Catalogue 2024
Solid'art Paris
2/3/4/5 mai 2024
Le Carreau du TEmple
110 artistes mobilisés
pour le Secours populaire
Parrain 2024
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Artiste français d’origine vietnamienne né en 1972, Hom Nguyen travaille sur la représentation de la figure humaine. Il est exposé dans de multiples expositions personnelles et collectives, en France, à l’international et dans de prestigieuses institutions parisiennes comme le Palais de Tokyo, la Monnaie de Paris et le Musée de L’Homme. En 2021, il a été décoré de la médaille de chevalier de l’Ordre national du Mérite.
ATELIERS & PERFORMANCES
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Père de l’« Homme en blanc », il est l’un des premiers peintres de rue parisiens. Ses œuvres participent du courant artistique communément appelé « art urbain » (street art) ou « graffiti ».
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Stesi156, graffeur depuis 1997, autodidacte passionné de calligraphie s’inspire du graffiti new-yorkais et d’artistes comme Jackson Pollock et Hans Ruedi Giger, créant des œuvres abstraites et organiques avec aérosol et pastel à l’huile.
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Artiste belge et passionné, je crée chaque jour car l’art m’est nécessaire. Les bombes sont mes outils de prédilection, elles m’offrent une liberté plus difficile à acquérir avec des outils classiques. Après des études en arts et aux beaux-arts, c’est en bousculant mes acquis que je trouve mon style et ne cesse de le faire évoluer. Créer un pont entre l’art abstrait et le graffiti est un peu mon fil rouge. Je crée spontanément, chaque trait entrainant le suivant. Je suis un artiste heureux.
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Ma démarche artistique s’inspire de l’improvisation, guidée par l’ambiance, la musique et le cadre pour laisser libre cours à mon imaginaire. Je revendique ma liberté à travers une création minutieuse, défendant un art accessible à tous, où des personnages chaleureux évoluent dans un monde complexe. Cette pratique agit comme une thérapie, explorant nos rêves et angoisses sur une toile infinie, invitant chacun à les identifier et les accompagner.
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Dessinateur méticuleux, peintre graffomane, artiste de rue et muraliste expérimenté. Illustrateur zélé, scénographe, performeur. Quentin CHAUDAT explore de nouvelles façons de créer des œuvres dans l’espace public dans un dialogue entre l’art populaire qui l’a vu naître et l’art savant qui l’a fait grandir.
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Tom Geleb et Ster s’associent pour vous partager leur univers à 4 mains. Le partage, et tout particulièrement celui de l’amour est le leitmotiv du duo. Des lignes colorées de Ster à celles en noir et blanc en plein et délié de Geleb attirent votre attention.
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L’artiste Tommy Knuts invitera les visiteur du salon à réaliser ensemble une fresque type « coloriage numéro d’Art ». Il aura au préalable, dessiné les tracés sur une grande toile tendue. Chaque zone à colorier sera marquée d’un numéro. Des pots de peinture numérotés de chaque couleur seront disponibles. Une fois finalisée, la toile sera offerte au Secours Populaire.
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Depuis plus de 40 ans, Anagraphis est soucieuse de partager ses productions artistiques avec le public.
Les maitres sérigraphes seront présents sur le salon pour initier petits et grands à cette technique millénaire.
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cssJPG Jenfi est un artiste participatif urbain & contemporain qui questionne notre relation à l’environnement naturel, urbain, social, digital, intime
Au salon Solid’Art, les visiteurs seront invités à créer leur propre œuvre d’art sur des mini-structures cubiques appelées « babyqube ».
Acaci’Art anime des ateliers graffiti in situ et ex situ. Nos initiations sont accessibles à tous les publics et à toutes les tranches d’âges. Nous accompagnons les apprentis-artistes de la conception et à la réalisation de leurs œuvres. Nous travaillons avec les particuliers, les entreprises, les écoles (Adage & Pass Culture), les associations et les fondations.
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L’Atelier Kencre est un atelier artisanal de sérigraphie créé à Lille en 2017, spécialisé dans l’impression sur papier.
Artistes présentés : Nasty ; Mister P ; Kelu Abstract ; Claire Fanjul ; Vincent LELIEVRE ; Thomas Berthier, …
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Laissez votre empreinte en participant à l’atelier « Figures de style » Partagez ensemble un moment artistique coopératif. Exprimez-vous, racontez-vous en peinture, en collage, en mots. L’atelier, proposé en continu pendant 2h le samedi et dimanche, est conçu et mené par la Maison Elsa Triolet-Aragon.
Les éditions présentées : Rancillac, Stampfli, Monory, Télémaque, Monfleur, C215, Jef Aérosol, Hopare …etc
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Inside Out, projet d’art participatif de JR, diffuse des portraits dans la rue pour transmettre des messages et favoriser le dialogue entre communautés. Plus de 560 000 personnes de 152 pays ont participé en 13 ans. Le Secours Pop Paris met en avant ses bénévoles en affichant leurs portraits lors du Salon solidaire d’art contemporain « Solid’Art » au Carreau du Temple.
GalerieS & éditeurS
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La Galerie Brugier-Rigail possède une ligne artistique à la fois urbaine et contemporaine :
ARTISTE-OUVRIER / C215 / Charlélie COUTURE / CRASH / Guy DENNING / JonOne / Kosta KULUNDZIC / L’ATLAS / MAD C / M. CHAT / Jérôme MESNAGER / MISS TIC / MONKEYBIRD / NASTY / LEVALET / TANC / Fabien VERSCHAERE / Nick WALKER / DAN WITZ …
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La revue « Art Absolument », fondée en 2002, est une publication majeure dans le domaine des arts plastiques. En plus de sa publication, elle édite des monographies d’artistes contemporains et a ouvert l’Espace Art Absolument à Paris en 2017, offrant un lieu d’exposition et de dialogue entre les artistes et le public.
