alain Buyse. La découverte de cette technique est déterminante. En 2021 elle commence un nouveau cycle intitulé « Rémanences » où elle remplace l’encre traditionnelle de sérigraphie par la poudre de charbon. Ces derniers travaux sont présentés dans le cadre de son exposition à la Crash Gallery, à Villeneuve d’Ascq en 2022, ainsi qu’à Barcelone à la galerie Tinta Invisible dans le cadre du concours international On Paper Contest. Jeanne Smith cherche à questionner les notions de disparition et de trace. Son travail expérimental autour de la sérigraphie l’amène à déconstruire la technique, à trouver de nouvelles façons d’expérimenter avec la matière.
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Que ce soit au travers de la peinture, du dessin ou de la sculpture, SylC place l’Homme au centre de son propos. Fortement teintée d’onirisme, son œuvre révèle notre identité véritable, et parfois nos paradoxes, nos dualités.
En associant fréquemment l’Humain à l’animal ou au végétal, l’artiste plasticienne met en avant l’hybridation et la métamorphose, symboles de la complexité de nos personnalités, mais aussi de l’adaptation, du renouveau et de notre évolution perpétuelle.
SylC collabore avec des galeries en France, en Europe et aux USA. Ses travaux sont présents dans des collections publiques (Villes de La Rochelle, du Mans, de Maisons-Laffitte, de Guyancourt) et privées.
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Francois Tilly fait des installations, parfois monumentales, des sculptures, de la scénographie théâtrale, mais il réalise aussi une production de peintures et remplis depuis toujours des carnets de dessins. Il fonctionne souvent par séries. Il travaille avec des photos personnelles ou des images d’archives. Son univers est figuratif. Il associe des éléments incohérents. Ses compositions sont souvent binaires car il cherche à créer des jeux de contradiction simples.
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Architecte de formation, Grégory Valentin, est un amoureux des livres, des lignes et de l’Art. Il intègre dans ses tableaux l’intégrale d’œuvres littéraires en jouant avec les espaces, les polices, les lettres pour en restituer une émotion intense et une esthétique parfaite. Grégory Valentin présente un minutieux travail de composition où il va discipliner, contenir et mettre en forme des textes pour recréer l’intégralité d’un livre sous forme artistique. La finalité de son travail présente à la fois une œuvre abstraite reposante et esthétique tout en donnant vie aux œuvres littéraires desquels il s’inspire.
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Jonathan Vandromme est né en 1983 dans une banlieue lilloise « Bois Blancs ». En peignant, il tente de transcender ses incapacités à être, de sublimer ce qui me rend tout petit et de trouver la possibilité d’un réconfort mystique. Aucun style ou courant de peinture ne le limite, ce qui l’anime, c’est développer des espaces de libertés. Ayant le souci d’une œuvre plutôt que celui d’une carrière, et voulant avoir un propos sincère, il a fait que tardivement le choix de commercialiser son travail.
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Les technologies de nos jours évoluent et changent nos comportements, notamment depuis l’émergence des réseaux sociaux. Plutôt que de juger les transformations qui en découlent et de moraliser les utilisateurs, mon travail tend à représenter l’esthétique qui en résulte.
Ma démarche est simple. Elle consiste à partir d’une photographie d’un modèle prise sur les réseaux sociaux, à la dessiner sur papier en réduisant les formes, en supprimant les visages pour en souligner les courbes à la façon d’images publicitaires. Ensuite, traiter le dessin par ordinateur – en laissant visibles les défauts du numérique – et enfin le peindre / sérigraphier pour qu’il subisse un ultime traitement humain, artisanal.
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L’esthétisme d’une pose ne m’intéresse pas, je souhaite surtout montrer ce qui se passe en l’autre, au moment où je saisis cet état qui m’inspire.
Sculpteur(e) engagée, partage et transmission
J’anime des ateliers d’initiation à la sculpture autour de thématiques, avec et pour un public divers comme par exemple des adultes “réfugiés” ou encore des personnes handicapées. C’est à chaque fois une rencontre, qui permet de construire, d’être créateur, c’est un temps d’échange autre, chacun repart nourri de la rencontre avec la terre et de la relation qui s’est tissée entre nous tous.
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Mon travail est essentiellement graphique du dessin à la sculpture.
J’exprime par la force du trait l’environnement qui nous entoure et que nous ressentons, mais que nous ne voyons pas toujours. Lignes, courbes, angles…créent des rencontres, des unions, des tensions omniprésentes qui donnent à voir les paysages de notre quotidien, qui donnent à voir la vie. Sorte d’écriture graphique prenant forme au gré de mon inspiration.
Bien sûr, l’environnement urbain est mon terrain de prédilection, mon terrain de je(u).
Nouveau virage en 2018, l’envie de reconsidérer tout le travail réalisé depuis près de 2 décennies et de me mettre en risque afin de découvrir de nouveaux horizons, c’est pour moi un retour aux sources du dessin et de l’illustration.
Depuis, ma quête se poursuit : » Rechercher, expérimenter, douter, étonner, m’étonner, surprendre, me surprendre ce sont autant d’actions et de ressenti qui animent encore et toujours ma démarche « .
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Originaire du Nord de la France elle à étudié les Industries Graphiques et la Photographie à Lille. Son travail récent est porté par la découverte d’une technique ancienne : l’encaustique. Ce mélange de cire d’abeille et de résine naturelle a donné une dimension nouvelle à ses photographies en fusionnant les techniques. Aquarelle, collages, photographies… se fondent dans l’encaustique pour révéler des oeuvres à la limite de l’abstraction. Bien qu’il y ait un attachement au réel via la photographie, le résultat est décalé, subjectif, comme un rêve qu’on essaie de rattraper ou vos souvenirs qui s’effacent
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Espace, déploiement de figures – humaines, animales –, de sentiments, de songes sensibles. Glissements d’ombre et de lumière sur la matière presque brute, à peine travaillée, ou comme plus longuement palpée, ciselée, caressée… En quête de traduction sur le vif de la force du mouvement, l’arc des tendons et la pression des muscles… Ou rêveries de la sensualité du corps, la chair frémissante, ou lascive, qui affleure, la fine ligne de la peau, le poids arrondi d’un sein, la courbe d’une fesse, des doigts étirés avides de toucher quoi… espace d’extase réservé derrière les yeux clos…Quête d’un mouvement vital, quête d’équilibre – incarnation et apesanteur, loi de la gravité et tentation de la légèreté… Quête du souffle, de la densité de la chair, de la sensualité de la chair… sur les rives du songe… Ce sont quelques caractéristiques du travail de Saúl Velázquez de Castro.
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Jeune artiste guinéen installé à Montpellier, Bella Bah s’exprime aussi bien sur toile que sur les murs de la rue. Dans sa palette, ce sont ses émotions, son histoire et ses expériences qui définissent les couleurs. Evoluant dans un microcosme artistique, il s’inspire de ses pairs pour développer son propre style. Coloré et exotique, l’univers de Bella Bah vous fait voyager sur un autre continent.
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Artiste sculpteur animalier lillois.
Passionné de voyages, de photographie et de rencontres animalières. Toutes ses créations sont réalisées en métal, brut, rouillé et parfois coloré. Retrouvez son univers sur Instagram Giani Desmet Sculptures
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