Catalogue 2026
Solid'art MONTPELLIER
25/26/27 septembre 2026
ZéNITH SUD
Vendredi 14h – 22h
Samedi 11h – 20h
Dimanche 10h – 19h
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Entrée Gratuite
Catalogue 2026
MARRAINE 2026
Après avoir eu le privilège de compter parmi ses parrains des artistes tels que MAYE, Hervé Di Rosa, Mist, M. Chat, Nasty, Franck Noto et JonOne, c’est l’artiste LELOLUCE, qui marraine l’édition 2026 de Solid’Art.
Leloluce est une artiste peintre et sculptrice française, reconnue depuis douze ans pour son univers coloré et joyeux, mêlant puzzles, mosaïques et figures emblématiques de BD et cinéma. Ancienne expert-comptable, elle s’est imposée dans l’art contemporain grâce à un style unique, entre street art et culture pop, et figure aujourd’hui dans le top 10 des artistes internationaux.
Ses œuvres, marquées par la gaieté et l’innocence, séduisent collectionneurs et amateurs, tandis qu’elle partage sa passion en tant que conférencière. Engagée socialement et écologiquement, elle utilise aussi son art pour sensibiliser. Son parcours atypique et son énergie en font une figure inspirante de l’art actuel.
https://leloluce.com/
FOCUS AUDIO
CATALOGUE 2026
AtelierS & performanceS
L’artiste NASTY, figure emblématique et précurseur du street art en France, fait son grand retour à Solid’Art Montpellier, après avoir été le parrain de l’édition 2022. Pour l’occasion, il réalisera une performance live XXL en créant, sous les yeux du public, une fresque monumentale de 15 m², qui sera ensuite découpée en fragments uniques proposés à la vente !
À l’occasion de Solid’Art, l’artiste belge Prooz réalisera une performance artistique en direct. À la bombe aérosol, son outil de prédilection, il donnera vie à une œuvre mêlant abstraction et influences du graffiti, permettant au public de découvrir son univers et son processus de création en temps réel.
Connu pour ses portraits expressifs aux couleurs éclatantes, Bella Bah célèbre à travers son travail la diversité et le métissage des cultures.
À Solid’Art, il réalisera une œuvre en direct sous les yeux du public, dévoilant toute l’énergie de son univers créatif.
Maye, figure montpelliéraine de la scène artistique contemporaine et parrain de l’édition 2025 de Solid’Art Montpellier, revient sur le salon pour présenter la sérigraphie créée spécialement pour Solid’Art. À cette occasion, l’artiste proposera une séance de dédicace, un moment privilégié pour rencontrer le public et les collectionneurs.
Depuis plus de 40 ans, Anagraphis est soucieuse de partager ses productions artistiques avec le public.
Les maitres sérigraphes seront présents sur le salon pour initier petits et grands à cette technique millénaire.
L’artiste montpelliérain ccsJPG Jenfi développe une démarche participative et engagée, mêlant création artistique et sensibilisation aux enjeux environnementaux. À l’occasion de Solid’Art, il proposera une expérience collective originale et ludique : les visiteurs seront invités à prendre part à la création d’une œuvre monumentale composée de plus de 300 maisons et bâtiments, tout droit sortis de l’imagination de l’artiste-architecte Vincent Lelièvre.
GalerieS & éditeurS
Anagraphis est une maison d’édition de sérigraphies d’art et d’estampes numériques, signées et numérotées. Avec un fonds de plus de 8 000 sérigraphies d’art et près de 190 artistes édités, la maison d’édition présente de nombreux mouvements artistiques : l’Art Contemporain, le Street Art ou encore la Bande Dessinée !
AUREL / François BOISROND / Robert COMBAS / Robert CRUMB / DIFUZ / Hervé DI ROSA / ERRÖ / JEF AEROSOL / JONNYSTYLE / LADY.K / MAYE / MEZZO / MIST / Ernest PIGNON-ERNEST / SHELTON / SINÉ / SPEEDY GRAPHITO / Philippe VIALA / ZEST …
Galerie street art, d’art urbain ou plus largement d’art contemporain, At Down est une galerie spécialisée dans l’art du graffiti. Elle expose les pionners américains de la discipline, Crash, Futura, Mear One, comme les artistes français les plus réputés en laissant une large place à la scène montpelliéraine : Mist, Tilt, Nasty, Honet, L’Atlas, Tanc, Jace, Zest, Vania, Momies, Smole, Maye, Jonnystyle, Polar, Loko.
Lézarts Urbains et ARTAETAS présentent pour Solid’Art Montpellier le travail de l’artiste JonOne !
Né en 1963 à New York aux Etats-Unis, John Andrew Perello dit JonOne vit et travaille à Paris. Artiste autodidacte, il commence à peindre sur toile en 1985 et expose dans le monde entier. JonOne réalise des œuvres abstraites influencées par le mouvement, la couleur, l’énergie. Il se décrit comme un “peintre graffiti expressionniste abstrait”.