La galerie « Art Absolument » exposera pour Solid’Art l’aquarelliste Degann et le peintre Tom Sam.
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Initial LABO plateforme créative dédiée à la photo, présentera pour Solid’Art le photographe David Monceau.
David Monceau capte des moments spontanés avec une préférence pour le noir et blanc, ses influences vont de Vivian Maier à Bruce Gilden, en passant par la photographie japonaise. Son approche se caractérise par un style brut qui met l’accent sur le cadrage, les angles de vue, et une qualité cinématographique qui accorde une importance significative à la scène et à l’arrière-plan dans ses compositions.
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À mi-chemin entre une galerie d’art et une boutique de décoration d’intérieur, ils ont décidé de vous offrir une véritable expérience artistique immersive. Photographies, illustrations street art, pop culture, sport… FFRAME noue des partenariats avec des artistes français pour proposer des tableaux uniques et de qualité.
Les artistes présentés pour Solid’Art : Jérôme Deguines, Dr Speed et Amélie Béral
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Solidaires … yes we are ! We Art 51 est un concept innovant qui révolutionne l’accessibilité à une œuvre originale d’un artiste contemporain. Comment ? – En la déclinant en sérigraphie à 50 exemplaires, tous numérotés et signés de la main de l’artiste. Chaque achat d’une sérigraphie permettra de gagner des sérigraphies rehaussées à la main par les artistes. Et vous qui êtes à la recherche d’une pièce unique … que diriez-vous de vous offrir un billet unique, customisé par des artistes venant des 4 coins de la France… les dollartistiques fleuriront sur le stand We Art 51
Artistes présentés : Cren, Thomas Van Hecke, DrColors x Wedes, 22h22, Kabrit, Jean-Jacques Tachdjian, Kylab, Amose, Chloé Besnard, Quentin DMR, Ërell, IPNS, Varoc, Ouroboros, Régis Lelièvre, Laurence Pigeyre, Lou Ducatillon et Alexandre Wirth.
Liste des dollartistiques : Chanoir, Jo Di Bona, Izak Zenou, Geneviève Gauckler, Bishop Parigo, Colonel Moutarde, Loïc Lusnia, Raf Urban, Otom, Licea, Remi Cierco, Djiango, Mr Popart, Cofee, Geleb, Kent Kayne, Ster, Chris Puddy, Le CyKlop, Laurent Badier, Monkiz, Tank & Popek … et bien d’autres encore.
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VANGART, une maison d’édition en broderie basée à Lyon, qui repousse les limites de l’art contemporain grâce à son savoir-faire textile et à ses collaborations avec des artistes de renom. Chez VANGART, tout est confectionné avec soin et précision, dans le respect de la tradition artisanale lyonnaise.
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Jules Dedet Granel (1978), dit L’Atlas, débute le graffiti dans les années 1990. Fasciné par le travail du trait et de l’écriture, il étudie la calligraphie arabe traditionnelle. Il s’intéresse tout particulièrement au koufi, écriture géométrique qu’il transpose à l’alphabet latin, créant ainsi sa propre typographie, et développant un univers pictural en noir et blanc où toute lettre est considérée comme une forme, et toute forme comme une lettre. Poursuivant ses recherches il développe aussi un travail de tracé urbain au scotch représentant d’immenses boussoles au sol. A Paris son travail a été pérennisé sur un mur pignon rue de Ménilmontant
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Lézarts Urbains présentera pour Solid’Art Paris le travail de l’artiste JonOne !
Né en 1963 à New York aux Etats-Unis, John Andrew Perello dit JonOne vit et travaille à Paris. Artiste autodidacte, il commence à peindre sur toile en 1985 et expose dans le monde entier (Tokyo, Monaco, Paris, Marseille, Genève, New York, Hong Kong, Bruxelles, Los Angeles, Rome, Milan, Abidjan, Dakar, Pékin, Miami…).
JonOne réalise des œuvres abstraites influencées par le mouvement, la couleur, l’énergie. Il se décrit comme un “peintre graffiti expressionniste abstrait”.
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Juliette Agabra est une collagiste atypique, qui ne découpe pas des images entières mais les déconstruit pour créer sa propre palette de couleurs, formes et textures. Elle crée ensuite des univers complexes, profonds et animés. Regarder ses tableaux, c’est entrer dans un autre monde, hors de l’espace et du temps. Utilisant une technique d’une grande exigence, elle offre une œuvre protéiforme, réinventant le sens premier de ce qu’elle réutilise, dans une démarche poétique et transfigurative.
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Dans son travail, Marie mêle la géométrie à une certaine forme de poésie en créant des histoires sur l’invisible ou
l’éphémère. « La nature, et ce qui nous entoure en général, nous offre un fabuleux spectacle abstrait, vivant et en mouvement. J’y vois des formes, des lignes, des courbes, des ombres, des liens, des échanges et toute cela m’inspire de belles histoires que je me plais à retranscrire sur la toile. ».
Dans son travail récent sur toile, Marie a délaissé les lignes strictes faites au scotch au profit de formes simples, arrondies et apaisantes tracées à la main. Un retour à plus de minimalisme qu’elle complexifie toutefois avec un fond « mosaïque » créé avec des bandes de lin entrelacées et dont la texture tout à fait singulière se rapproche de celle du velours.
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Claire Bonnet-Masimbert peint ou sculpte des contours évoquant les êtres sensibles que nous sommes. Le corps, dépouillé de ses particularités se fait originel et devient
réceptacle. Artiste Plasticienne, CBM garde toujours un œil ouvert sur ses chemins de liberté. Le corps et ses mouvements sont autant de chemins d’explorations. Improviser sur la toile sans ne rien effacer ni reprendre de ses pensées, c’est garder un œil ouvert sur les préoccupations de nos mondes.