L’association sétoise présentera la série des 30 sérigraphies “Brassens By Sète” éditées pour les 30 ans de l’Espace Georges Brassens à Sète : Amon Alis / Karine BARRANDON / Eric BATTISTA / Aldo BIASCAMANO / Tony BOSC / C215 / André CERVERA/ Hugues CHAGNIOT / Charlélie COUTURE / CLODIUS / Robert COMBAS / Christophe COSENTINO / Laure DELLA FLORA / DÉPOSE / Hervé DI ROSA / Christopher DOMBRES / Marc DURAN / Jean-Jacques FRANCOIS / Pierre FRANCOIS / Boris JOUANNO / LAOU / Eve LAROCHE JOUVERT / Maxime LHERMER / LITH / Lucas MANTIONE / MAYE / Anna NOVIKA SOBIERAJSKI / Jean-Luc PARANT / REKA / REBELSMUGE / TOPOLINO / Alain ZAROUATI …
Centre d’art urbain et contemporain situé à Montpellier, LA PARCELLE 473 s’étend sur 1 500 m² dont 400 m² de surface d’exposition. Il propose à son public la découverte de l’histoire du mouvement artistique Street art et graffiti. Ce projet, porté par Laurent Rigail et Eric Brugier, se caractérise également par la volonté de recréer un lieu de vie, de partage et d’échanges culturels à travers la consécration d’un mouvement artistique planétaire.
Découvrez en exclusivité toutes les sérigraphies encore disponibles des artistes parrains de Solid’Art :
Lorem, Jef Aérosol, Speedy Graphito, Nasty, Hervé Dirosa, M. Chat, Sandrot, Luke Newton, Maye…
LES ARTISTES Exposants
Diplômé de l’École Boulle et de l’École des Arts Décoratifs de Strasbourg, Yann Birgy a travaillé comme scénographe au sein de l’atelier Manessier, puis comme graphiste et maquettiste pour Bourjois-Chanel. Artiste pluridisciplinaire, il explore le dessin, le collage (classique et numérique), le transfert, la photographie et l’installation. Ses derniers dessins sont fortement influencés par les graveurs allemands du XVe siècle, notamment Dürer, comme en témoignent ses Animaux Fantastiques ou son Rhinocéros, inspiré de la célèbre gravure de 1515.
Marie Amédro, née en 1989, est une artiste peintre française. Après une formation en Arts Design et une Licence en Communication, elle développe une esthétique majoritairement abstraite influencée par son travail en infographie. Fin 2025, une réflexion sur « l’instant présent » l’amène à repenser sa manière de travailler. C’est finalement l’écriture qui lui a semblé être le concept le plus proche de sa définition de cet instant présent. Pour elle, l’écriture est à la fois intime, spontanée, continue et ancrée dans le temps. C’est ainsi qu’est née cette nouvelle série dont les compositions illustrent la notion de mouvement, avec comme toujours, un jeu de textures entre peinture, sable et tissu.
Anagruz est artiste peintre animalière. Elle garde de son travail d’ingénieur la passion du matériau et innove avec ses portraits animaliers morcelés aux craquelures devenues sa signature, sur toile ou bois brûlé.
Les craquelures dans ses oeuvres représentent la fragilité animale, tout en poussant l’observateur à (ré)agir pour que la vie animale ne s’effrite pas totalement.
Anagruz a reçu plusieurs Prix de peinture. Elle a participé à des expositions caritatives (France, Belgique, Royaume Uni) ainsi qu’à des ventes aux enchères au profit d’associations de défense des espèces menacées. Elle a récemment rencontré Paul Watson et donne régulièrement à des conférences pour parler du monde animal.
Sébastien Allart, artiste peintre installé à Aix-en-Provence, développe un langage graphique singulier où le trait spontané devient émotion. Au stylo, marqueur acrylique, il capte la fragilité de l’instant et révèle des visages intenses, entre ombre et lumière, chaos et harmonie. Son travail, salué par La Provence, fait émerger l’âme par le contraste et la superposition des lignes. Présent sur de nombreux salons internationaux et exposé en France et à l’étranger, il séduit par un univers puissant, sensible et profondément humain.
Pamela Araújo, née à Brasília en 1988, est diplômée en architecture et urbanisme (2014), puis poursuit une spécialisation en urbanisme à l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Montpellier (ENSAM) en 2017. En 2021, elle suit un cours de recherche picturale au sein d’École d’art visuel à Rio de Janeiro, Brésil. Après plusieurs années de pratique et de recherche dans le champ de l’urbanisme, elle décide en 2022 de se consacrer pleinement à une pratique artistique professionnel. Depuis, elle développe une recherche plastique accompagnée par des curateurs et des professionnels de l’art, au Brésil comme en France.
« Je m’appelle Auguste Cavalar (Aujuste Le Juste), j’ai 31 ans et j’habite Montpellier. Je pratique principalement le dessin et la peinture. Je cherche souvent à créer des images fortes, capables d’évoquer des idées ou émotions sans recourir au texte. Dans mes illustrations, j’explore les textures, les couleurs ou encore la lumière. J’aime aussi que mes créations soient ancrées dans un contexte, une situation sociale ou politique. J’essaie d’expérimenter différentes pratiques, supports ou outils. Je travaille le dessin sur papier, la peinture sur toile ou des fresques sur des murs réalisés à l’aérosol. Mes inspirations principales sont issues des cultures Hip Hop. »
« Je peins avec mon souffle, mon corps, mes émotions – un geste libre qui cherche la résonance entre force et fragilité. Mes couleurs vibrent, mes courbes s’élancent, et l’énergie brute se transforme en une expérience sensible et intime. Je peins l’instant présent et pourtant déjà passé, fragile et intense, cueilli dans le mouvement. Chaque toile devient une résonance, une vibration où la force et la délicatesse se rencontrent. Dans mes toiles, les courbes se mêlent aux contrastes, les couleurs vibrantes dialoguent avec les vides et les pleins, à la manière du concept japonais ma, où chaque espace respire et trouve son équilibre. »
Né en Guinée, Bella Bah arrive en France à 15 ans avec une passion : l’art. Il suit une formation au lycée Frédéric Mistral à Nîmes, où il obtient un CAP Sérigraphie en alternance dans la grande maison d’edition ANAGRAPHIS puis un diplôme de BMA. Grâce à son talent et sa persévérance, il se classe parmi les meilleurs apprentis du Gard. Mais pour lui, l’art est bien plus qu’une technique : c’est un moyen de raconter des histoires, d’exprimer ses émotions et de partager son regard sur le monde. Aujourd’hui installé entre Montpellier et Conakry, il a son atelier Montpellier et collabore avec des écoles, des associations et des villes, en France comme à l’étranger.
Claire Bonnet-Masimbert, tout en gardant un œil ouvert sur le monde, cherche dans ses toiles et ses sculptures des évasions et des sources de consolation. Elle peint, écrit et sculpte pour donner vie à ses émotions. Chaque œuvre devient ainsi une scène, une histoire où les êtres se déplacent dans des postures empruntées à la danse.
Lucile Callegari, peintre autodidacte, vit et travaille entre Bordeaux et Paris. Depuis 13 ans, la création s’impose à elle comme une évidence.
Son œuvre explore l’humain et ses multiples facettes esthétiques et émotionnelles. Rapide et instinctive, elle peint en un seul jet, laissant émerger des visages inspirés du quotidien. Ses portraits féminins, reflets de son propre univers intérieur, incarnent une image intemporelle et universelle.
En transformant le réel en mise en scène, elle invite le spectateur à projeter sa propre histoire. Représentée dans de nombreuses galeries en France, elle s’ouvre aujourd’hui à l’international.
Originaire de Marseille, July-Catzpunk, fusionne l’esthétique fanzine et la rigueur du Manga. Porté par ses personnages iconiques Fred, Bazorka & Sky, son univers mêle culture underground et précision graphique (aplats saturés, trait incisif).
Après avoir confronté son art à Tokyo et Miami, elle a offert son trait à Solid’Art Paris 2026. Soutenue par Olivier de We Art 51, elle a séduit par son identité singulière des personnalités comme Lorem, parrain de l’édition parisienne, ou encore Louis d’Anagraphis. Pour Montpellier, elle propose une nouvelle performance live au profit des enfants, véritable transcription visuelle de son identité et de ses influences.
Artiste peintre basée à Montpellier, Audrey Chiono développe une peinture figurative contemporaine inspirée par les cultures urbaines, le mouvement et les objets du quotidien.
À travers des cadrages resserrés et une palette lumineuse, ses toiles isolent des fragments du réel pour en révéler l’énergie et la dimension graphique.
Après plusieurs années consacrées à la création de fresques murales sous l’identité Atelier Galice, elle développe aujourd’hui en parallèle un travail sur toile explorant la poésie des gestes et des instants ordinaires.
« L’aquarelle est bien sûr mon médium privilégié et cela sous ses diverses formes traditionnelles, mouillé sur mouillé, mouillé sur sec, etc…mais à la base il y a toujours une exigence de dessin qui selon moi doit être le plus rigoureux possible, que ce soit en aquarelle ou pour le dessin de rue, dans ce cas les outils peuvent être très variés: crayon, feutre, plume, etc…
La Recherche d’un cadrage en relation avec le sujet choisi est aussi essentiel, ainsi la thématique des étangs induit un format très horizontal, ce qui sera différent pour les aquarelles urbaines.
Enfin la recherche de contrastes assez marqués est aussi un souci permanent. »
Claks a manifesté dès son jeune âge une forte attirance pour le dessin et la peinture au spray. Il a appris en pratiquant, initié par les plus anciens, en France et ailleurs. Rapidement, des propositions d’expositions et de festivals d’art urbain se sont présentées. Remarqué pour ses œuvres dans les rues de Paris pendant ses études à l’École des Gobelins, il a collaboré avec des sociétés de production télévisuelles et cinématographiques. Sa créativité l’a conduit à créer son propre projet, Éclat©, qu’il développe depuis 2021. Il initie également des jeunes à l’art en intervenant dans des classes à projet artistique.
C’est dans son atelier au cœur des montagnes en SAVOIE, que l’artiste Valentin CAVALLI décide d’incarner l’éveil de l’enfant intérieur en créant une peluche sur toile qui deviendra iconique : MR LEMDI est né !
Reconnu pour sa colorimétrie détonante, Valentin s’engage à surprendre son public avec des créations vibrantes d’énergie ! Continuellement en quête de nouveautés, il explore les différents territoires artistiques pour créer des pièces uniques de son personnage MR LEMDI.
Son berceau, SETE. Son pseudonyme, CLÔDIUS. Son nom, COMBAS.
C’est à l’aube de ses 60 ans qu’il a nourri, à l’instar de ses illustres frères, le dessein de devenir artiste, et a décidé de franchir le pas et de se lancer dans le monde de l’art. L’art naïf, ou l’art indiscipliné, devient la marque de fabrique de l’unique Claude Combas. Clodius rend hommage à travers ses toiles qui provoquent l’étonnement, qui sentent l’innocence, qui invitent au dépaysement et qui suscitent l’imaginaire, à l’art naïf et à sa majestueuse ville de Sète.
« Artiste contemporain français, je développe une peinture figurative narrative où l’imaginaire populaire se confronte à une tension plus ambiguë. Mon travail détourne les codes visuels familiers – enfance, icônes, symboles – pour en révéler la charge critique et émotionnelle.
À travers des techniques mixtes sur toile de lin, je construis des compositions puissantes, colorées, immédiatement lisibles, mais traversées par une lecture plus profonde. Mon approche mêle culture pop, contraste psychologique et mise en scène frontale.