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Mon style peut être qualifié de « pictural et éminemment contemporain ». Il puise ses inspirations dans diverses
techniques, empruntant à des artistes tels que Simon Hantaï, Albert Oehlen pour la facture expressionniste, le geste surréaliste, et les images créées par des dessins à l’encre de Chine accompagnés de pliages. Certains décrivent mes œuvres comme étant « post-non-figuratives ». Ma pratique artistique s’étend de la peinture aux pliages, des tableaux réalisés sur châssis aux multiples toiles pliées à l’encre de Chine, et même aux tapis ornés de dessins.
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Thomas Berthier est un artiste sérigraphe né en 1980 dans le nord de la France. For- mé aux arts-décoratif de Strasbourg option «communication graphique», et titulaire d’un DNSEP, il trouve dans la sérigraphie le parfait outil pour exprimer et libérer son énergie créative.
Après plus de 15 ans en tant qu’indépendant dans la création graphique et visuelle, il crée en 2018 son atelier de sérigraphie artisanale. Son univers est un bouillonnant mélange de graphisme, d’illustration, de détournement d’images et d’impressions sur différents supports qui lui permet de coucher sur papier un monde original, spon- tané et poétique.
Le projet de l’Atelier Kencre est basé sur le principe d’un espace d’artisanat, où son savoir-faire technique et graphique est au service des amateurs. Un lieu de partage de connaissance propice à la créativité et à l’épanouissement artistique.
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Chloé a commencé comme photographe en 2013, rapidement elle expérimente d’autres techniques que la photographie pour s’exprimer. Chloé est un témoin réactif de la société actuelle, profondément respectueuse de l’égalité entre les sexes et surtout des êtres humains. Son travail met en exergue l’ambivalence des rapports humains, le respect, l’acceptation de soi, la beauté du corps humain et la liberté de l’identité sexuelle. Elle élargit, approfondit et montre son engagement envers les libertés en utilisant une grande diversité de technologies et de techniques : impression numérique, vidéo, photographie, dessins à l’encre, peinture, tissus.
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Graphiste de formation, il se consacre à la peinture à plein temps depuis 2010.
Amoureux des éléments et des matières, il les sollicite pour une vision personnelle du «paysage»: Carottages géologiques, contrées accueillantes, ou inhospitalières, cieux vaporeux qui illuminent des coulées de lave, des rivières d’encre et des océans
de bitume.
L’artiste invite ainsi le spectateur à se laisser porter vers la rêverie et l’évasion.
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C’est à vélo et appareil au cou que l’on croise Pierre Bonard, prêt à saisir un geste, un regard, une démarche qui transformera l’anecdote en poème visuel. De Paris à
Pondichéry, d’Islande au Vietnam, il quête le photogénique qui fera d’un lieu un mystère, d’une atmosphère, un flou onirique.
« Mes photographie s’adressent à tous » dit-il. Depuis dix ans qu’il pratique son art, il a su nous offrir une photographie de qualité au regard juste indépendant et sensible.
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S’il fallait reconstituer la mosaïque CREY 132 sur une toile, elle serait obligatoirement riche en couleurs. Celles puissantes et expressives des comics, celles tranchantes qui remplissent les lettres volumineuses des fresques, celles utilisées pour poser un tag en un éclair.
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Au commencement, une feuille, un stylo et je trace directement sans construction préalable, avec seulement une idée de départ. Progressivement un univers nait, évolue et se transforme continuellement en fonction du ressenti présent. Mon affection pour les gargouilles et la mythologie, le plaisir des dégradés, l’amour de la beauté des lignes, des courbes et des formes qui se métamorphosent sont tellement liés à ma façon de ressentir les choses que si je dessine un animal, il
ne peut que devenir l’extension de ma réalité. Le monde réel devient univers imaginaire. Je transforme
la réalité afin de révéler ma façon de percevoir le monde où tout s’entremêle et fusionne.
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Dessinateur méticuleux, peintre graffomane, artiste de rue et muraliste expérimenté. Illustrateur zélé, scénographe, performeur. Extrêmement prolifique, il avance en l’équilibre entre la rue et l’atelier, explorant de nouvelles
façons de créer des œuvres dans l’espace public dans un dialogue entre l’art populaire qui l’a vu naître et l’art savant qui l’a fait grandir. Avant d’être un couteau suisse super créatif il a été Technicien et régisseur de musée scientifique et galerie d’art, chef de chantier, perceur de coffre, vannier, mythomane et brancardier. Le genre d’artiste militant à douze pseudonymes associé à tous les projets qui croise sa trajectoire arc en ciel depuis 15 ans. Pour le meilleur et pour le plaisir.
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Le travail de Damien DEMAITER est un échange permanent et laborieux entre la matière qu’il utilise et son état d’être, ses émotions, ses vibrations. Continuellement en connexion avec ce qui l’entoure, il n’a de cesse d’explorer et d’expérimenter l’expression de son ressenti. Un bouillonnement de vie qui l’ouvre à des techniques variées, orchestrées, mises en mouvement, en graphisme. Des associations parfois frénétiques, parfois subtiles, des jeux de recouvrements et de découvertes, des transparences, des révélations, des samplings de motifs et de symboles, des rythmes, des entrelacs de contrastes, une poésie picturale.
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Georges Dumas est un photographe plasticien français né en 1975. Il crée des œuvres qu’il appelle « paintographies », c’est-à-dire des tableaux en technique mixte sur toile qui mélangent photographie, composition numérique et peinture à l’acrylique. Son sujet principal est la figure humaine, plus particulièrement le corps.
Il présente son travail en France et en Europe depuis 2007 à travers des expositions personnelles et collectives en galerie, des foires (Fotofever, Art Up, Art Montpellier) et des salons (MacParis, Puls’Art, Figuration Critique, ArtCité, etc.)
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La genèse de l’art d’Amaury Dubois se situe au point de rencontre de ses années, à se nourrir des couleurs de la rue sur son skate la journée, et entre les pages des livres d’histoire de l’art, le soir.
Sa courbe crée ce lien visible, telle une ligne de vie entre la figuration, l’abstraction et le street art, une manière de lier et explorer ses influences.
L’artiste se considère pourtant ni comme un street artiste, ni comme un artiste d’atelier ou autres étiquettes, mais juste comme un artiste qui se sert de la couleur pour explorer sa passion pour l’art.
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Mon travail est l’autoportrait de mon âme, dissimulé dans les visages de toutes ces femmes.
Je laisse au sein de mes portraits, une partie de moi.
Je les remplis de ma vie, de mes sentiments, de mes humeurs. Tous mes choix sont inconscients, instinctifs, de la composition, à l’attitude du visage, jusqu’aux couleurs.
Derrière le graphisme, arrive le lâché prise. Ces femmes me permettent d’exprimer sans complexes toutes mes personnalités et mes choix, dont celui de l’engagement pour ma liberté, mais également celle de toutes les femmes dans le monde.
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Du bout des doigts, elle façonne la terre pour en faire naître un bestiaire
empreint de douceur et de poésie. Manchots, ours, chouettes, tous quittent
leur animalité pour prendre des postures et des expressions très humaines.
Les jeux de matières et les différentes cuissons leurs donnent une élégance
et une singularité inattendues. Un ours dansant, un oiseau sur le dos d’un
hippopotame, une famille d’empereurs réunie – c’est un imaginaire plein de
tendresse que Frédérique Delcourt nous partage.
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Régulièrement présent sur les murs de Paris, ses créations peuvent être vues
également sur les murs de nombreuses villes françaises et européennes.
Ses œuvres figurent dans une trentaine d’ouvrages dédiés à l’art urbain.
Parallèlement à son travail in situ, ses œuvres d’atelier font régulièrement l’objet
d’expositions collectives et personnelles et sont présentes dans les ventes aux
enchères spécialisées. Son travail s’articule autour de thèmes récurrents liés entre eux par le questionnement sur le passage du temps et la fragilité, aussi bien dans la forme (l’œuvre dans la rue est vouée à disparaître à plus ou moins brève échéance) que sur le fond.
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Dessinateur autodidacte sous le pseudonyme de « Fred le chevalier » inspiré autant par mon attrait d’enfant pour l’héroïsme des romans de Dumas que pour l’absurdité des Monty pythons j’expose depuis 2012 en galeries,
pratique le collage urbain et interviens régulièrement pour des ateliers – rencontres par le dessin au sein
d’institutions aussi variées qu’écoles, lycées, hôpitaux, maisons de retraite, association, maisons d’arrêt..
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Sourire garanti avec l’artiste «Freaks the Fab» alias Fabrice pluvinage. sonnant comme une invitation à l’ouverture d’esprit, l’univers coloré, joyeux, décalé et faussement naïf de FreaKs tHe Fab va vous faire sourire à coup sûr et peut-être même, vous interpeller comme il aime le faire dans la rue.
Reconnaissables au premier coup d’œil, les personnages issus de l’imagination débordante de l’artiste vous plonge sans détour dans le Freaky World, un univers coloré surfant avec légèreté et impertinence sur les temps forts de notre monde contemporain.
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Installé depuis 2012 à Paris, il a vécu une partie de son enfance en Polynésie Français, une région qui l’inspire quotidiennement dans la réalisation de ses œuvres.
C’est après les attentats de Paris, en 2015 qu’il recentre son travail autour d’une émotion : l’amour. Ainsi nait Téva, un personnage soufflant un cœur qui a pour vocation de transmettre au plus grand
nombre ce sentiment à travers dessins, toiles mais également sous forme de peintures et collages dans les rues.
Téva est un prénom tahitien ayant plusieurs significations, il est utilisé pour parler d’un grand voyageur mais également pour désigner une averse.
Il est le plus souvent réalisé en noir et blanc, par des tracés pouvant rappeler le tatouage polynésien, il prit place dans les rues sous différentes formes avec pour souhait d’inonder le monde d’amour.
Chaque apparition de Téva est comme une scène de nos vies quotidiennes, nous rappelant qu’à tout moment et dans chaque geste, l’amour doit être omniprésent, essentiel.
Vous l’aurez compris le partage de l’amour est devenu son leitmotiv et Téva son messager.
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Autodidacte, il fait ses armes dans l’univers du graffiti au début des années 2000.
Après avoir parcouru les murs de France, et également de l’étranger (Colombie, Etats Unis, Australie, Angleterre, Indonésie …) il développe désormais son travail sur de nouveaux supports (toiles, skates, digital …).
Il place au cœur et à l’origine de toutes ses peintures la couleur. Il cherche d’abord à susciter l’émotion qu’elles lui procurent chez celui qui les regarde.
Ensuite vous retrouverez les codes du graffiti qui lui sont chers, c’est à dire la signature, le travail des lettres, du mouvement, de l’énergie, qui amène aussi à l’imperfection, la fragilité et le caractère unique du fait main.
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Franck Guihal joue les assembleurs pour détourner et ressusciter de vieilles pièces de métal usées et oubliées. Il récupère depuis une quinzaine d’années l’acier sous toutes ses formes, usinées ou broyées qui lui évoquent des parties du corps humain, des formes organiques essentiellement, dont l’origine n’est plus vraiment identifiable.
Qu’il exploite les pièces dans leur intégrité ou qu’il les triture, il s’amuse à les recomposer et à les souder pour en oublier leur identité première et pour n’en exploiter que leur esthétique et leur aspect brut.
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‘Dans ses œuvres on trouve des supports en bois qui font rejaillir l’aspect satiné de la laque rouge ou jaune, des toiles de lin avec un travail en couches successives, ou des soies marouflées et recouvertes de couches de cire.