J’expose régulièrement en salons d’art contemporain en France, où mes œuvres trouvent un public sensible à cette dualité entre séduction visuelle et second degré. »
Le travail de Damien DEMAITER est un échange permanent et laborieux entre la matière qu’il utilise et son état d’être, ses émotions, ses vibrations. Continuellement en connexion avec ce qui l’entoure, il n’a de cesse d’explorer et d’expérimenter l’expression de son ressenti. Un bouillonnement de vie qui l’ouvre à des techniques variées, orchestrées, mises en mouvement, en graphisme. Des associations parfois frénétiques, parfois subtiles, des jeux de recouvrements et de découvertes, des transparences, des révélations, des samplings de motifs et de symboles, des rythmes, des entrelacs de contrastes, une poésie picturale.
Auteur et interprète de chansons durant une dizaine d’années,
Thibaut Derien a dorénavant troqué les mots contre l’image, et la
musique contre le silence.
Auteur-photographe depuis 2013, sa première série « J’habite une
ville fantôme » a été exposée dans des festivals (prix SFR Jeunes
Talents Paris Photo, prix du public des Boutographies, prix des
professionnels à Rendez-vous Images..) et en galerie (Little Big
Galerie à Paris et Arles, Galerie du curé à Luxembourg, Pulvertum à Francfort, Systema Gallery à Osaka…) et a été publiée aux éditions
du petit oiseau en 2016.
Sa deuxième série, « Angèle et le nouveau monde » a aussi fait
l’objet d’un livre paru chez le même éditeur en 2018, et a été
exposée notamment à Little Big Galerie à Paris et Arles, à la
Galerie Maupetit à Marseille, aux Rencontres de la photo de Chabeuil, aux Rencontres photographiques d’Arlon en Belgique et
aux Confrontations Photo de Gex.
Sa série « Où mes pas me mènent », est éditée en décembre 2020
sous forme de livre d’artiste, et est exposée depuis en galerie
(Little Big Galerie à Arles, Tryptique Galerie aux Sables D’Olonne…)
et sur des salons d’art contemporain.
Thibaut Derien travaille actuellement à une nouvelle série
photographique, « Dire au revoir à la ville », et à un tome 2 de sa
ville fantôme dont il présente ici les premières photographies.
Les oeuvres sont constituées de résine époxy, de pigments et de sable. Elles représentent des vues aériennes de lagons océaniques où des vagues viennent s’échouer sur la plage.
4 couches de résines Epoxy permettent de restituer les variations de profondeur des récifs et la transparence des fonds marins. Les vagues ont un effet mousseux détaillé grâce à une technique particulière appliquée à la résine, qui donne une impression de mouvement et de réalisme.
Les oeuvres évoquent le calme, l’évasion et la sérénité. Les teintes bleues sont apaisantes et les vagues sur le sable créent une sensation de légèreté et de détente.
Formée en école de couture puis aux Beaux-Arts, j’ai été styliste-couturière dix ans, développant un sens aigu de la composition et des couleurs. En 2018, je m’oriente vers la décoration d’intérieur et crée MDD Décoration, dédiée à la peinture murale et sur vitrines. J’explore le pouvoir du dessin pour transformer les espaces. En parallèle, je réalise la série « Les mots bleus », peintures sur papiers peints anciens, dans une démarche de frugalité et d’écologique : transformer plutôt que remplacer. Mon travail unit art et décoration au service de l’harmonie.
« Je suis une artiste peintre basé à côté de Pau. Mon art qualifié de « HAPPY ART » par mes pairs et mes fans. Ancien géomètre de profession, je vis depuis plus de 15 ans de mon art. En tant qu’artiste, mon objectif est de produire un sourire sur le visage de gens. Dans un monde sans cesse bousculé par les mauvaises nouvelles, il est important de donner à voir le beau et le positif qu’il contient. Je produis de l’art majoritairement figuratif, dans lequel je met en scène mon avatar Toto ; lui faisant vivre des aventures inspirées de ma vie et celle des gens qui m’entourent. »
« Artiste verrier depuis 20 ans, j’habite et travaille à Villeneuve les Maguelone (34). Formé aux techniques du fusing et thermoformage du verre au CERFAV à Vannes le Chatel. Mes créations se situent aux frontières de l’artisanat et de l’art contemporain. Pour moi le verre n’est pas que matière, il est aussi outil. Mes créations intègrent le verre, le béton et l’acier. J’aime apprivoiser les propriétés du verre et j’en joue afin de réaliser une pièce unique. Mes créations consistent à transformer l’invisible en visible en apportant couleurs et lumières. »
Fonk est un artiste basé à Montpellier. Son travail explore le mouvement, l’énergie et le jeu des formes et couleurs. Il aime explorer l’instant, laisser la matière s’exprimer et voir comment les contrastes et les superpositions donnent vie à une composition.
Dans ses œuvres, on retrouve un mélange d’équilibre et de spontanéité : des formes géométriques qui côtoient des éclaboussures, des traits précis qui se mêlent au hasard du geste. Fonk travaille avec différents médiums comme la peinture, l’encre et le pastel, en laissant une grande place à l’expérimentation.
Son approche instinctive et expérimentale donne naissance à des œuvres où le hasard et la maîtrise s’entrelacent.
Lison Gangloff réalise des rosaces composées de ses papillons en papier, qui sont des reproductions taille réelle. Elle nous montre que la nature est sublime, que l’on peut l’admirer tout en la protégeant. Ses œuvres sont imprégnées de symboles. D’effets d’optique hypnotisants et captivants. C’est une quête du beau et de la perfection. Le regard circule et offre une contemplation apaisante. L’étonnement vient lorsque l’on comprend que des papillons constituent l’œuvre. Puis l’émerveillement, quand on découvre qu’ils sont en papier, et que ces beautés existent sur notre planète.