La délicatesse de l’encre de chine, le travail patient fait de nombreuses phases de préparation du support et d’application de la couleur, tout ce qui dans la peinture asiatique sert à rendre les émotions paisibles et les actions méditatives, se transforme dans les mains de Valérie en signe expressionniste, par le geste et l’ émotion.
La connaissance de l’iconographie classique italienne ainsi que la reformulation sensible de la mythologie confèrent aux protagonistes de ses œuvres une valeur figurative et morale.
Les œuvres de Valérie sont comme des pierres pavant la route de son existence, signalant les moments forts, exprimant des pensées qu’elle extrait de son intériorité. »
Lucia Collarile,Rome 2016.
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AKnin Philippe, Hugo Jules Mathias de mon nom d’artiste Nîmois de 65 ans ! Je peins depuis toujours ! Plus de 40 ans, je crée même des tables basses !
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C’est dans une cave lilloise que naît et se développe le travail de Kelu abstract.
Ses visages trouvent support sur des affiches dans la rue, sur les encombrants au fil des rencontres mais aussi sur toile et papier.
Kelu abstract ne dicte pas de message et laisse l’interprétation libre de ses regards réciproques.
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En façonnant de mes mains des matériaux offerts par la nature (porcelaine, bois)-inertes à nos yeux- mon intention est de réanimer la matière : Le bois recyclé,
d’abord rejeté par l’homme va, sublimé par la porcelaine, reprendre une place dans notre univers.
Et c’est aussi la renaissance de la nature que je célèbre lorsque la création part d’une souche, d’une écorce ramassée au gré de mes ballades.
Enfin, la Vie et son mouvement permanent sont mes sources d’inspiration : je tente d’imprimer et d’incarner dans la terre, par la finesse et la légèreté, ses instants
furtifs.
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De nature touche-à-tout, son travail est pluridisciplinaire.
Toiles, fresques murales et sculptures sont ses principaux supports d’expression.
À travers des recherches impulsives et automatiques, ses méli-mélo de personnages apparaissent comme l’expression de ses réflexions les plus profondes.
Relier les choses et les êtres à la lumière des liens qui les unissent. Figer les émotions qui s’animent au fil des rencontres, capturer ces moments où la vie s’exprime et nous étonne. Entre émerveillement et joie de vivre, mais également craintes et préoccupations, le travail de Tommy est un besoin instinctif de mettre sur papiers ses humeurs et émotions.
Il recherche une vibration et un équilibre visuel par la déconnexion entre les couleurs et les formes. Leur enchevêtrement complexifie volontairement la lecture. Colorées et bien souvent chaotiques, ses œuvres viennent questionner nos rapports humains et nos libertés.
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David Kunzli est né en 1972. Il se forme en dessin publicitaire à l’école des Arts graphiques Corvisart à Paris. Il abandonne rapidement la réalisation de maquette au profit de la pein- ture, qu’il pratique depuis son plus jeune âge. À la recherche d’une écriture personnelle, David Kunzli parcourt l’Asie et treck des mois dans les montagnes de l’Himalaya. De ces séjours nait sa technique, une interrogation qui l’amène à l’essentiel, des visages ronds du bouddhisme au plus aigüe des mondes de l’est. Dans ses premières pratiques, David utilisait le médium de l’huile mais jugé trop riche, il décline son ouvrage dans un dépouil- lement simple prêt à raconter l’humilité des personnes qu’il a rencontré. Sur le support, les matières fondues deviennent graphiques dans la puissance du trait, résonnent dans les interstices des bois creusés l’intériorité de l’être, de toi de moi. Dans un espace, il organise ses unités d’hommes et de femmes aux placements imprévus, génère une ambiguïté du comportement sociétal. Interférant avec alliance et opposition, ils se regardent, se ren- contrent, se retrouvent et se perdent dans le cycle actuel.
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Je m’interroge sur le temps qui passe, l’impermanence, la fugacité, la mémoire, les traces et les empreintes qui s’estompent, tous ces mouvements de la vie que je décharge sur mes toiles, en superposant des images, capturées puis fragmentées.
J’insère le miroir, les reflets et l’ouverture, en écho à la complexité humaine, à l’intégration du monde visible et invisible;
Liberté de geste, liberté de rendu, j’invite le regardeur à imaginer son propre scénario.
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Je croyais qu’il existait encore des endroits secrets, cachés dans les crevasses et fissures de ce monde. Des
endroits qu’on pourrait rendre beaux, paisibles, calmes, sûrs ou au moins supportables.
Etre au commencement, à la lisière, à la frontière d’un monde nouveau avec la peur ou le désir de l’inconnu. Etre là où la forêt se dérobe à la lumière, là où elle transforme les richesses du soleil, Là où le
soleil est sur la peau. Les formats en tondi proposent une version du paysage où l’or envahit la totalité de l’arrière plan, sans ligne d’horizon, laissant le spectateur choisir son point de vue : Est il couché dans l’herbe en voyant le ciel au delà des frondaisons ou se penche -t-il sur un miroir d’eau ?
L’accrochage dans l’espace est multiple, ( mur, sol, plafond) le tondo est comme une fenêtre ouverte.
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Clothilde Lasserre est docteur ingénieur en mathématiques de formation, elle se consacre entièrement à son métier d’artiste plasticienne depuis 20 ans. Colorée et forte en symbole, son œuvre témoigne de la nécessité des hommes à cultiver leur singularité tout en vivant ensemble.
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Sous le pseudonyme Le CyKlop, je pratique un art ludique, populaire et souvent interactif. Je suis connu pour mes installations sur le mobilier urbain qui colorent la ville et dont la poésie décalée apporte une touche de fantaisie à la rue. À travers mon univers graphique
polychrome et fantastique, je cherche à m’affranchir des supports conventionnels que sont les murs ou la toile, pour investir les objets.
Un art ludique et populaire qui empreinte son langage artistique, aux jouets, à la BD ou au bestiaire animalier… En y apposant un oeil, je tente de les rendre vivant, de leur donner une âme et d’y faire naître une forme de fantaisie. En puisant dans l’histoire du cyclope, je revisite la mythologie grecque à la sauce Toys.
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Ma démarche artistique s’inspire de l’improvisation, guidée par l’ambiance, la musique et le cadre pour laisser libre cours à mon imaginaire. Je revendique ma liberté à travers une création minutieuse, défendant un art accessible à tous, où des personnages chaleureux évoluent dans un monde complexe. Cette pratique agit comme une thérapie, explorant nos rêves et angoisses sur une toile infinie, invitant chacun à les identifier et les accompagner.
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La plupart de mes peintures/dessins s’inspirent de mon propre vécu, d’éléments fragmentaires personnels, d’environnements observés au quotidien.
Comme pour le sujet du dessin ainsi que le visuel de l’image, un élément accompagné parfois d’un petit récit suffit à l’obtention de la genèse du dessin. La réalisation s’effectue au départ, entre autre, par une sensation dans le présent révélant un souvenir de mon enfance à travers un sentiment précis. S’ajoute à cela le choix des couleurs, de la texture ou de la luminosité ramenant à ce souvenir d’un
sentiment un peu flou, mais réel. A partir de ces différents éléments que je superpose, je crée un lien entre espace réel et imaginaire. Au fur et à mesure, l’image apparaît grâce à une association d’idées, à l’implication de mes émotions et sentiments, ainsi qu’à la progression de mon dialogue aléatoire avec le papier.
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Claudine LOQUEN tourne le dos à l’enseignement qu’elle a reçu aux Beaux-arts. Elle veut désapprendre et laisse son imagination prendre le dessus sur la vraisemblance, les vérités du cœur sur le réalisme optique… Elle trouve ses sujets dans ses rêves de petite fille : princesses et danseuses…Il faut le faire ! Pendant des années, elle peint des silhouettes très fines à l’encre de Chine, technique qu’elle maîtrise bien. Elle les allonge comme des calligraphies, les affuble de tutus et de perles, les fait danser et se pavaner gracieusement. L’artiste invente des personnages pourvus d’un très long cou, de lèvres charnues, sur un fond relativement neutre, comme dans un rêve ces personnages reviennent sans cesse sur ses toiles. Une vraie explosion de formes et de couleurs, de drôleries et d’exubérance occupent la toile. Chaque petit coin en est habité et s’épanouit.
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Anna Marchlewska est une photographe plasticienne diplômée des Beaux-Arts de Paris. Polonaise d’origine, elle vit et travaille dans la région parisienne depuis plus de 20 ans. Spiritualité, religion, science et rapport à la nature sont ses principaux sujets de recherche artistique. Elle pratique la photographie expérimentale, la vidéo d’art et l’installation. Elle expose régulièrement aux quatre coins du monde : Paris, Moorea (Tahiti), Venise, Bridgeport ou Gdansk. En décembre 2022, elle reçoit le Prix de Photographie au Salon Artistique de Bois Colombes pour sa série TransFiguration.
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Chercheur, trouveur, assembleur, colleur, créateur, collectionneur, passionné par la ville, la mode et l’industrie.
Directeur de création de métier, spécialisé dans la création de campagnes pour le cinéma, je dévoile aujourd’hui mon travail personnel. Depuis 30 ans, j’ai collectionné et posé au quotidien des idées dans une centaine de cahiers. Aujourd’hui, je suis prêt à montrer mon travail sur treize séries abouties.
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Caroline Montigneaux est une peintre et dessinatrice dont les œuvres ont figuré dans des expositions et des publications à travers la France. Adoptant une approche gaie et lumineuse de la couleur et de la silhouette, elle compose des portraits amusants à l’encre de Chine ainsi que des œuvres agrémentées d’une touche de street art, le tout dans son univers singulier de Petites Nanas.
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Mon travail est autobiographique, il s’inspire de mon quotidien, de mes expériences, de mes interrogations ; Il est le reflet de ces moments captés qui restent figés dans ma mémoire. Au gré de mes rencontres, je deviens parfois le vecteur d’expression des émotions des autres que je tente de retranscrire au mieux dans mes tableaux. Mes œuvres deviennent alors le fruit du partage. Lorsque l’image est en mémoire, tout consiste ensuite à retranscrire au mieux l’atmosphère qui émane du moment : supprimer certains contours, interpréter la lumière pour ne garder que l’essentiel. Car au final tout l’enjeu est là, se rapprocher au plus près de l’émotion originelle. Une recherche qui s’appuie sur des éléments qui peuvent sembler antinomique : là où ma technique consiste en un rendu réaliste, ou du moins à retranscrire une certaine réalité, elle doit exprimer l’impalpable.
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Muriel Chevènement (MuChe) peint depuis 1996. Elle a construit son parcours de peintre des cours de l’école des Beaux Arts de Nîmes à un collectif d’artistes montpelliérains.
L’artiste est liée à la nature qui l’entoure, le littoral occitan, les étangs, et plus généralement aux vastes espaces, ces champs de lumière et de couleurs.
Lumière, couleurs, reflets sont au centre de son travail, une interprétation du dialogue qui existe entre les éléments naturels, le ciel et l’eau qui est son miroir. Le minimalisme des moyens picturaux est un désir de pureté, de simplicité.
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OJA réalise des portraits de célébrités
sous la forme d’ex-voto détournés.
Observatrice de la mémoire collective,
OJA interpelle en représentant des
personnalités réelles ou fictives issues
de la pop culture.
Ses œuvres renvoient aux contradictions de notre société surmédiatisée et
« sur-réseausociabilisée » qui crée, sacralise et désacralise des icônes devenues des produits de société dans un monde obsédé par la célébrité.
Sensible à l’âgisme, OJA représente toujours ses personnages à leur âge actuel.