Architecte de formation, Grégory Valentin, est un amoureux des livres, des lignes et de l’Art. Il intègre dans ses tableaux l’intégrale d’œuvres littéraires en jouant avec les espaces, les polices, les lettres pour en restituer une émotion intense et une esthétique parfaite. Grégory Valentin présente un minutieux travail de composition où il va discipliner, contenir et mettre en forme des textes pour recréer l’intégralité d’un livre sous forme artistique. La finalité de son travail présente à la fois une œuvre abstraite reposante et esthétique tout en donnant vie aux œuvres littéraires desquels il s’inspire.
GRIPE, artiste issu du graffiti et toujours actif sur les murs, développe aujourd’hui un travail mêlant énergie urbaine et réalisme. Ses œuvres fusionnent graffiti, portrait et fragments de murs, témoins du temps et des couches successives de peinture. Par le contraste entre brut et finesse, couleur et matière, GRIPE cherche à capturer l’essence de la rue ,sa mémoire, son mouvement et son authenticité.
« Artiste peintre plasticien depuis une vingtaine d’années, je réalise des sculptures en bois principalement en formes de glaces, biscuits, tablettes de chocolat, etc… peintes à la bombe avec une technique de graffitis dans un courant artistique « pop street ».
A travers ces œuvres j’offre la possibilités aux personnes de plonger dans un univers pop et coloré rappelant l’enfance et l’insouciance. Je me réapproprie le graffiti d’une manière douce et apaisée (purement graphique). »
Issu du mouvement Graffiti, c’est au début des années 90 que HONCK se fait connaître à Montpellier en tant qu’artiste urbain.
Un parcours authentique et haut en couleur, nourrit par sa passion pour la peinture et toutes les formes d’art.
Il réalise des fresques murales et des oeuvres sur toile.
Autodidacte, c’est le mélange de l’art du graffiti, de l’illustration, de la photo et du graphisme qui lui permet aujourd’hui de se distinguer en proposant un style technique qui lui est propre.
« Je suis un artiste créateur en mixed-media. Mon travail explore avec poésie les intersections délicates entre la mémoire, l’identité et le passage du temps. Ma technique signature consiste à peindre des portraits expressifs sur des pages de livres, des partitions musicales et de vieux documents historiques datant parfois de plus de 150 ans. Ces papiers anciens ont été touchés et marqués par d’innombrables mains au fil des siècles. Ainsi, mes œuvres ne renferment pas seulement mes émotions, mais aussi l’âme de ceux qui ont effleuré ces pages. Pour moi, l’art est une conversation à travers le temps ; je crée pour préserver l’éphémère et faire renaître l’oublié. »
« Artiste peintre issu du street art mon travail explore le passage à l’âge adulte et la perte inévitable de l’enfance. À travers des figures souvent
froides ou décharnées, je mets en tension un monde adulte pragmatique et désenchanté avec un monde intérieur marqué par l’innocence, la sensibilité et les rêves devenus lointains. Ma peinture interroge le malaise de
la condition humaine, la transmission de la violence et l’éloignement progressif de notre propre vulnérabilité. »
Artiste photographe pluridisciplinaire, David Law explore le regard, la présence et l’illusion dans l’espace urbain. Révélé par une série sur les mannequins de vitrine (livre d’art, 2021), il met ensuite en scène poupées de collection et figurines dans les rues européennes, leur conférant une présence troublante. Son travail interroge la projection, la perception et la frontière entre l’inerte et le vivant.
« Je peins des gens heureux dans l’eau, parce que c’est ma passion. Je peins à l’huile, à l’acrylique et j’utilise l’epoxy. »
« J’utilise pour mes sculptures des fils de fer patinés, pour retrouver l’apparence d’un trait de crayon ou de fusain. J’esquisse dans les airs la courbe d’un visage imaginaire, d’un cou ; je dessine un regard, un nez, une bouche. Je n’utilise qu’une pince comme outil, pour couper et plier le fil. Mon travail s’apparente à de la broderie dans l’espace et aboutit à un dessin en 3D.
Je laisse mes mains et mes émotions me guider, les pleins et les vides donnent peu à peu vie à un objet, une tête d’animal, un visage expressif… que les jeux de lumière animent. »
« Je me suis associée avec la nature pour donner vie à des œuvres uniques.
Fascinée par les arts premiers, qui puisent dans les matériaux naturels leur force expressive, j’ai moi aussi voulu créer en harmonie avec la nature.
Je cultive les gourdes lagénaria (coloquintes ou calebasses). La nature me fournit la forme ; j’en fais le support de mon art.
J’applique plusieurs couches de peinture pour obtenir des aplats parfaits. Puis, avec une plume et de l’encre, je rehausse certains espaces de fins dessins, donnant vie à chaque coloquinte. Pour parachever chaque pièce, je crée un pied-support en bio-plastique, que je modélise en 3D et que j’imprime. »
Artiste plasticienne Majéon pratique le dessin et la peinture autant dans son atelier qu’en milieu urbain. Ses créations d’inspiration graphique explorent sans frontière les époques au travers un univers végétal, à des éléments empruntés à l’art décoratif et à l’architecture urbaine. Ses oeuvres en noir et blanc se déploient à des échelles différentes et nous parlent d’héritage et de transmission. Cette colorimétrie nous rappelle celle de l’écrivain et ses créations rehaussées de dorée sont à leurs tours une narration subjective et le lieu de récits multiples. Majeon nous invite à voyager à travers des paysages hybrides.