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Artiste belge et passionné, je crée chaque jour car l’art m’est nécessaire. Les bombes sont mes outils de prédilection, elles m’offrent une liberté plus difficile à acquérir avec des outils classiques. Après des études en arts et aux beaux-arts, c’est en bousculant mes acquis que je trouve mon style et ne cesse de le faire évoluer. Créer un pont entre l’art abstrait et le graffiti est un peu mon fil rouge. Je crée spontanément, chaque trait entrainant le suivant. Je suis un artiste heureux.
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Antoine Renault est un peintre français né en 1963 à Nantes. Basé sur l’île de Noirmoutier, il est connu pour son travail étonnamment réaliste sur l’eau. Ses thèmes sont l’invincible été et la légèreté de l’être. L’inspiration vient de ses deux îles préférées : Noirmoutier et Amorgos.
Sa technique joue en permanence avec la frontière du réalisme : l’œuvre accroche le regard à distance avec une image quasi photographique mais au fur et à mesure que l’on se rapproche, les coups de pinceau révèlent des formes abstraites qui laissent place à l’imaginaire.
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Artiste peintre autodidacte, mon médium de prédilection est la peinture à l’huile que je complète avec des mots, de la ficelle, dans un style réaliste.
Je souhaite révéler les liens qui nous unissent et je suis convaincue que l’art est un moyen puissant de créer des ponts entre les Hommes, qu’il favorise la compréhension et l’empathie.
A travers la représentation du corps, je crée des œuvres accessibles à tous et ambitionne qu’elles puissent inspirer à trouver la beauté du monde qui nous entoure.
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Avant de se consacrer à son activité artistique, Aurélie Salvaing était juriste et a travaillé comme documentaliste pendant 15 ans au cours desquels elle a commencé à dessiner sur les ouvrages promis au pilon.
Techniquement, elle crée donc des palimpsestes en dessinant des visages sur les pages de livres. Ce terme évoque la trace, l’image, le texte qui s’efface, la texture de la fibre, l’éphémère. Il faisait à l’origine référence à un parchemin dont l’inscription avait été grattée pour en écrire
une autre. Chaque création est constituée d’un hypertexte, le visage et en arrière-plan de son hypotexte, qui se superposent.
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Je cherche à faire résonner en moi par l’acte créatif mes propres sensations de ce que je suis: une figure perdue au milieu de toutes ses influences intérieures et extérieures, qui n’a d’autres choix que de composer avec, mais qui subit toujours, et impacte parfois.
Le vide, le plein, le dense, le mou, le fluide, le structuré qui traversent et malmènent la
figure sont autant de moyens d’exprimer cette contradiction et inconfort du vivant.
L’abstraction soufflée par les couleurs, les matières et les formes, en opposition avec
le cerne, la ligne et des éléments distinctifs et presque symboliques du visage et du
corps, renforcent également cette contradiction.
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Pascal Sentenac mène depuis plus de dix ans une recherche personnelle sur l’image photographique, en parallèle de son métier de directeur de la photographie qu’il exerce depuis trente ans et de son activité de scénariste.
Ses images proposent une lecture des phénomènes chaotiques du monde qui l’entoure, des multiples façons dont les êtres habitent leur humanité et les lieux, « des petits bouts de l’époque à partir d’un regard particulier »*.
La naissance de chaque série résulte d’intuitions qu’il « essaye de traduire visuellement »* en élaborant pour chacune une esthétique dédiée et un dispositif singulier.
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Diplômée de l’Académie des Arts Appliqués de Saint-Pétersbourg, elle utilise différentes techniques de l’estampe comme la taille-douce, la xylographie et lithographie. Elle puise son inspiration dans les friches industrielles, les paysages citadins déserts. Dans son travail elle fait souvent appel aux thèmes des maisons en ruines dont chacune raconte une histoire humaine singulière. Elle ne représente pas des paysages qui existent, mais qui pourraient exister. Elle cherche plutôt à faire sentir la poésie et la beauté du vécu, de la solitude. Poétiques et sensibles, comme arrêtées dans le temps, les architectures s’accumulent, montent et débordent, coulent et s’étalent et nous rappellent alors à nos propres émotions.
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Chacune de mes peintures s’inscrit dans la recherche d’une expression à la fois sensuelle et sensorielle. Ma technique évasive et poétique s’abandonne au gré du dessin, pour expérimenter les accidents de matière dans une démarche qui fait confiance aux éléments. Le résultat réinvente un rêve, à la frontière du concret et de l’improbable, de l’inédit et du désiré. Mes tableaux vibrent de sa passion pour les corps et leurs mystères et la vie indomptable qui les met en mouvement. Le passage de la vulnérabilité de l’artiste à la force nouvellement sculptée sur ses toiles est l’essence même de mon travail artistique.
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Dans ses dessins, peintures et sculptures, SylC place l’Homme au centre de son propos. Fortement teintée d’onirisme, son œuvre révèle notre identité véritable, nos paradoxes, nos dualités. L’hybridation et la métamorphose, symboles de la complexité de nos personnalités et de notre évolution perpétuelle sont au cœur de ses réflexions.
SylC collabore avec des galeries en France, en Europe et aux USA. Ses travaux sont présents dans des collections publiques (FDAC de l’Orne, Villes de La Rochelle, du Mans, de Maisons-Laffitte) et privées.
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Tegmo, artiste urbain. Créateur autodidacte de vitraux en miroir et en volume. Le principal but de ces œuvres est de ne pouvoir se voir en face, mais plutôt apercevoir le monde qui nous entoure. Une façon de contrer le narcissisme et de pousser plus en avant un questionnement. Une sorte de mirage suspendu au mur
dans lequel une interaction se met en place. Par ce fait en fonction de l’emplacement de l’installation ou de l’œuvre un nouvel horizon s’ouvre a vous.
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Romain Thiery, né à Bergerac en 1988, est un auteur photographe et pianiste amateur vivant et travaillant près de Montpellier, France.
Romain Thiery estime que le piano est profondément enraciné dans les profondeurs de notre culture, et a cherché́ à explorer l’instrument sous un angle original. Il s’est donné pour mission de combiner ses deux plus grandes passions et s’est mis à la recherche de bâtiments où de vieux pianos sont laissés à l’abandon. Depuis 2014, il a découvert plus de cent pianos à travers le monde, en autant de lieux à la foudroyante beauté́. Scènes dont il ne change jamais rien, laissant l’endroit tel quel. « Même au milieu d’un espace dégradé, le piano ne cesse de conserver sa puissance. Il est là, il trône de tout sa noblesse ».
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Architecte de formation, Grégory Valentin, est un amoureux des livres, des lignes et de l’Art. Il intègre dans ses tableaux l’intégrale d’œuvres littéraires en jouant avec les espaces, les polices, les lettres pour en restituer une émotion intense et une esthétique parfaite. Grégory Valentin présente un minutieux travail de composition où il va discipliner, contenir et mettre en forme des textes pour recréer l’intégralité d’un livre sous forme artistique. La finalité de son travail présente à la fois une œuvre abstraite reposante et esthétique tout en donnant vie aux œuvres littéraires desquels il s’inspire.
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Les technologies de nos jours évoluent et changent nos comportements, notamment depuis l’émergence des réseaux sociaux. Plutôt que de juger les transformations qui en découlent et de moraliser les utilisateurs, mon travail tend à représenter l’esthé- tique qui en résulte.
Ma propre utilisation des réseaux sociaux me permet de me rendre compte de l’essor d’une nouvelle norme, le selfie, ou l’égoportrait. C’est la contradiction entre intimité de mise en scène, privée, et publication publique, que je souhaite illustrer ; c’est-à-dire dépeindre le passage du personnel à universel et le paradoxe qui en découle.
Ma démarche est simple. Elle consiste à partir d’une photographie d’un modèle prise sur les réseaux sociaux, à la dessiner sur papier en réduisant les formes, en supprimant les visages pour en souligner les courbes à la façon d’images publicitaires. Ensuite, traiter le dessin par ordinateur – en laissant visibles les défauts du numérique – et enfin le peindre / sérigra- phier pour qu’il subisse un ultime traitement humain, artisanal.
Les technologies évolutivent conduisent à des changements de comportements qui développent eux-mêmes de nouvelles postures, aussi j’ai fait le choix d’impliquer ces technologies dans ma démarche. Omniprésent dans nos vies, le numérique s’immisce ainsi dans mes oeuvres, leur apporte une contemporanéité et les situe dans notre présent.
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Nourri de l’esthétique du cinéma muet, de la littérature populaire, des grands maîtres de l’illustration et de la bande dessinée, mon travail tente de construire un univers imaginaire fait de rêves d’enfance, des souvenirs de lecture, ou de réminiscences cinématographiques, avec un aspect narratif souvent marqué, qu’il s’agisse d’histoires connues ou de récits à construire, et une certain humour, créant un contraste que j’espère fécond avec le rendu quelque peu ténébreux de la technique.
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Warren Podguszer (Wawapod) à débuté son parcours artistique en 2014 avec la photo de rue. Il compose d’abord à partir d’images et de photos sur support digital, avant de rapidement projeter ses idées sur toiles.
Son univers est un tourbillon de couleurs et de joie qui joue avec les icônes de la Pop-Culture et mélange les courants. Wawapod aime rassembler, mixer les références entre elles, obtenir quelque chose de nouveau à partir d’éléments existants et très populaires.
Son désir est de nous faire voyager à travers l’histoire de l’art tout en nous invitant à plonger dans ses souvenirs d’enfance. Wawapod met en lumière, réinterprète, parodie et rend à la fois hommage à d’immenses artistes tels que Haring, Basquiat et Banksy mais aussi Magritte, De Vinci et Matisse, s’il ne fallait citer qu’eux.
Sa plus récente série se dirige vers un travail sur les courbes, cercles et lignes qui laissent entrevoir des visages et silhouettes d’oeuvres d’artistes actuels aussi bien que de tableaux anciens. Il surprend l’oeil en imbriquant ces images les unes avec les autres.
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KAMO est un artiste graffeur autodidacte post graffiti dont l’univers symbolique, coloré et percutant est une quête de transmission de messages collectifs puissants pour les humains et le vivant. Son travail est marqué par les coulures inversées qui représentent le mouvement vertueux d’élévation, l’impermanence des sujets, symboles. C’est cette énergie brute, à la fois instinctive et consciente, qui donne ce style authentique et percutant à ses œuvres.
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Julia FORMA est une artiste de street art originaire de Toulouse qui a fait ses débuts artistiques dans l’art urbain avec le graffiti et le collage. Elle peint sur les murs et les toiles des femmes et les liens qui les unissent, sa recherche du dépouillement du trait cherche à rendre visibles la puissance et la force dans une douce évidence.
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RNST
RNST est un artiste pochoiriste engagé originaire de Dijon. Son travail « inencadrable » s’affranchit du politiquement correct. Son œuvre poétique associe la force de frappe des messages et la fragilité des figurent enfantines et féminines qui portent les couleurs de l’insurrection. Leurs masques les protègent, les déguisent, donnent des voix aux moins visibles. Ils font résonner un puissant écho vers nos enfants intérieurs, la quintessence des ressentis et émotions face à ces sujets brulants.
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RNST
RNST est un artiste pochoiriste engagé originaire de Dijon. Son travail « inencadrable » s’affranchit du politiquement correct. Son œuvre poétique associe la force de frappe des messages et la fragilité des figurent enfantines et féminines qui portent les couleurs de l’insurrection. Leurs masques les protègent, les déguisent, donnent des voix aux moins visibles. Ils font résonner un puissant écho vers nos enfants intérieurs, la quintessence des ressentis et émotions face à ces sujets brulants.
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