« Peindre aux frontières de la réalité, là où elle prend des résonances poétiques, imprévisibles.
Arrêter, le temps d’un regard, le flux d’idées pour laisser la place au monde plus subtil et insaisissable des émotions.
Detecter et chasser les routines. Se retrouver là où on n’avais été, se placer face aux énigmes pour laisser agir l’intuition, notre seule arme créatrive face à l’inconnu.
Le tableau devient une surface sensible où l’on trace des signes pour tenter de transmettre une émotion. »
« Peintre depuis 1988, j’ai exploré la photographie, la sérigraphie, l’édition et depuis le nouveau siècle je peins à l’huile et aux pigments sur du papier japonais marouflé sur toile. Ma peinture est figurative mais peu narrative. Je peins par série « Mes voisines » – « Monde parfait » – « Méditerranée chérie » – « Tout pour la musique » … Mon travail se nourrit aussi de résidences d’artistes dans différents pays (Roumanie – Cuba – Java…). Je travaille actuellement au sein de l’atelier LePetitAlbert de Montpellier. »
Né en 1964 à Sète, Jean-Marie Gitard, connu sous le pseudonyme de Mr Strange, est un artiste plasticien qui a transformé son parcours artistique, passant de la peinture classique à l’art numérique. S’éloignant des normes traditionnelles, Mr Strange utilise le surréalisme comme un outil pour explorer et réfléchir sur le monde avec un ton oscillant entre poésie, ironie et critique sociale.
Le style de Mr Strange mêle art numérique, satire et touches de surréalisme. Par des manipulations photographiques sophistiquées, l’artiste crée des univers hybrides et polymorphes, jouant avec l’absurde et subvertissant l’imagerie familière.
« Je suis Nui Vagab, un artiste illustrateur/peintre/animateur2D Montpellierain. Mêlant références cinématographiques et expériences personnelles, j’explore les relations humaines et de l’addiction au travers du prisme de l’enfance – motif récurrent et fil conducteur de mes créations et mes personnages. »
Venu du milieu du graffiti, OUPS décline ses cox (cousines éloignées de la coccinelle qu’il peint sur les rochers peuplant les bords des routes) sur différents supports. Il peint également des villes colorées et chaleureuses, avec lesquelles il habille régulièrement des animaux sur toile, papier ou carton; une manière pour lui d’évoquer le rapport entre l’humain et la nature, de façon naïve et accessible.
L’œuvre de Pamelito est dominée par un personnage récurrent : un petit cactus aux yeux expressifs mais sans visage, initialement inspiré lors d’un voyage à La Réunion et dessiné pour un tatouage. Décliné en formes archétypales, chaque cactus arbore des regards variés (intenses, mystérieux, fuyants…) qui révèlent un état d’esprit unique. Disposés par accumulation, entassés ou superposés, ils forment des foules – jamais isolés . Réalisés à l’encre, acrylique, marqueur, aérosol sur papier, toile, medium ou kraft, ils peuplent aussi fresques murales et objets (casques, skateboards, chaises longues…) Chaque composition joue sur l’œil et l’accumulation, pour un univers graphique à la fois captivant et plein de nuances.
Peintre plasticien initié des cultures urbaines, Salamech forge son univers graphique au cœur de l’énergie citadine. Affiches déchirées, rideaux métalliques découpés, béton gravé, panneaux publicitaires détournés, il donne vie au concept de matière urbaine et ses œuvres son exposées à Paris, Barcelone, Bruxelles, ou encore Dubaï en 2013.
Son travail concentre les notions d’accumulation, de superposition et de saturation. Motifs abstraits, gestuelles dynamiques et couleurs rythment un langage pictural direct et universel.
Metteur en scène de son mouvement, l’artiste nous plonge dans un dialogue où signes et empreintes de la ville se mêlent à une poésie de l’instant.
« Artiste belge et passionné, je crée chaque jour car l’art m’est nécessaire. Les bombes sont mes outils de prédilection, elles m’offrent une liberté plus difficile à acquérir avec des outils classiques. Après des études en arts et aux beaux-arts, c’est en bousculant mes acquis que je trouve mon style et ne cesse de le faire évoluer. Créer un pont entre l’art abstrait et le graffiti est un peu mon fil rouge. Je crée spontanément, chaque trait entrainant le suivant. Je suis un artiste heureux. »
Les œuvres de Pomme de Boue sont colorées et géométriques, presque sans angles droits ni lignes parallèles. En d’autres termes, elles sont pleines de diagonales, de décalages, de fractures et d’asymétries. Collectif explore les possibilités et les dangers de la troisième dimension. Un espace dépourvu d’angles droits et de plans parallèles devient imprévisible, irrationnel, voire absurde. Dans ces œuvres, le spectateur est confronté à diverses illusions spatiales, la profondeur et le volume réels sont juxtaposés à des illusions de profondeur et de volume. Les mosaïques de Pomme de Boue sont liées à l’architecture contemporaine et à l’espace urbain en général.
« Je n’utilise plus le LEGO pour jouer, mais pour créer du sens et du lien. »
J’utilise exclusivement les LEGO, un médium universel et intergénérationnel, pour faire émerger des figures et objets iconiques issus de la pop culture. Des formes simples, immédiatement reconnaissables, qui agissent comme des madeleines de Proust et réveillent des souvenirs communs.
Le QR code, lui aussi en LEGO, prolonge chaque œuvre en ligne. Il ouvre un accès direct à des histoires inspirantes, des parcours et des valeurs humaines essentielles.
Ma démarche repose sur cet équilibre : une image, une mémoire, et un prolongement. Une façon de transmettre autrement, en reliant les générations. »
Julien Raynaud, né à Marseille en 1987, s’inspire de la lumière du Sud et de ses voyages pour créer une œuvre vibrante et humaine. Sa peinture, marquée par des formes géométriques et des couleurs intenses, cherche à transformer la dureté du monde en énergie positive. Il privilégie la douceur, l’harmonie et la lumière, tout en explorant les contrastes entre couleur et noir et blanc. Sublimant les moments simples du quotidien, il invite à porter un regard plus apaisé sur le monde. Son travail est exposé à l’international et reconnu pour son univers lumineux.
Romain Thiery, né à Bergerac en 1988, est un auteur photographe et pianiste amateur vivant et travaillant près de Montpellier, France.
Romain Thiery estime que le piano est profondément enraciné dans les profondeurs de notre culture, et a cherché́ à explorer l’instrument sous un angle original. Il s’est donné pour mission de combiner ses deux plus grandes passions et s’est mis à la recherche de bâtiments où de vieux pianos sont laissés à l’abandon. Depuis 2014, il a découvert plus de cent pianos à travers le monde, en autant de lieux à la foudroyante beauté́. Scènes dont il ne change jamais rien, laissant l’endroit tel quel. « Même au milieu d’un espace dégradé, le piano ne cesse de conserver sa puissance. Il est là, il trône de tout sa noblesse ».
« Déjà toute petite, j’adorais mes stylos et mes feutres. Je n’aime pas vraiment les jeux d’enfants. Moi ce que je veux, c’est dessiner. À 16 ans, je saisis l’opportunité de « croquer » des modèles vivants ». C’est exactement ce qu’il me faut, un modèle qui « bouge ». Pour moi, avec cette expérience, c’est le déclic. Ma confiance en bandoulière, je démarre une licence en Direction Artistique à l’ECV à Bordeaux, puis je décolle pour Londres. Je complète ma licence avec un Master en graphisme à la Kingston University. Mon premier monde professionnel : la mode londonienne. Un vrai délice où mes techniques de dessinatrice se construisent. Et une révélation : des monochromes tranchants et impactants. En 2018, je déménage près de Perpignan et je découvre une ville et des alentours pleins de vie et de nuances… les couleurs fortes et pétillantes deviennent petit à petit ma signature. »
« Photographe autodidacte montpelliérain né en 1979, je me définis comme un compositeur photographique. Photographe avant tout, car amoureux de la prise de vue, de la composition d’image et de la gestion de la lumière. Graphiste car manipulateur de l’outil numérique et de ses possibilités infinies de création. J’ai alors commencé à détourné numériquement mes photos principalement urbaines et à manipuler les éléments et les détails à l’aide de logiciels sans recours massif à l’Intelligence Artificielle. »
« L’envie de couvrir les murs est née avec l’émergence des printemps arabes. Cette renaissance est le point de départ à l’envie de m’exprimer artistiquement. La symbolique du cœur, universelle, naïve, poétique, contraste avec ce monde complexe. Je souhaite partager un art positif et humaniste, interpeler le spectateur et créer une proximité́ avec celui-ci. L’utilisation du pochoir avec des couleurs minimalistes me permettent d’exprimer une histoire qui se juxtapose au rouge vif du cœur. »
« J’ai commencé par le style géométrique “hardedge” avant d’explorer des techniques plus libres inspirées du street art. Mon travail se déploie en deux univers : œuvres urbaines (rigueur et chaos) et œuvres texturées (nature et architecture). Depuis 2023, je développe les collections “Instinct” et “Urban Mosaic”, aux couleurs vives et aux textures contrastées.
Ma démarche est intuitive et spontanée, guidée par l’émotion brute. J’interviens aussi dans l’espace urbain avec des messages poétiques et ludiques. »
Marion Vallerin, née à Toulouse, est diplômée d’architecture en 2010 à Paris après une licence à Montpellier et un Master 1 à l’Académie des beaux-arts de Copenhague. Elle s’installe en 2021 à Bayonne.
Depuis 2019, Marion Vallerin pratique la peinture à temps plein. Après avoir étudié plusieurs techniques dans différents ateliers durant ses jeunes années, c’est la découverte de la peinture sur soie qui dynamise sa pratique et l’invite à se professionnaliser.
Plusieurs années de peinture en atelier et l’utilisation de différents médiums,lui permettent d’explorer son rapport à la couleur et tissent dans le temps un lien fort à l’architecture et son rapport à l’occupation de l’espace.
Warren Podguszer (Wawapod) à débuté son parcours artistique en 2014 avec la photo de rue. Il compose d’abord à partir d’images et de photos sur support digital, avant de rapidement projeter ses idées sur toiles.
Son univers est un tourbillon de couleurs et de joie qui joue avec les icônes de la Pop-Culture et mélange les courants. Wawapod aime rassembler, mixer les références entre elles, obtenir quelque chose de nouveau à partir d’éléments existants et très populaires.
Son désir est de nous faire voyager à travers l’histoire de l’art tout en nous invitant à plonger dans ses souvenirs d’enfance. Wawapod met en lumière, réinterprète, parodie et rend à la fois hommage à d’immenses artistes tels que Haring, Basquiat et Banksy mais aussi Magritte, De Vinci et Matisse, s’il ne fallait citer qu’eux.
Sa plus récente série se dirige vers un travail sur les courbes, cercles et lignes qui laissent entrevoir des visages et silhouettes d’oeuvres d’artistes actuels aussi bien que de tableaux anciens. Il surprend l’oeil en imbriquant ces images les unes avec les autres.
Originaire du Nord de la France elle à étudié les Industries Graphiques et la Photographie à Lille. Son travail récent est porté par la découverte d’une technique ancienne : l’encaustique. Ce mélange de cire d’abeille et de résine naturelle a donné une dimension nouvelle à ses photographies en fusionnant les techniques. Aquarelle, collages, photographies… se fondent dans l’encaustique pour révéler des oeuvres à la limite de l’abstraction. Bien qu’il y ait un attachement au réel via la photographie, le résultat est décalé, subjectif, comme un rêve qu’on essaie de rattraper ou vos souvenirs qui s’effacent
Par sa formation artistique en cours et ateliers dans différentes régions de France, notamment à Compiègne, Saint-Étienne et enfin à Montpellier où il s’installe en 2003, Laurent Martin privilégie la peinture à l’huile, au couteau ; il y traduit des sentiments, des ressentis, des tranches de vies, dans des ambiances de chaleur, douceur, ou de tensions fugitives ou permanentes.
Niko Inko est un artiste pluridisciplinaire et autodidacte basé à Argelès-sur-Mer.
Peintre, illustrateur, street artist et artiste tatoueur, ses œuvres jouent avec les alternatives graphiques et les médiums.
Intime et introspectif, son travail plonge entre rêve et fantasme. Inspiré à la fois par l’art sacré et l’art brut, les grand maîtres et l’art naïf, ses œuvres oscillent elles aussi entre monde intérieur et questionnement sur le réel. Il aborde les thèmes récurrents de la non-dualité et de l’invisible en jouant souvent l’incongruité comme fil directeur.
Artiste volontairement multiple, il trouve son inspiration dans l’entre deux mondes à la recherche de sens.
Sarah Tassier est une Artiste peintre, reconnue pour sa vision singulière et sa sensibilité profonde. Depuis plusieurs années, elle s’impose sur la scène artistique contemporaine grâce à des œuvres qui explorent avec justesse et émotion la vie, la résilience, l’espoir, la lumière et la musique.
Son univers, marqué par des techniques novatrices et une palette vibrante, séduit un public international. Ses créations ont été présentées dans des galeries et foires d’art prestigieuses à travers le monde, attirant l’attention des amateurs, critiques et collectionneurs.
Nasty est l’une des figures majeures de l’art urbain contemporain.
Actif sur la scène artistique depuis 1992, son travail est exposé aussi bien en France qu’à l’international. Défenseur engagé du graffiti et de l’écriture, il s’est imposé comme une référence incontournable, notamment à travers ses interventions emblématiques sur les plaques de métro, les plans et les supports en céramique de la RATP, devenus de véritables signatures de son œuvre.
Inspirée par le monde vivant, Clara crée des paysages poétiques dont les formes enveloppantes appellent à une forme de quiétude et invitent à la contemplation.
De la peinture murale au dessin, de l’installation à la microsculpture, son approche se veut ouverte et multisupport. Attachée à proposer une expression à l’énergie qui fourmille secrètement derrière les apparences, elle déploie un vocabulaire plastique entre réalisme et onirisme. Cette représentation d’avantages évocatrice que figurative, peint un monde dont les frontières entre le réel et l’imaginaire sont poreuses. Un jeu de représentations plastiques et poétiques qui rend hommage au vivant et appelle au réenchantement.
Né en 1986 dans le nord de la France, Wayne Danza est un artiste illustrateur diplômé en design graphique. Son outil ? Le stylo Bic bleu.
Avec cet objet si quotidien et conventionnel il reproduit de manière très réaliste des photos de stars, de personnages de cinéma, souvent les plus sombres et les plus torturés. Entouré de VHS depuis la plus tendre enfance, le jeune Julien avant de devenir artiste, à baigner dans la culture cinématographique. Ces moments partagés avec son père, à visionner les classiques du grand écran, ont marqués et sont ancrés dans l’artiste au point de toujours transparaître et inspirer son œuvre.
« Entre art et document, l’esthétique de mes photographies est épurée et intemporelle. Mes différentes séries traitent de la place que nous accordons au(x) vivant(s). Photographier, c’est ma manière d’être au monde. C’est ressentir et raconter en image. Photographier, c’est être ici et maintenant. Lentement et dans un silence intérieur. C’est une véritable introspection. C’est prendre le temps de renouer avec la poésie de l’existence et retrouver ma verticalité et mon équilibre. Photographier, c’est aussi garder une trace. Chercher la forme plastique, la matière et le format de l’image finale. Photographier, c’est présenter et exposer mon regard. C’est partager. »
« Je suis artiste peintre basée à Montpellier. À travers l’acrylique et les techniques mixtes, j’explore la matière, les transparences et les couleurs dans l’abstraction. Inspirée par les jeux de lumières, le ciel, la mer, le mouvement est souvent au cœur de mes recherches. J’expose actuellement à la médiathèque du Crès avec « Éclats poétiques » et développe également des projets sur mesure et des fresques murales. »
Originaire de Paris, l’artiste est né à la fin des années 80 et commence très jeune à peindre. Sous l’impulsion de son entourage, il stimule son intérêt pour le dessin, la peinture, le graffiti et autres travaux de matières, avec en paralléle une affinité particulière pour la bande dessinée.
C’est par la suite, avec le graffiti et le tag qu’il va décider de s’exprimer, l’aérosol devient donc un outil de prédilection. Sa technique se perfectionne et s’ouvre à différents outils et supports offrant une évolution et d’autres perspectives à sa création. Dans ces créations on retrouve donc des personnages de ces premières influences BD, comics, et illustrations en tout genre.
Il est également membre du collectif Le Cercle des Artistes.